metal mania

Crítica de “Resolution” de Lamb of God 10/10

2012-02-01T22:26:00.000+01:00

A la hora de escribir esta crítica, se acaba de conocer que Lamb of God han entrado al número 3 de lista Billboard, además de haber llegado muy arriba en otros muchos países, al 3 también en Australia o al 19 en el Reino Unido. Eso certifica que los estadounidenses son una banda enorme, cuyo impacto es mundial aunque su verdadero estallido se produjo en su país hace algunos años. Su lema Pure american Metal hace honor a un grupo que junto con Machine head son la vanguardia de una nueva generación que han recogido el testigo y se han convertido en el relevo de los más grandes. Pantera pueden estar orgullosos del monstruo que lograron revivir hace 20 años con los colosales “Cowboys from hell”, “Vulgar display of power” y “Far beyond driven”.

Lamb of God llegaron a la cima con “Sacrament” primero, y “Wrath” después, pero este “Resolution” supera todos los límites de la excelencia. Nunca Metalbitacora había puntuado con un 10 un disco, pero estos 14 temas son sensancionales, del primero al último. Lamb of God han encontrado la fórmula para combinar furia y calidad. Podría alargarme en adjetivos y análisis pormenorizados de todos y cada uno de los temas, pero es inncesario. Este es el trabajo definitivo de Lamb of God, han situado el listón tan arriba que me parece muy complicado hacer algo mejor. Las guitarras dan una constante lección de riffs pesados, Chris Adler a la batería demuestra que es una bestia, con un estilo muy particular que se identifica fácilmente, y que es capaz de dirigir a la banda en muchas canciones, y sólo me queda la duda de si Randy Blythe será capaz de plasmar en directo los registros que ha logrado en el estudio. Su presencia en los festivales europeos de primavera-verano será clave para verificar si están ya en el Olimpo metalero a todos los efectos.

La intro “Straight of the sun” es inquietante, como casi todas las que abren sus trabajos, un increscendo lento que pone en guardia hasta que el oyente empieza a reclamar que estalle la música, y eso ocurre con un terrible “Desolation”, donde guitarra solista y batería marcan la pauta acompasados por la segunda guitarra y el bajo. Un ritmo sinuoso y salvaje, muy semejante al del primer sencillo “Ghost walking” (no os recuerda a "Redneck"?) donde Randy pone su voz al servicio de un tema más melódico, muy metalero, en el que hay un solo de guitarra aparentemente no demasiado complejo, pero que encaja perfectamente en una canción repleta de cambios de ritmo.

En “Resolution” hay algo más de melodía que en sus antecesores, pero la velocidad no falta, y “Guilty” es el mejor ejemplo. El inicio parece un homenaje a Slayer, hasta Adler parece homenajear a Dave Lombardo, hasta el tramo final de la canción, donde las guitarras conducen los últimos ritmos. El aroma a Thrash clásico se respira también en “The undertow”, aunque es el vocalista quien mantiene la identidad del grupo, sin cambiar a aquellos registros clásicos más chillones. Lamb of God virando hacia el Thrash? “Cheated” es otro ejemplo, hasta en su duración, 2:36 de explosión iracunda. Por momentos parece que sí, aunque a lo largo de 14 canciones os podéis imaginar que hay momentos para casi todo.

Si hay un momento del disco al que le tengo especial aprecio es a “The number six”. Todos y cada uno de los integrantes de la banda se lucen en una ejecución de Metal de lo más bruto, sobre todo Blythe, quien combina melodías con gritos de lo más poderoso. El ritmo intermedio y los estribillos son muy melódicos, como pocas veces en LoG, incluyendo un tramo final en el que unos coros visten un tema que seguro que os sorprenderá por lo de novedad que supone en su trayectoria.

Lejos de flaquear, como sucede con otros de sus trabajos a medida que avanza el Cd (“Wrath” es un caso evidente), el trabajo mantiene el fuelle de forma constante. Es lo que tienen las obras maestras, que se disfrutan de principio a fin. De todos es conocida la inclinación de la banda, y especialmente de Blythe a la crítica social, al capitalismo salvaje y a las prácticas militaristas y colonizadoras de las grandes potencias, empezando por su propio país. La portada muestra una tierra seca, asolada, con una explosión de fondo que sugiere guerra y destrucción. Implícitamente, siempre hay un llamamiento a la rebelión, como en el primer vídeo-clip. Casi todo el disco gira en torno a esa idea: desolación, sometimiento vs. Insurrección y rebeldía.

Cuando llega la escucha a “Terminal unique” se puede pensar que ese mismo tema podría abrir el disco y el brillo sería el mismo. Quizás no compartáis mi visión, pero sin olvidar que en este “Resolution” la banda hace lo que mejor sabe hacer, hay algunas otras pinceladasd novedosas que calificaría como progresivas, en la antes mencionada “The number six” y en otras como “To the end”. No decae en ningún momento. Es salvaje y brutal, pero también estudiado y bien estructurado.

Por si fuera poco, se añade un bonus Cd de la gira de “Wrath” absolutamente increíble. 12 canciones de lo mejor de su repertorio con un sonido cristalino y un ambiente captado a la perfección: el directo de los de Richmond (Virginia), su momento culmen. Ahí están un demoledor “Walk with me in hell”, “Now you’ve got something to die for”, “As the palaces burn” o la ya mítica “Redneck”. Si te metes un menú con los dos discos seguidos probablemente te entrarán ganas de invadir Polonia. Bueno, quizás no tanto, pero igual le das un puñetazo a tu vecino. Seguro que se lo tiene merecido.

Es muy difícil hacerlo mejor.

Crítica de "Dawn for a new breed" de Clockwork 8'5/10

2011-12-01T17:19:00.000+01:00

La portada del artista Marcos Cabrera para el primer Ep de Clockwork

Clockwork estarán tocando el próximo 10 de diciembre en Bilborock, dentro del Back from the Death - Tributo a Chuck Schuldiner

En cualquier actividad competitiva, y la lucha por el éxito en la música también lo es, hay una combinación de factores que te llevan arriba o te dejan a mitad de tránsito: el primero es, por supuesto, el talento. El segundo es la ambición. El tercero es que te puedas rodear de personas que te ayuden a desbrozar el camino. Y el cuarto, y no necesariamente en este orden, la suerte en sus diversos grados.

No sé hasta dónde serán capaces de llegar Clockwork, pero reúnen varios de estos factores en esta primera muestra que nos ofrecen, un Ep titulado "Dawn for a new breed". Si esto es lo primero que han parido, cabe deducir que puede venir mucho más y seguro que mejor. Metalbitacora no suele puntuar los trabajos de debut de ningún grupo, pues todos tienen derecho a equivocarse una vez, pero la rotundidad de estas canciones merecía nota.

Aquí hay talento: voz, guitarras y base rítmica, especialmente la batería, son un ensamblaje aplastante para un combo que explora los caminos más actuales que discurren entre el Thrash y el Death. Estamos ante un sonido que está más desarrollado al otro lado del charco (Lamb of God, Machine head, Devildriver), pero que mantiene la inspiración del Thrash clásico que en Europa está viviendo un verdadero revival (Evile, Gama Bomb, Angelus Apatrida).

Hay ambición: si no, uno no se puede explicar cómo un debut puede sonar tan poderoso (está producido por el guitarrista Javi García y por Gorka Dresbaj), e incluir colaboraciones de Davish (Angelus apatrida), Alberto Marín (Hamlet), Ryan Knight (The black dahlia murder), Andoni García (Phthisis) y Mitch Harris (Napalm death).

Cuentan con personas que les están ayudando a difundir su propuesta: sólo así se puede entender que su Ep esté siendo distribuido por una revista de gran tirada como Rockzone en este mes de diciembre (compartiendo portada con Mastodon nada menos).

Falta por saber cuánta suerte tendrán, pero lo que está claro es que Javi García (ex- Soziedad Alkoholika), -junto con el otro guitarrista recién incorporado Pablo Tello, quien no ha participado en la grabación-, el vocalista Rown Houland (Infernoise), el batería Albaro Alonzoo (Idi Bihotz, Clarisse) y Dani aka Patxi (Kop) han dado forma a cinco temas sensacionales, y que en poco más de un año de vida las expectativas sobre esta banda se han disparado, como vemos ahora con razón.

Una intro titulada "Hate mantra" inquieta hasta que explota "Everything burns", un tema rápido, de 3 minutos 15 segundos, de hecho todos los temas están rondando esa duración, ninguno supera los 4:30, lo que da la medida de que buscan impactos directos. Destacan las guitarras, una constante en todos los temas, la precisión de Albaro a la batería y el trabajo vocal de Rown, que es algo sensacional. Sus cualidades impresionan desde el primer momento: él se ha encargado de cantar, doblar voces y hacer los coros, y su registro puede oscilar entre el poderío más melódico hasta las partes guturales, pero siempre con un timbre reconocible, no como las millones de voces guturales que hay por el mundo, que parecen clones, en él hay algo distinto.

En "One last fight" Davish de Angelus Apatrida deja un solo marca de la casa mientras el tema discurre a una velocidad verdaderamente apabullante. "Trial and error" arranca con guitarras afiladas, y cambia de ritmo varias veces, siempre en medio de la furia de Rown, que a veces parece un auténtico poseso.

"Mandatory" es el lujo del Ep., con Ryan Knight, que firma un solo durante una interesante y pesada transición, para que, al volver la rapidez, Mitch Harris se ponga a gritar como un descosido, en un pulso con el vocalista ciertamente espectacular, un intercambio de furia que sólo se puede definir como puro Metal.

Mi tema favorito es el último, "Evil grin", que tiene un arranque a lo Lamb of God potente, y en el que los coros de acompañamiento son más melódicos, sin olvidar el solo del titán Alberto Marín, muy magnético. Otra vez canción corta, rápida y con una firmeza propia de un muro de hormigón. Es calidad no reñida con la potencia.

En general, el trabajo de guitarras es muy bueno. Se observa inspiración y ensayo en cada melodía, y muchos vais a descubrir en Javi García a un músico de gran virtuosidad que no podía desarrollar sus cualidades en una banda como Soziedad Alkoholika. Podría reiterarme y deciros que vais a preguntaros cómo es posible que sólo con cuatro extremidades una batería saque en algunos pasajes sonidos como los que ejecuta Albaro, pero lo mejor es que los probéis vosotros mismos.

Quizás para dar un mayor músculo al conjunto (aunque es difícil) se precise engordar un poco las líneas de bajo. Aún así, hay que verles en directo, tengamos en cuenta que no viven en la misma ciudad y sus oportunidades para ensayar son muy pocas, con lo que el producto final tiene aún más mérito.

Esto es Metal, puro Metal. Y seguramente la suerte tendrá la última palabra con ellos.

Crítica de "Bost" de Ost 8/10

2011-11-24T20:51:00.001+01:00

El País Vasco siempre ha sido muy propicio para las bandas de Rock duro y Metal en general. Desde hace hace más de dos décadas, podemos decir que tras la desaparación del RRV (Rock Radical Vasco), poco a poco fue originándose una escena que nos han dado grandes grupos, algunos de ellos con trayectorias longevas, como es el caso de los Su ta gar. Como parte negativa habría que destacar que muchos de los que siguieron ese camino fueron demasiado semejantes a los Suta. Resumiendo: Heavy metal del clasicote con patrones bastante repetitivos.

En los últimos años han surgido bandas que están renovando el panorama y que quizás aún no han logrado despuntar tanto dentro de Euskal Herria como fuera del modo que lo hicieron sus predecesores, pero eso no significa que no haya talento. Una de esas bandas son los bermeanos Ost, cuya propuesta podríamos simplificarla como Metal moderno a secas, con influencias del clásico por momentos, y con un sonido en este nuevo trabajo titulado "Bost" que, personalmente, me recuerda a los Berri Txarrak más bravos en algunos pasajes.

Concretando, si te gusta el Metal poderoso, descarado y actualizado al 2011, Ost son una gran posibilidad para tus oídos. "Bost" se compone de 11 temas que se pasan volando en una escucha sosegada, y que ya le gustarían firmar cualquier bandita de Escandinavia, de esas con bermudas molonas y flequillos cortados a cuchilla, de las que ocupan artículos de revistas especializadas sólo porque vienen de la madre de todas las escenas metaleras.

Aquí hay una inteligente combinación de furia y artesanía metalera, con cambios de ritmo bien ejecutados, una voz singular y reconocible (por fin!), guitarras actuales y una retaguardia bien firme en forma de base rítmica. ¿Y por qué no son más conocidos? Supongo que por una conjunción de factores entre los que está el idiomático o la débil apuesta de la mini industria euskaldun por la música talentosa si esta es guitarrera (si no estás en Elkar no existes).

En la apertura ya demuestran cuál es su talante con un "Loteria beltza" con partes veloces, de inspiración Thrash, en sexta velocidad, para bajar a segunda marcha en el solo de guitarra, y pisar de nuevo el acelerador en medio del mismo en búsqueda de un estribillo en el que los coros arropan bien a la voz de Kapi. La identidad de Ost se manifiesta mejor a lo largo de los siguientes temas, como "Ilargiarenak", una gran demostración de poderío, donde el doble bombo conduce a las guitarras hacia una movida composición, no tan furiosa como "Errespetua", que es ideal para un buen pogo.

Atravesamos la parte más descarnada de un gran trabajo, insisto, con "Ostikada" ("si quieres leña aquí tienes de la buena", es una buena declaración de intenciones!) y "Galderak III", y apuesto a que a la quinta vez que te pongas el disco te preguntarás cómo son en directo porque te gustará verles.

De lo más pegadizo es la versión de los míticos Errobi "Gure lekukotasuna". La original ya es magnética, y esta adaptación lo es aún más, con una mezcla de ritmo y un cierto panfletismo letrístico (entiéndase) ideal para los directos. En "Gure miraria" lo que destacan son las melodías vocales, que se presentan dulces en el estribillo, más que la media.

La experiencia acumulada a lo largo de casi dos décadas se manifiesta en la última pieza, "Kasualitatez", un medio tiempo de ocho minutos con detalles de voces femeninas (Izaskun Muruaga, de la banda local Lights of eden), con un aire progresivo que se evapora en la traca final, donde la furia vuelve a aparecer.

Ost han hecho un muy buen disco. Tienen algunas características que les diferencian de los demás, y eso ya es suficiente, pero lo más relevante, a mi modo de ver, es la carga positiva que introducen en el panorama metalero vasco con su sonido poderoso y refrescante.

Crónica de Devildriver y Machine head el 19 de noviembre de 2011 en Bilbao

2011-11-20T13:43:00.002+01:00

Darkest hour, Devildriver, Bring me the horizon y Machine head
Sala Rock Star Live, Barakaldo
Precio: 27'50
Duración: de 19:05 a 23:30

Rob Flynn, en la recta final del concierto, dirigiéndose al público

Era una de las noches más esperadas por el público metalero en Euskadi desde hace meses. Era una de las giras del año, y las expectativas se cumplieron: sold out desde días atrás, una sala exprimida hasta sus últimas posibilidades para acoger al máximo de gente posible, y cuatro bandas en algo parecido a un estado de gracia. No creo que nadie saliera insatisfecho, salvo por los conocidos problemas de sonoridad de una sala cuyas carencias aún son más patentes en conciertos de tanta exigencia.

En síntesis, os avanzo que me fue imposible ver a la primera de las bandas, Darkest hour, que Devildriver demostraron de lo que son capaces en la media hora que tuvieron, que Bring me the horizon pasaron desapercibidos por gran parte de los asistentes, entre ellos yo, que no entendemos muy bien qué hace una banda así en ese cartel (sí lo sabemos, vender más entradas), y que hoy por hoy Machine head ocupan el trono del Metal, junto con Slipknot. Nadie tiene tanto poderío, tanta entrega ni le pone tantas ganas a un directo como Rob Flynn y compañía.

Las puertas se abrían a las 18:30, y un gentío un tanto agobiante por momentos, ya se agolpaba para acceder a las primeras filas. Se palpaba el inicio de una gran noche de Metal. Tras la actuación de Darkest hour, una banda cuya música combina varios ingredientes de los grandes de esa noche, salían a escena los californianos Devildriver. Realmente, hay muy pocos grupos que tengan una trayectoria tan sólida y que trabajen tanto como ellos. Giran constantemente, en una búsqueda del éxito absoluto (que creo sinceramente que se merecen) en la cual no les importa ser una suerte de teloneros casi perpetuos: ahora a Machine head, antes, en Estados Unidos, a Arch enemy. Un disco cada dos años y algunas composiciones para la posteridad.

Tienen en el mercado "Beast" desde hace algunos meses, un disco rebosante de energía, muy cañero, mucho más que el anterior "Pray for villains", del que por cierto no tocaron nada ahora que reviso el repertorio. Y eso que para mí es de sus mejores trabajos. El cartel volvía a ser injusto con Devildriver al disponerles sólo de media hora, que no desaprovecharon en discursitos, solos ni florituras. Leña desde el principio, con la casi fija "End of the line" para abrir. Observo que en la zona central de la sala hay mucho movimiento, lo cual indica que hay muchos fans de Devildriver, y me gusta que vayan creciendo.

"Head on to heartache (let them rot)" cae justo después de que el gran Dez Fafara pregunte si hay alguien enamorado en la sala. Su presencia como frontman es rotunda, con un buen estado vocal si se tiene en cuenta la exigencia que se le requiere a la voz en una banda así. Nos presenta su último disco para contarnos que se abre con "Dead to rights". Dependiendo del lugar de la sala en el que se esté, uno percibe con mayor o menor nitidez una música que, en el caso de Devildriver, tiene muchos más detalles y matices de los que se puedan percibir en una primera escucha. "You make me sick" es la siguiente entrega, también del "Beast" para luego darnos una sorpresa en forma de "Not all who wonders are lost", del disco "The last kind words", una de sus buenas canciones que no suelen prodigar en los directos.

Con el ambiente cada vez más caldeado y con la banda entregada, la rítmica "Before the hangman's noose" empezaba a anunciarnos que el cronómetro no tendría piedad, y que estábamos en las últimas.

Pero antes del remate, demostraron que el repertorio estaba exprimido al máximo para contentar a quienes les veían por primera vez, que eran bastantes, por cierto. Fafara nos pidió que le ayudáramos con "every time you speak my name", de la poderosa "I could care less", y entonces el foso estaba preparado para el remate en forma de "Clouds over California", antes de cuyo arranque se quiso montar un buen circle pit al que me hubiera gustado entrar. Lo confieso.

No creo que esté en duda el hecho de que Devildriver son una garantía de calidad siempre, y que en una noche así era algo muy cercano al insulto que el lugar preponderante que merecen en el cartel se lo haya arrebatado Bring me the horizon.

El sold out se entendía, en parte, por la presencia de ese grupo, cuya base de fans tiene un perfil muy determinado. Muy respetable, pero distinto del de las bandas a las que acompañan. Así que muchos optamos por tomarnos un descanso, que sirviera para reponer fuerzas y volver a la sala, donde hacía un calor asfixiante, con la misión de coger un buen sitio.

Flynn, dirigiendo el concierto y animando al público constantemente

En la zona frontal de la misma esperamos hasta las 10 por Machine Head. El escenario estaba diseñado para que cada uno de los músicos tuviese su espacio y su protagonismo, empezando por el propio Rob Flynn. Un tipo que por fin ha conseguido alcanzar el cénit y situarse al nivel de los más grandes. Ha pasado muchos momentos malos a lo largo de su carrera, pero su hambre de éxito nunca ha desaparecido. Son otra banda que ha tocado donde ha podido. Su crecimiento radica precisamente en su entrega en el escenario, y seguro que no he sido yo sólo quien les ha visto superar ampliamente a quienes les acompañaban como cabezas de cartel.

Machine head son hoy el presente del Heavy Metal. Ellos y Slipknot no es que sean el relevo de los grandes (Maiden, Metallica, etc), es que ya les han relevado sin que nos hayamos dado cuenta. Entre el público había mucha gente joven, pero también muchísimos jevis experimentados, gentes que han visto pasar ya dos generaciones de músicos, y todos salieron absolutamente impresionados ante la fuerza y el empuje de Machine head. Un grupo que mantiene la capacidad de sorprender en la propuesta que hacen, por eso están hoy en lo más alto del Heavy Metal.

Presentaban su reciente "Unto the locust", un disco que yo defino como el "Black album" de Machine head, porque es el disco definitivo, el de la madurez, un trabajo que incluye potencia, rapidez, pausas, transiciones, composiciones elaboradas... En definitiva, que lo tiene todo. La sala era una olla a presión cuando se bajaron las luces y empezó la intro de "I am hell". Cuando Flynn subió al escenario y nos miró desafiante, parecía preguntarse de qué íbamos a ser capaces. El arranque del tema es lento, hasta que estalla, y entonces las avalanchas y los pogos hacen imposible mantener la posición.

El público recibe sorprendetemente bien el nuevo tema (¿Cuántos grupos pueden presumir de que la gente se sepa las canciones de sus últimos discos en la gira de presentación?). Cuando termina y se apagan las luces unos segundos el griterío es total. Nunca había visto la sala Rock Star así; he visto conciertos con el público en plan fiesta, como el de Accept, pero esto era distinto. Era como una catarsis, una necesidad de soltar adrenalina.

El riff de apertura de "Be still and know" es totalmente maideniano. Es un tema que explica por qué están donde están en el 2011. Estaban sonando como un tren a toda máquina. Los bombos de la batería parecían atravesarte el pecho, y las guitarras ambientaban a una sala en la que nunca habían sentido temblar el suelo... Hasta ayer. "Imperium" fue el primer gran momento de locura, como podréis ver en el vídeo que estoy subiendo. Sobran las palabras.

Tras esa locura, hube de procurarme un descanso en uno de los laterales. Si se mantenía ese ritmo hasta el final (hora y tres cuartos), o acababa deshidratado o con el esqueleto hecho papilla. Insistir en la figura de Rob Flynn puede parecer reiterativo, pero creo que nunca le había visto en semejante estado de gracia, con tanta fuerza, como una apisonadora. Pidiendo más ruido, preguntándonos si estábamos preparados, pidiendo puños en alto... Se acercó en muchas ocasiones a Phil Demmel, que es otro gran pilar de este éxito, al haber logrado encontrar el camino correcto para su guitarra. Y me sorprendió gratamente Dave McClain a la batería: mantener esa intensidad en aquella sauna en digno de admiración.

El ritmo apenas bajó ni un ápice durante el desarrollo del concierto: "The blood, the sweat, the tears", "Locust", "Aesthetics of hate", "Old"... Cada tema era una celebración, pero el cansancio no hacía mella en los músicos. La recta final era más o menos previsible, pero no por ello dejaba de sorprender: "Bulldozer", "Ten ton hammer", y tras la pausa, la especial "Halo" y la siempre presente "Davidian".

"He disfrutado como un adolescente", me decía uno de esos metaleros que ya han visto pasar a al menos una generación. Y es lógico. Acaba de pasar ante nuestras narices un bulldozer sin frenos. Este "Unto the locust", esta gira y su presencia en Wacken 2012 son la ceremonia a cámara lenta de la entronación de la banda más poderosa del momento. Machine head ordenan.

Back from the Death. Tributo a Chuck Schuldiner

2011-09-19T12:33:00.001+02:00

Se prepara una buena

METAL FOR THE CREW presenta:

Back from the Death. Tributo a Chuck Schuldiner.

Con músicos de Hamlet, Anestesia, Clockwork o Soziedad Alkoholika

Metal for the crew tiene el placer de presentarles el que será el primer homenaje al que fuera líder de los Death y Control denied, Chuck Schuldiner. Más de una docena de músicos de bandas de la escena vasca de Metal han confirmado ya su presencia para tocar los temas más memorables de Death en dos conciertos que se celebrarán cuando se van a cumplir diez años de su fallecimiento a causa de un cáncer.

Back from the Death. Tributo a Chuck Schuldiner está organizado por la asociación Metal for the crew, recientemente conformada en Bilbao para promover el Heavy Metal en todas sus vertientes.

Estos son los músicos vascos que han confirmado su asistencia a los dos conciertos que se celebrarán en Zarautz (Gipuzkoa) el 9 de diciembre, y en Bilbao, Bilborrock, el 10 de diciembre:

Íñigo Zubizarreta (Soziedad Alkoholika)

Jabi Guarrotxena (OST)

Javi García (Clockwork/ Ex Soziedad Alkoholika)

Albaro Alonso (Idi Bihotz)

Dani Aizpurua (Anestesia)

Ekaitz Garmendia (Legen Beltza)

Andoni Bassman (Phthisis)

Rober García (Denial)

M. Akerburu (Denial)

El Titus (Bad taste/ MST)

Ina Eikhuss (Montaña)

Alex Atienza (Bloodline)

Borja Mintegiaga (Baalphegor)

Mikel Ibarrondo (Ex Waldheim)

Juanjo (Jardín infierno / Phthisis)

Otros prestigiosos músicos de otras comunidades han decidido sumarse al proyecto:

Alberto Marín (Hamlet)

Álvaro Tenorio (Hamlet)

Rown Howland (Clockwork)

Todos ellos conformarán diferentes combos para interpretar los temas más recordados de Death.

Además, músicos de primera fila mundial enviarán gestos de recuerdo y agradecimiento a Chuck Schuldiner.

En Zarautz actuarán además The Brutal y Gamora, ganadores del Villa de Bilbao.

En Bilbao actuarán Odd Heathenish más Clockwork, presentando en primicia su primer Ep "Dawn for a new breed", que este mes de diciembre distribuye la revista Rockzone.

Entradas ya a la venta. 10 euros anticipada, 12 en taquilla:

Bilbao: La Caldera, Zerua Rock Bar, Bikoitz, Rockin guitars, Skulls Metal Bar.

Ermua: Goienkale Taberna

Zarautz: Tatoo Extreme, Gaztetxe

Donostia: Bar Minuto y medio, Bar Eiger.

Irun: From the crypt.

Más información y novedades:

www.metalforthecrew.com

https://www.facebook.com/Metalforthecrew

www.youtube.com/user/metalforthecrew1

Moda y Heavy Metal

2011-09-17T18:44:00.000+02:00

Durante mucho tiempo, la estética Metal estuvo asociada a algo fuera de la moda y de lo actual. Pero todo cambia, y ya no es extraño ver a actrices, actores o famosos de cualquier ámbito lucir camisetas de grupos heavies, pantalones rotos y con remaches, o cazadoras de tachuelas. Lo que antes llevábamos nosotros sin levantar precisamente admiración. Os mostraré algunos ejemplos:

. La diseñadora Maya Hansen presentó en la pasada Pasarela Cibeles una colección de vestidos y corsés bajo el título Heavy Metal que tiraba de logotipos y portadas clásicas de bandas como Kiss, Metallica, Slayer o Iron Maiden. Especializada en corsetería, distribuye sus creaciones por varios países: España, Reino Unido, Estados Unidos, Japón, Suiza, Francia, Países Bajos y Lituania. Lady Gaga, Pilar Rubio o Rossy de Palma son algunas de las famosas que llevan sus corsés.

Maya Hansen Metallica

Maya Hansen Kiss

Maya Hansen Iron Maiden

Maya Hansen Slayer

- Hablando de Pilar Rubio, está a punto de mostrar sus primeros diseños de la línea de ropa que ha registrado bajo la marca Metalhead.

En breve anuncia una tienda online, y su primera colección para ya, en septiembre. Seguro que hay más, pero ahora me voy a ver a los In Flames!

Fotos heavies

2011-09-12T07:08:00.000+02:00

Concierto al que asistí el 9 de septiembre de 2011 en Nueva York, en el Best Buy theater: Arch enemym, Devildriver, Skeletonwitch y Chthonic. (En breve, habrá crónica)

Insurgente antiGadafi en Trípoli (Libia). Fotografía enviada por Mikel Ayestarán, enviado especial de EiTB a Libia

Maiden street, en Nueva York. No tiene nada que ver con Iron Maiden, pero mola!

Debate sobre el 11-S desde un sector del Heavy Metal

2011-09-05T20:21:00.000+02:00

Número de Revolver magazine de Septiembre-octubre de 2011

Se acerca el décimo aniversario de la cadena de atentados contra los Estados Unidos que AlQaeda cometió el 11 de septiembre de 2001. Aquellos ataques cambiaron el mundo, la percepción que muchos tenemos de las religiones, la seguridad, las relaciones entre los Estados y los pueblos, y hasta la forma de viajar. Fueron los primeros de una serie de masacres cometidas por los integristas islámicos posteriormente en Bali, Bombay, Madrid, Londres y otros muchos lugares del mundo; pero también abrieron un periodo de guerra por parte de los Estados Unidos, con muchos de sus aliados, contra el "terrorismo", que tienen aún sus manifestaciones más claras en Irak y Afganistán.

Revolver Magazine es una revista bimensual editada en los Estados Unidos conocida por dos cosas fundamentalmente: su serie The hottest chicks in Metal (referencia 1,referencia 2), que es una serie anual sobre las chicas más bellas de la escena; y su Defenders of the faith, una sección dedicada a los soldados y marines a quienes les gusta el Metal. Habitualmente, Revolver organiza viajes y conciertos en los que bandas conocidas actúan para las tropas estadounidenses desplazadas por el mundo, entre ellas podemos destacar a Avenged Sevenfold, Papa roach, Disturbed, Godsmack o quienes protagonizan la última edición de la revista, el de septiembre-octubre de 2011, Five finger death punch.

En este último número, Revolver publica un editorial interesante. Creo que dice algunas cosas que son ciertas, pero otras podrían ser cuestionables. Si os apetece leerlo, luego podemos debatir. Más abajo, añado algunos de los vídeos de esos conciertos en honor a las tropas estadounidenses.

Revolver Magazine, September-october 2011

"Este 11 de Septiembre se cumplen 10 años desde el peor ataque en suelo americano en la historia de nuestro país. Como muchos de vosotros, nunca olvidaré aquel día. Vine a trabajar aquella mañana en el Midtown Manhattan, para encontrar a alguien en un edificio lleno de gente y rodeado de televisiones. El segundo avión acababa de impactar en el World Trade Center. Vi como las torres se derrumbaban, sabiendo que tenía amigos que trabajaban en el Trade Center (gracias a Dios, se pudieron salvar). Después de estar deambulando por la ciudad la mayor parte del día, desde que el metro se cerró, volví a mi casa en Brooklin. Cuando se puso el sol, me senté al lado de East River viendo las nubes de polvo levantándose desde la Zona Cero. Alucinado y horrorizado.

Llevamos 10 años en guerra desde aquel día; ocho de esos años en las de Irak y Afganistán. Es el mayor período de guerra en la historia de América. Más tiempo de lo que duró la Segunda Guerra Mundial, más que Vietnam, más que la guerra del Golfo. Unos seis mil mujeres y hombres servidores de América han perdido sus vidas. Muchos miles han resultado heridos.

Como muchas cosas horribles en este mundo, esas guerras, y las anteriores, han inspirado grandes composiciones de Hard Rock y Metal - desde el "One" de Metallica, a raíz de la Segunda Guerra Mundial, al "War Pigs" de Black Sabbath, "Rooster" de Alice in Chains en Vietnam, "War Ensemble" de Slayer por la Guerra del Golfo. Hasta el "Ashes of the awake" de Lamb of God y, por supuesto, numerosas canciones de las estrellas de este número, Five Finger Death Punch, a los que inspiran Irak y Afganistán. Y la música Heavy no sólo se ha centrado en la guerra como tema, sino que ha adoptado metáforas militares -bandas como Batallones, Troops of Doom, Metal Militias; escenarios y Mosh pits como campos de batalla.

Pero así como los músicos y los fans pueden adoptar el tema y la imagineria de un combate, nadie puede entender realmente lo que es una guerra si no ha estado allí. Como dice Philp McSorley, sargento de la armada, y cantante de la banda Cobalt, los soldados americanos en Irak y Afganistán conviven con una realidad que muchos no pueden comprender. Los sacrificios y los peligros son simplemente demasiado grandes como para imaginarlos.

Así que conmemoramos este décimo aniversario del 11 de Septiembre -y así como celebramos nuestra libertad agitando nuestras greñas con musica Heavy, mucha de ella inspirada en la guerra, como soldados entregados al metal que somos- es muy importante dedicar un momento a agradecer y apoyar a los actuales soldados de los Estados Unidos que arriesgan su vida cada día. Incluso si odias las guerras, ¿cómo no puedes apoyar a los guerreros?

A todos esos valientes hombres y mujeres: We salute you".

Brandon Geist. Editor.

¿Qué opináis?

Crítica de "Man Vs. Machine", primer Ep. de Raze

2011-09-03T11:28:00.000+02:00

Portada del primer Ep de Raze, "Man vs machine"

Desde Galicia se presentan Raze (me pregunto cómo les llamaremos si se hacen conocidos, ¿Race o reis?), una banda que lleva en su nombre la demolición. "Raze" es también el título de un sensacional tema de los Exodus. Creo que no hacen faltan más pistas, no? Raze hacen Thrash Metal con aroma de mediados de los '80, pero que conecta perfectamente con la nueva hornada de bandas del estilo que empiezan a dominar en Europa y Estados Unidos, me refiero a Evile o Municipal Waste. Podríamos decir que su toque de distinción es una aproximación muy clara por momentos al Hardcore, apostando más por la rapidez que por los solos largos y cortantes. Pero, al fin y al cabo, ¿no son la misma raíz el Hardcore y el Thrash clásico?

Si hay algo que sorprende en este primer Ep. de Raze, compuesto por cuatro temas, es la solidez musical que muestran y sobre todo la calidad del sonido de los mismos. Cuando descargué el material, algo que se puede hacer gratuitamente y que es altamente recomendable, no pensé encontrar un audio tan limpio y trabajado. Ya quisieran muchas bandas poder ofrecer esta nitidez en sus primeros discos.

"Man vs machine" se ha grabado y masterizado en O que hai estudios, de la mano de Carlos Arcay, a quien debemos felicitar sinceramente por su trabajo, y completa el primer tramo de existencia de esta banda que componen Sebas (batería, Marcos (guitarra), Moro (guitarra) y Macaco (bajo y voz). Cantan en inglés y han teloneado a Entombed, entre otras actuaciones fundamentalmente por territorio galaico.

El Ep se inicia con una breve intro para ambientar "Crime scene, do not cross", el primer y rápido tema que sintetiza bstante bien la identidad del grupo. Es difícil destacar algunas áreas musicales sobre otras, dado que el sonido es muy unitario, homogéneo, sin que haya nada que quede por debajo del nivel medio, que está en el notable. Las voces, como podéis comprobar, incluyen unos coros que enriquecen el conjunto, y el timbre de Macaco busca más estilos como los de Overkill que las partes guturales, que quizás proliferan demasiado actualmente, en ocasiones sin demasiado sentido.

La temático de las letras es puramente Thrasher, clamando contra la clase política corrupta, como en "Operation enduring freedom", que es mi favorita, o aquellas que alertan contra el desarrollo desaforado del planeta y en general contra todo aquello establecido y que nos genera insatisfacción. Esta primera muestra de su saber hacer se completa con una vertiginosa "Into the fire", en la que sí destaca el solo de guitarra, muy inspirado.

Podéis descargaros el Ep en este enlace, observaréis bastante calidad en general. Es muy recomendable para los seguidores del género, pero creo que pueden conquistar otros caladeros, porque su sonido es bastante abierto. Sin duda podrían contribuir un alimentar una escena que está viviendo una segunda juventud, también en la Península.

RAZE - Crime scene, do not cross by Macaco78

Actuación del año 2010

1991: el año en que empezó el desastre

2011-08-31T21:03:00.000+02:00

Con este disco llegó la derrota momentánea

El 17 de septiembre de 1991, las tiendas de discos de Estados Unidos pusieron a la venta dos discos de la banda más grande del mundo en aquellos momentos, una banda que, estoy seguro, hoy serían más grande que los Beatles y los Stones juntos si sus componentes, especialmente su cantante, hubieran mantenido la cabeza sobre los hombros. Miles de personas hicieron cola para comprar "Use your illusion I" y "Use your illusion II". Estaba empezando una nueva década que sustitía a los fructíferos años '80, dominados por el Hard Rock y el Heavy Metal desde el "Back in Black" hasta el "Turbo" pasando por "The number of the beast" o "Master of puppets".

Aquellas dos majestuosas obras auguraban otra década magnífica para el Metal. Las listas las estaba dominando el "Black album" de Metallica, que justo un mes antes habían publicado su disco definitivo. "Enter sandman" entraba en todos los hogares vía MTV o emisoras de radio. Al mismo tiempo, estaba a punto de cocinarse la enésima resurrección de Ozzy Osbourne, con "No more tears". Otros álbumes destacados, históricos, publicados en 1991 fueron el "Human" de Death, "Blessed are the sick" de Morbid Angel, "Slave to the grind" de Skid Row o aquella obra maestra que fue el "Arise" de Sepultura. Fue un año difícilmente repetible.

Estábamos en el 17 de septiembre. Una semana más tarde se publicó un disco que cambió el rumbo del Rock Duro, y que abrió, seguramente sin quererlo, una etapa absolutamente desastrosa para nuestro género. Hablo del "Nevermind" de Nirvana. La irrupción del Grunge en el escenario musical barrió a una generación entera de bandas. El movimiento, cuyo epicentro se situó en Seattle, generó cientos de bandas que aportaron un nuevo sonido y una nueva filosofía para una generaciój que buscaba otros referentes musicales porque sus inquietudes y sus metas eran otras.

De todo aquello apenas resisten hoy Pearl Jam. Del resto, con suerte, os acordaréis de los más grandes, los pocos que supieron reconvertirse, aparte de los propios Pearl Jam, Soundgarden, Alice in chains y poco más. Hablar de Mother love bone, Temple of the dog, Screaming trees o Mad season es casi un ejercicio de arqueología musical. Hubo quien integró bajo aquella etiqueta a otras bandas como Smashing pumpkins en sus inicios o Stone temple pilots, aunque yo creo que eran otra cosa. De hecho, su música ha envejecido mucho mejor.

De repente, los conciertos de Hard rock se vaciaron, los pelos cardados pasaron de moda y en las discográficas no interesaban los solos ni la melodía, sólo las guitarras chillonas y las poses de chicos insatisfechos espiritualmente. Podríamos hacer una lista de damnificados, de excepcionales grupos que tiraron la toalla o se vieron forzados a tirarla, sin olvidar que, a partir de ahí, cuando a mediados de la década el Grunge había eclosionado de manera total, comenzó el declive de algunos de los más grandes.

Poco después, Bruce Dickinson se fue de Iron Maiden, Metallica entraron en un parón que les llevó después a la etapa de "Load" (1996) y "Reload" (1997), Rob Halford se marchó de Judas Priest y algunos pensamos sinceramente que lo único que nos quedarían entonces serían Limp Bizkit, Korn y Linkin Park; que tendríamos que vestir siempre de chándal y que el cuero y las tachuelas jamás volverían.

Afortunadamente, hubo quien mantuvo alzada la bandera del Metal, como los inolvidables Pantera, y pocos años más tarde su esfuerzo sirvió para que, poco a poco, las aguas hayan vuelto a su cauce. Los grandes siguen existiendo, han surgido nuevos estilos y nuevas bandas, e incluso aquellas a las que el Grunge desplazó intentan ganarse una segunda oportunidad. Sirva este post para homenajearlas y recordar a las que ya nunca más volvieron.

Firehouse: "Don't treat me bad"

Skid Row: "Youth gone wild"

Winger: "Seventeen"

White Lion: "Radar love"

The almighty: "Addiction"

En su homenaje y en el de tantos otros...

Crítica de "Infected" de Hammerfall 6/10

2011-08-29T18:54:00.000+02:00

Quo vadis, Hammerfall? Me es realmente difícil enfrentarme a un análisis desapasionado del nuevo disco de esta banda sueca de Heavy Metal clásico dada su trayectoria. A Hammerfall hay que reconocerles todo lo que han hecho por el género, que ha sido mucho y en algunos años verdaderamente difíciles, especialmente en la década de los '90, cuando prácticamente nadie apostaba un duro por él. Firmaron cuatro discos realmente magistrales, con himnos que todo conocéis que les elevaron a la cima.

Pero en estos momentos Hammerfall, y lamento decirlo, han perdido su ADN. Es una banda que está buscando una nueva identidad, y no está encontrando la tecla adecuada para reciclarse. Han pasado de cantarles a los guerreros, dragones y mazmorras con un habilidad extrema, a presentarnos un disco cuya portada y algunas canciones van sobre zombies. Y lo que es peor, quieren introducir nuevos matices en su música pero sin saber cómo.

No penséis que "Infected" es un mal disco, porque no lo es. Tiene algunos momentos brillantes, pero sólo son aquellos en los que el grupo muestra parte de lo que saben hacer, ese Metal rápido, épico, de melodías pegadizas y coros monumentales. El resto de variaciones no aportan apenas nada positivo. Es una lástima que los dos líderes de Hammerfall, Joacim Cans y Oskar Dronjak no sean capaces de reciclarse, pero peor es que nadie les diga que lo que hacían antes lo bordaban. En términos generales, este nuevo disco se queda por detrás del anterior "No sacrifice, no victory", y eso es preocupante, sobre todo sabiendo que en 2012 celebrarán su 25º aniversario, y que el festival de Wacken ya les ha reservado un lugar privilegiado de su próxima edición.

En honor a la verdad, Hammerfall nunca ha sido una banda que se haya distinguido porque sus componentes fueran virtuosos en la ejecución de sus instrumentos, pero no les hacía falta. Elaboraban Heavy claro, puro, limpio y auténtico. Y no pedíamos más. Ahora, cuando se escucha la intro de zombies que abre el trabajo y se da paso al primer tema, con un riff pesado de ritmo medio, uno percibe que algo no va bien.

"B.Y.H." (Bang your head) es una canción-himno sobre el Metal, como su nombre indica, que apunta maneras, pero que no se acerca a sus mejores composiciones. Soy consciente de que jamás alcanzarán las cotas de sus primeros trabajos, pero en este "Infected" hay momentos ciertamente desalentadores. Algunos de ellos están en el primer single, "One more time", cuya base principal es tan simple que asusta. Es de esas canciones que parece buscar algo nuevo en su música, pero que encalla estrepitosamente. Al mismo tiempo tiene parte de lo que Hammerfall cosechó con éxito, y eso la salva en parte.

De lo mejor, "The outlaw", rápida, directa y eficaz. Al igual que "Día de los muertos", que musicalmente es interesante, también cañera y potente, pero que chirría por su temática, que no encaja para nada en la tradición de Hammerfall. Entre lo peor, las primeras canciones del disco por las pocas satisfacciones que nos dan cuando esperamos más, o "I refused", que empieza con un riff magnético, fantástico, para acabar disolviéndose poco a poco en un estribillo pobre. Una verdadera lástima porque sus primeros compases hacen vibrar de verdad. "Redemption" cierra el trabajo y es una pieza prescindible, como "Let's get it on", que lamentablemente no aportan nada.

No falta la típica balada, en esta ocasión íntegramente acústica, "Send me a sign", un buen momento de pausa, que no contribuye a salvar un disco que muestra una senda preocupante para Hammerfall, de falta de ideas y de desacierto al tratar de plasmar algunas nuevas. En conjunto se queda en un quiero y no puedo un tanto decepcionante, que a buen seguro sabrán salvar en directo, porque a pesar de este bache, cuentan con un repertorio que ya quisieran muchas bandas. No perdamos la fe y esperamos que mantengan el lugar que les corresponde en el Heavy Metal.

Crítica del primer disco de Hikara

2011-08-27T18:32:00.000+02:00

Portada y contraportada del primer disco de Hikara

Desde Eibar y Azkoitia (Gipuzkoa) se presenta ante Metalbitacora esta banda con un primer disco grabado "con pocos medios pero mucha ilusión". Son la cantante Aroa Rojas, Eric Deza a la guitarra, Josu Agirre también a la guitarra y a las voces, Álex Etxeberria en el bajo y Koldo Sagarzazu en la batería. Cantan en euskera y su propuesta es difícilmente clasificable ya que en su coctelera confluyen muchísimas influencias. Cada minuto del Cd explora un camino distinto, desde el jazz, al funk, el pop o el Metal, en una combinación sorprendente. Podríamos decir que es Hard Rock progresivo, pero como no me gusta nada la etiqueta de progresivo, que a mucha gente le suena a "rollo", pues lo dejamos abierto.

La ejecución es elegante, y la voz femenina que lidera a la banda aporta un ingrediente de distinción muy interesante. Descataría también las guitarras, tanto en sus partes acústicas, que son bastantes, como en las más duras, donde hay pasajes que recuerdan a los Metallica más clásicos. Sin duda, este disco de Hikara me ha sorprendido para bien.

Se abre con un tema de más de 7 minutos nada menos titulado "Ametsetan", en el que ya dan muestra de lo que son capaces. Un tema acústico que en su parte intermedia tiene un ritmo jazz absolutamente sorprendente. El registro varía en "7:30", donde aparecen las guitarras eléctricas, aún sin endurecerse del todo, para ofrecernos un Funk-Rock bastante bailable en cuyo estribillo la voz de Aroa se ve arropada por coros femeninos.

Esta primera parte del trabajo, que se compone de 12 temas y unos 65 minutos de duración, insiste en la vía más pausada con "Ekaitzaren islada", otra canción de más de seis minutos, en los que más que Rock hay ritmos de ascendencia negra: Blues y jazz, pero abiertos a una especie de improvisación con sentido en la que a veces te preguntas si han cambiado de canción o sigue siendo la misma. La verdad es que no es usual que un grupo en su primer disco ofrezca una música de tanta complejidad compositiva. No es difícil de escuchar como algunas bandas de progresivo, supongo que es muy difícil de componer y ejecutar.

La tendencia se empieza a modificar a partir de "Zoratuta". Ahí aparecen las guitarras más potentes para irse mezclando con una Aroa cuyo estilo de cantar consigue dirigir los cambios de ritmo y estilo que hacen en todos y cada uno de los temas.

El trabajo se ha grabado en Eibar, en los estudios Legarre, con Ander Barriuso, y la escasez de medios perjudica en mi opinión sobre todo a la base rítmica, que no debiera pasar tan desapercibida, pues en esta fusión de estilos es clave. Habrá que seguirles la pista en el futuro para comprobar si continúan explorando tantas posibilidades musicales como hacen en esta primera entrega, o si, por el contrario, deciden centrarse en un solo objetivo.

De la parte más pausada destacaría "Marrazkiak" con su bella melodía, y de la parte más Hardrockera es muy interesante la instrumental "Tresnak" o la monumental "Bihotz beltzak" que cierra el trabajo, con diez minutos y medio de canción que sintetizan a la perfección lo que son Hikara a día de hoy: acústico, funky, Rock duro, Metal, Jazz y otra vez Metal en un escorzo que a veces parece imposible.

Como veis, esta banda es una verdadera caja de sorpresas. No sabes con qué vas a encontrar en cada momento, y eso nos ayuda a recordar que, por mucho que digan los más catastrofistas, no todo está inventado!

Una ruta metalera por Nueva York

2011-08-24T11:15:00.000+02:00

Perspectiva de los rascacielos de Wall street

Si eres o vas a ser uno de los millones de personas que visitan cada año Nueva York, posiblemente estés pensando en cómo localizar los reductos metaleros de la Gran Manzana, para que el viaje no sea sólo una sucesión de visitas a los puntos previsibles y predecibles. Hacer una pausa para tomar una cerveza con buena música de fondo puede ser uno de los mejores momentos de las vacaciones. Os lo digo por experiencia. Así que a continuación os propongo algunos lugares de visita obligada o recomendada si pretendéis pasar allí unos días. Por cierto, agradecería saber si esto os resulta de utilidad y por supuesto que me ayudéis a completarlo si conocéis más lugares dignos de la peregrinación metalera.

En primer lugar, hay que decir que New York City no es precisamente la ciudad del Metal. Hay otras ciudades del país con más clubs y garitos rockeros. En la capital del mundo la lista de bares en los que pongan guitarreo no es demasiado extensa, pero como allí creo que habría que viajar al menos una vez al año, aprovechemos los pocos que hay. Si esperas encontrarte con camisetas negras y largas melenas en cada esquina de una de sus espectaculares avenidas, olvídate. No será una escena habitual, y la verdad es que es una lástima, dado que la mayor satisfacción al andar por sus calles es, precisamente, observar a la gente, ver la vida pasar y disfrutar con los edificios, tiendas y negocios. Creo que hay pocas sensaciones que se asemejen a lo que se siente allí.

Para encontrar a nuestros semejantes, lo más sencillo es darse una vuelta por Williamsburg, un barrio del distrito de Brooklyn conocido también porque allí se ubica el barrio judío. Esa es una de las zonas más pujantes para la gente joven y lo cierto es que hay bastante actividad alejada de lo típico y mayoritario que se puede encontrar en el Manhattan más clásico. Hay muchos locales y pubs, no necesariamente heavies, de interés. Aunque más vale que os hagáis una ruta previa. Allí las cosas no son como por aquí, que solemos tener a los garitos concentrados en una zona; allí suele haber bastante distancia entre unos y otros, con la complejidad añadida que supone dominar la distribución de calles y avenidas, algo no tan sencillo los primeros días.

GARITOS, BARES Y PUBS

En Williamsburg se ubica el Duff's bar, posiblemente el sitio más True de todo Nueva York. Más que un bar, es un santuario, es la Meca del Heavy Metal neoyorkino. Con una decoración repleta de símbolos, carteles de conciertos, muñecos, pentagramas, lucecitas rojas y memorabilia varia, entre la que se encuentran algunas fotografías de músicos que han pasado por allí o que suelen ir de vez en cuando, como Dee Snider o Kerry King.

El Duff's bar y sus luces rojas

Allí, además de beber cerveza y escuchar buen Heavy Metal, en una selección muy buena habitualmente, se puede adquirir merchandising del bar, como camisetas con la leyenda "Centro de abuso de alcohol en Brooklyn", parches, etc. Abre todos los días de 6 de la tarde a 4 de la madrugada, y seguramente será lo más parecido a ti que haya en todo NYC. Pero es un bar: lo Heavy no es allí como lo demás. En Nueva York todo es a lo grande salvo nuestro rollo. El bar es de dimensiones discretas, pero te llevas una sonrisa al entrar, tras tanta 5ª Avenida y tanto Empire State, escuchar Down es como una maldición demoníaca!

Dimebag presente!

Son ellos, la foto está al derecho

Duff's bar es más que un bar un santuario metalero

El bueno de Duff es un alto y fornido elemento acompañado de un bastón que tiene un aire a El Enterrador, el personaje de Pressing catch. Los sábados suele andar por allí, y aunque en el bar habrá bastantes grandullones imponentes, sabréis que es él. No tiene problema en sacarse una foto con vosotros.

Kerry's corner

Hay otros lugares interesantes para pasar un rato, y no necesariamente son heavies. Uno es el The trash bar, donde se puede escuchar Hard Rock y Rock N' Roll en un ambiente acogedor, pero cuyo principal atractivo es una parte trasera en la que en ocasiones hay actuaciones en directo y en otras se desata la locura con un karaoke en el que se puede intentar cantar casi de todo. O coincidieron los mejores cantantes amateurs del barrio cuando estuve yo, o allí los karaokes se los toman en serio y sólo se atreven a cantar quienes tienen algo de voz. La verdad es que nos quedamos impresionados.

Para los más ochenteros, y en la misma zona de Williamsburg, está el Barcade, un pub en el que hay para elegir al menos media docena de cervezas de distintos sabores y orígenes, de las que a mí no me sonaba ni la primera. La música es muy variada y lo mismo suena Blondie que los Guns N' Roses, pero su secreto radica en que está repleto de maquinitas Arcade de nuestra infancia-adolescencia, y mientras bebes puedes echar una partida al Tetris, a la máquina del Ninja, marcianitos... Todo un momento-homenaje al pasado!

En la parte trasera se oculta Eddie

Otras posibilidades: The idle hands bar, donde además de beber podéis poneros finos con hamburguesas y otros productos colapsa-arterias. De las poquitas cosas que he encontrado en Manhattan. Mira cómo llegar.

El Pentagrama de la Fortuna

Aún en Brooklyn, como veis, es donde se corta el bacalao metalero, está el Palace Cafe, que presume de tener en su playlist a Nugent o a Pantera.

Haciendo amigos

Y este otro no llegué a conocerlo, pero me hubiera gustado porque parece de lo más extremo. Es el Saint Vitus, y su misma web invita al desparrame más atroz.

Más amigos

No te olvides de que en EEUU hay que dar propinas. No es obligatorio, pero está muy mal visto no darlas, sobre todo a taxistas y camareros/as. Se estima que la propina ha de ser el 20% de la cuenta, aunque con la crisis en algunos lugares se contienen, y ya te sugieren en el mismo ticket lo que puedes dar, el 10, el 15 o el 20.

Por cierto, ya que uma de las visitas obligadas es el Empire State, que sepáis que en sus bajos se ubica un restaurante donde se puede comer con buena música de fondo: Van Halen, RHCP, Counting crows, Def Leppard... Será mejor que otras opciones aunque evidentemente es caro dado su emplazamiento. Eso sí, hacen su propia cerveza, y merece la pena probarla!

No todo va a ser Heavy Metal, digo yo...

CONCIERTOS Y SALAS
Estar en Nueva York y no ir a un concierto es poco menos que un pecado. La actividad allí es constante, y satisface prácticamente a todos los gustos. En el ámbito metalero hay que tener en cuenta que la tendencia que manda actualmente en Estados Unidos es la de un Metal más potente, el de los herederos de Pantera: Lamb of God, Devildriver, The Black Dahlia Murder, Five finger death punch y bandas del estilo. Atrás quedan los tiempos gloriosos del conocido despectivamente como Hair Metal. Aún así, os podéis encontrar giras que aquí simplemente soñamos con ver algún día.

El gran centro musical, teatral y deportivo, como sabéis, es el Madison Square Garden. Si os coincide allí
algún concierto será de alguno de los grandes, pues llenarlo no es sencillo. Consultad la programación en su web. Quizás no vayáis a un concierto, pero sí podriais ver a Knicks en la NBA u otro espectáculo. Yo, hasta ahora, no he entrado. Y eso que ya desde fuera impresiona.

Quizás el recinto más ajustado a lo que buscamos sea el Irving Plaza, un café teatro con conciertos prácticamente diarios y con un aforo muy semejante al de cualquier sala de tu ciudad. Allí pude ver a Cinderella con John Corabi en pleno agosto, aunque la verdad es que en las semanas siguientes se anunciaban giras alucinantes, por ejemplo a The black Dahlia murder con Six feet under, Whitechapel, Dying fetus y otros en un mismo día. O a Whitesnake con Tesla, Sebastian Bach, Lita Ford y Firehouse en un mismo pack.

El Irving Plaza, una sala de tamaño medio cerca de Union Square

Si vais en verano, tened en cuenta que la actividad cultural se multiplica y en ocasiones se traslada a las calles, con numerosos espectáculos al aire libre. Quizás la fórmula más eficaz para no perderse nada es consultar el Time out, una publicación que recoge absolutamente todo lo que hay. Ah, que no se me olvide que muchos programas matutinos de televisión presentan actuaciones en directo todos los días desde sus platós exteriores, la NBC y otras cadenas así lo hacen

DISCOS Y CAMISETAS

Si eres, como yo, de los que lamentan la progresiva desaparición de las tiendas de discos, no pierdas la fe. Si en Nueva York hay de todo, también hay tiendas de discos, al menos hay una que debieras visitar: Generation records. No sé cuánto tiempo aguantará, pero se va adaptando a las circunstancias y allí encontré un par de camisetas y varios Cds a buen precio. Me hizo ilusión ver el mítico Maiden Japan en vinilo y alguna otra joya que ya no capturé al haber excedido el presupuesto. En la segunda planta hay una sección de discos de segunda mano, y allí compré los últimos de Hammerfall, In flames y Arch enemy por 6 o 7 dólares cada uno. Y apenas llevaban unas semanas a la venta!

Generation records está en Manhattan, en el bellísimo y atractivo barrio del Soho, en la calle Thompson. Espero que el tatuado dependiente sea contigo más simpático de lo que fue conmigo.

Antes de emocionarte al pasar la tarjeta, recuerda que todos los precios (salvo honrosísimas excepciones) allí están presentados sin impuestos, por lo que has de sumar siempre el 8'75% de tasas. Para que no te lleves sustos luego...

En Manhattan también está el paraíso de los góticos. Si buscas algo negro, ya sea un corpiño o unas mallas, o bien un colgante de pinchos, o un anillo de calavera, las gafas redondas de Ozzy... Lo que sea, vete a Gothic renaissance. Te vas a entretener un buen rato aunque sólo sea mirando.

OTROS: COCHES Y MOTOS

Estados Unidos es el país del petróleo, de la gasolina. Allí todos los coches son grandes y el urbanismo está diseñado para ellos. Creo que ya ha sido una revolución que se les haya ocurrido peatonalizar Times Square en parte, sabiendo que posiblemente sea el lugar más transitado del mundo, con lo cual os podéis imaginar la mentalidad de la mayoría. Si sois fans de los famosos programas de Discovery channel en los que tunean coches y motos, preparaos para toparos con algún negocio de esos en cualquier lugar. Esta foto corresponde a Auto desings, en la 10th Ave, y está tomada desde un lugar muy recomendable, el Highland, un parque que transita por unas antiguas vías del tren y que permite ver la ciudad en altura.

A lo que iba, que esta no es una guía turística al uso. Allí hay verdaderas joyas y podéis ver desde fuera cómo trabajan motores y chapas para adecuar los vehículos a las peticiones de los clientes y convertirlos en piezas únicas. En Brooklyn, en Union Avenue, hay otro negocio en este caso de motos, y la verdad es que es flipante ver a los tipos pintando o extendiendo manillares de Harleys. Pero de allí no tengo fotos porque uno de los trabajadores me dijo que nada de pictures, así que a cascarla.

Iglesias: no fui a ninguna.

OTROS. CÓMICS Y TATUS: En una ciudad tan absolutamente de fantasía como es Nueva York, los amantes del cómic tienen múltiples posibilidades. Quizás el lugar más fácilmente accesible es Forbidden planet, en Broadway. Dos plantas repletas de cómics, camisetas, merchandising y fantansía. Yo, que no soy de cómics, estuve allí curioseando un buen rato.

También veréis que allí va híper-tatuada, mucho más que aquí, chicas y chicos, y además con bastante buen gusto. Lógicamente, para unos pocos días que pasas es complejo proponerse un tatuaje allí, pero estaría bien presumir de tener uno realizado en la Gran Manzana. A mí desde luego no me importaría, pero tendrá que ser la próxima vez! No he tenido tiempo de encontrar nada, eso sí, me enteré de que tras Miami INK y L.A. Ink, ahora llega New York Ink!
No os perdáis a Corey Taylor, de Slipknot, tatuándose a Paul Gray.

El John Corabi, que también quiere salir en la Guía Metalera de New York

Sólo espero que si tenéis aportaciones que hacer, nos las envieis para hacer de la visita a la ciudad más increíble del mundo algo más atractivo para los metalheads, que tengáis un buen viaje y no os pase como a mí, que el avión que me trajo de regreso se llama como veis en la foto: David Bisbal. Hay que joderse!

Crítica de "Between the devil & the red blue sea" de Black Stone Cherry 8/10

2011-08-23T11:13:00.000+02:00

Está claro que esto no son los años 80, y que el buen Hard Rock no ha atravesado un momento tan dulce como aquel desde entonces, así que cuando aparece en escena una banda que aplica esa receta con maestría los seguidores del género no podemos más que rendirnos y dejarnos llevar por sus ritmos. Black Stone Cherry, un joven combo de Edmonton (Kentucky, Estados Unidos) es uno de esos grupos que parecen ir contra la historia y contra la dirección mayoritaria del Rock N' Roll. Con su tercera publicación insisten en un Hard Rock melódico con toques sureños y profundamente yankees para reivindicar un estilo que, aunque no lo parezca, sigue teniendo muchísimos seguidores.

En su país son bastante conocidos, y aunque no se han trabajado convenientemente Europa, sí han dado muestras de su hacer en festivales como el Download. Creo que en España sólo se han dejado ver por el Metalway y poco más. Si les conoces, esta nueva entrega es más y mejor de lo mismo. Y si no, ya va siendo hora de que les des una oportunidad. Este tercer disco quizás destaque por un tono un tanto más potente en el conjunto, hay más temas duros que en sus dos anteriores trabajos, lo que obliga a reforzar voces, guitarras e incluso la batería, que hasta ahora pasaba bastante desapercibida en la música de Black Stone Cherry.

Sus letras tienen un sabor a familia, amor, amigos y diversión que ya han ensayado con anterioridad y que le dan un cariz realmente emotivo a su música, como el medio tiempo "Won't let go" o la bellísima balada final "All I'm dreaming of" ("Todos mis sueños son buenos tiempos, buenos amigos y alguien a quien amar, sin miedos, sin lágrimas/ Todo lo que sueño es una casa en la colina y alguien a quien amar, lo que sueño es que brille el sol y cielos azules ahí arriba"). He de confesar que estos chicos tienen la tecla mágica de la emoción entre sus virtudes, y que hay canciones que consiguen estremecer, como ya hicieron con otras composiciones como "Things my father said" o "Hell and high water"

Los pilares de la banda son la voz del cantante y guitarrista Chris Robertson, con un timbre sumamente peculiar y reconocible, que domina bastante bien ya sean canciones duras y rápidas, medios tiempos o baladas, que de todo hay, y unas guitarras poderosas que por momentos se acercan al Metal sin complejos, y en otras ocasiones parecen seguir la senda de Lynyrd Skynyrd.

Las dos primeras, "White trash millionaire" y "Killing floor" son dos temas cañeros que ya apuntan la dirección del trabajo y que ya te hacen pensar que no te has equivocado con ellos. "Blame it on the boom boom", "Change" y "Let me see you shake" son de lo más duro de un álbum que luego exprime el Rock más americano en "Like I roll", con esas referencias a viejas guitarras, a los Rolling Stones sonando en la radio y al sol de California. ¿A que os suena todo eso? En total son 12 nuevas canciones más 3 extras ("Staring at the mirror", "Fade away" y "Die for you").

"Between the devil & the red blue sea" es una buenísima continuación a "Folklore & superstition" y "Black stone cherry", y en él se puede apreciar el talento de estos jóvenes que además se caracterizan también por una constancia en el trabajo que seguramente les llevarán a derribar cada vez más barreras, sin olvidar que cuentan desde el principio con la cobertura de Roadrunner records, algo que no todos pueden decir. Grupos así mantienen vivo al Hard Rock clásico.

Crítica de "Sounds of a playground fading" de In flames 7'5/10

2011-08-21T22:36:00.001+02:00

La caverna del Metal vuelve a actuar, y esta vez dirige sus iras contra los suecos In flames. Inexplicablemente, sigue existiendo gente incapaz de entender las evoluciones naturales de aquellas bandas que se niegan a ser como AC/DC, es decir, a hacer el mismo disco una y otra vez, década tras década. Los mismos discos, los mismos repertorios, las mismas poses. In flames comenzaron haciendo esa aparente contradicción que es la etiqueta "Death melódico". Si es Death, no puede ser melódico. Desde entonces, fueron creciendo y ancheando sus propuestas sonoras hasta llegar aquí.

Me encantó "A sense of purpose", su anterior entrega, y no tenía unas expectativas tan altas para este "Sounds of a playground fading". Me ha sorprendido para bien, a pesar de la carga de negatividad que he leído en prensa especializada, foros y webs varias contra este trabajo. Me parece un gran disco, que corona una trayectoria llena de vericuetos, idas y venidas, siempre atrevidas y musicalmente atractivas.

Un ejemplo: en la Kerrang! número 213 el vocalista Anders Friden se queda atónito al escuchar la primera invectiva del periodista que le interroga: "Enhorabuena, ya sois los nuevos Metallica". Por favor, Metallica erraron de cabo a rabo en su intento de evolución, Fracasaron estrepitosamente con tres discos a cual peor: "Load", "Reload" y "St Anger". Comparar eso a los cambios musicales de In flames es muy desacertado. Una cosa es reblandecer el sonido y otra muy distinta es hacer malas canciones. ¿Tienen que cada hacer un "Colony" cada dos años? No lo creo, y además aplaudo que no lo hagan. "Sounds of a playground fading" ha sido número 1 en Alemania, pero aquí los críticos de las webs metaleras más leídas le han dado un 4 sobre 10.

Para comenzar, diremos que falta el guitarrista y miembro fundador Jesper Stromblad, que se ha recluido oara tratar de superar su adicción al alcohol. Él era pieza clave en las composiciones, que ahora han recaído en el propio Anders Friden, quien se ha cortado las rastas para alimentar las suspicacias de los más intransigentes, y en Bjorn Gelotte, el otro guitarra. El resultado es un disco de Metal que abraza el Metalcore sin complejos, con melodías pegadizas, lógico si se observan las direcciones que habían tomado los anteriores trabajos.

Además, hay bastantes detalles que enriquecen y engrandecen el sonido de los de Goteborg: orquestaciones en el tramo central de "A new dawn", coqueteos con Linkin Park en "Jester's door", timbres de Friden desconocidos hasta ahora en "Ropes", intros en los temas de ciertos toques progresivos, teclados apoyando las canciones... Muchos detalles que no cabían en los In flames originarios y que ahora pintan un cuadro musical verdaderamente admirable.

Todos los prejuicios que me pudieron introducir las lecturas antes mencionadas se desvanecen al poner el Cd y escuchar el tema que le da título al trabajo. Un riff poderoso, atractivo, que entra después de una breve intro calmada. Ese riff enseguida queda a merced de la poderosa voz de Anders. La primera grata impresión se traslada al segundo tema, el primer single, que gana mucho en el contexto global del disco. Es cierto que puede sonar flojo al escucharlo de manera aislada, pero "Deliver us" es un gran tema. Pero es que hay muchos: "Fear is the weakness", "A new dawn", "Darker times"... Hay mucha calidad, como siempre en In flames.

En cuanto al ambiente que lo rodea, muchos títulos son pesimistas, incluso trágicos, como en "Fear is the weakness", "Darker times", "Ropes" o "Enter tragedy", sin embargo, el final rezuma positivismo con dos canciones como "A new dawn" y "Liberation".

El tono vocal es Friden es aún muy agresivo, pero sus registros son muy variados, lo que le hace crecer como cantante. No se puede decir que las bases rítmicas sean virtuosas, o que las guitarras estremezcan, pero disparan riffs y melodías potentes, y con eso basta. Sí han podido perder un punto de velocidad, pero para nada de fiereza como se comprueba en "The puzzle" o "Enter tragedy".

Hay muy pocos grupos que puedan decir que sus discos son pasoa adelante cuando las propuestas sonoras evoluciona, cambian. In flames son uno de esos grupos. Escucha el disco abstrayéndote de todo lo demás, piensa que es un disco más de una banda desconocida, sin pensar en lo de antes si eso es lo que temes. Y entonces te gustará. Si te gusta el Metal te gustará.

Jugando al poker con Heavy Metal

2011-08-19T01:53:00.000+02:00

¿Te gusta el Metal? Lo más probable es que sí si estás leyendo esto. ¿Te gusta jugar al poker? Si es que no, como a mí, a lo mejor te animas tras visitar esta web, que es de lo que más éxito está teniendo en el mundillo metalhead anglosajón. Se llama Metal Poker y su lema es Play louder, o "dale más caña".

El juego consiste en darle a las cartas, con apuestas reales y con la posibilidad de jugar con otros heavies en línea, con Metal de fondo. Incluso la baraja está decorada convenientemente con calaveras y demás simbología metalera. Tan sólo hay que descargarse el software, dado que en la web garantizan confidencialidad y seguridad al máximo, y ponerse a hacer escaleras de color y demás jugadas maestras.

Las instrucciones están bastante bien detalladas (acerca de la mecánica del juego online, no sobre cómo se juega al poker, claro), así que conviene tener unas nociones de inglés lo suficientemente consistentes como para no liarse.

Si sois afortunados, podriais echaros unas partidas con músicos de bandas como Dark Tranquillity, Borknagar, Merrimack, Angelus Apatrida, Sonne Adam, Leprous o Morgoth, que ya están registrados.

También tienen una sección donde se pueden realizar prácticas para superar recelos y solventar las dudas que les pueda surgir a los jugadores. Melenas y cartas, puede ser una mala combinación! Probadlo y ya nos contaréis!

Crónica del concierto de Cinderella en el Irving Plaza de Nueva York el 9 de agosto de 2011

2011-08-16T14:33:00.000+02:00

Pues sí, los carteles que anuncian los conciertos también son como en las pelis!

Tras su paso por Bilbao, Madrid y Barcelona en junio, Metalbitacora recibió la invitación para asistir a uno de los conciertos de Cinderella durante su gira estadounidense, y allá fuimos, a ver su noche en Nueva York. Queríamos comprobar si su leyenda es tan grande allí como creíamos, o como lo fue hace dos décadas, y también si los europeos habíamos recibido una dosis mucho menor de la Cenicienta de la que daban en su país. Recordemos que tocaron una hora y diez justita en Bilbao, dejando fuera algunos clásicos de su discografía.

Nunca había asistido a un concierto en los Estados Unidos, así que lo primero que me sorprendió fue el luminoso que preside la puerta de entrada a un recinto de un tamaño no muy superior a nuestras salas. Más bien discreto, con pinta de teatro, y con un segundo piso sólo apto para los VIP's. Para aburridos, vamos, porque si el público de pista es paradito en los States, los de arriba parecen momias. Pero esa es otra guerra.

El luminoso anunciaba a Cinderella para esa noche de 9 de agosto, calurosa y con muchísima humedad en Manhattan. Fue sencillo llegar al Irving Plaza, pues está al lado de Union Square, apenas a unos metros de la salida del subway, así que al llegar a su entorno pensé que comenzaría a toparme con pelos cardados, olor a laca, mallas bien ajustadas y botas de cowboy. Pero mi gozo en un pozo.

Ni expectación ni frikis ni Metal. Como ya contaré más adelante New York City (NYC) no es la ciudad del Metal. Es la ciudad más espectacular del mundo, pero allí heavies, lo que se dice Trues, más bien poquitos. Así que entramos al Irving pensando que quizás dentro cambiaba la cosa, y nada. El mismo merchandising que en Bilbao y sorprendentemente el mismo número de asistentes, muy pocos pelos largos y escasez de camisetas negras. Las bandas pegadas al pecho iban desde Mayhem hasta los propios Cinderella. No se puede beber en la calle, no se puede fumar dentro, y las latas de Budweiser cuestan cinco o seis euros. Más la dichosa propina, total? Pues como en casa más o menos.

La sala no es muy grande para lo que es NYC, pero su actividad es intensa, incluso durante en agosto que es un mes más bien escasito de conciertos en la Gran Manzana. Pero esa misma semana iban a acoger una descarga brutal con seis bandas extremas, entre ellas Dying Fetus, Six Feet Under, Whitechapel y los cabezas de cartel, unos verdaderos dioses en EEUU, The Black Dahlia Murder. Diría que hubiera preferido esa noche, pero como seguramente lea esto alguien a quien no le gustará que lo diga, pues no lo digo.

Metalbitacora con John Corabi (o es un pirata del Caribe?)

Lo mejor de todo fue que el telonero, John Corabi, salió a escena muy puntual. La gente la acogió con aplausos y calor. Se nota que este chico le cae bien al público hardrockero. Su paso por Motley Crue tuvo más pena que gloria, pero lo cierto es que hay gente que nace con estrella y otra nace estrellada. Y el pobre Corabi es de los segundos. Me parece el Ripper Owens del Hard Rock: todos le admiran, tuvo su oportunidad en una gran banda, pero nunca le acabaron de salir las cosas. Vamos, que nunca consiguió tener su grupo. Cuidadito Myles Kennedy a ver si no te ocurre lo mismo.

John Corabi cogió su acústica y una lata de cerveza y allí subió, a hacer un concierto exclusivamente acústico. Es algo que yo no sabía, y que me dejó un poco frío. Pero la cosa no fue mal. Si bien al principio la propuesta no parecía agradar, la intimidad y el cariño que Corabi iba inyectando a los temas, y sus pequeños discursitos entre canción y canción lograron animar a un respetable que cumplía los clichés del público rockero yanki al 100%.

Corabi, con un look parecido al de Johnny Depp en Piratas del Caribe mostró sus encantos con "Love (I don't need it anymore)" de Union y otras versiones, como "Man in the moon" de The Scream, la emotiva "Father, mother, son" y por supuesto algunas composiciones de los Crue, sobre todo el medley de "Driftaway + Home sweet home" que todos cantamos al unísono. Cerró con una de los Beatles, "Oh! Darling". Se llevó una buena ovación de quienes estábamos en el foso. Los VIP's parecían figurantes, qué cosa de verdad...

Pensando que es un buen cantante, que no es un compositor desechable, y qué poco acogedor era el público salí a airearme antes de que salieran las estrellas de la noche, que hay que decir que estuvieron muy bien, mucho mejor que en Bilbao. Cinderella transmitieron que aún tienen cosas que decir en este negocio, y que si son capaces de componer un puñado de buenas canciones, su nuevo disco puede ser una sensación. La noche de la Rock Star en Barakaldo todos salimos contentos: habíamos visto a una banda que muchos pensábamos que jamás veríamos en directo, habíamos rememorado grandes clásicos, pero nos quedamos con la miel en los labios por su corta duración (hora y diez) y porque la voz de Tom Keifer nos pareció muy justita, sobre todo al principio. Pasados los temas entró en calor y se despejaron los fantasmas, pero nos temimos lo peor.

Sin embargo, en NYC vimos que la gira les había hecho muy bien. Dos meses más han devuelto a Keifer el estado vocal de antaño, ha adelgazado unos cuantos kilos y se mueve mucho más de lo que lo hizo aquí. De hecho, él se encargaba cada rato de animar a un público realmente apático. ¿Esta gente vive así al Rock N' Roll? Pero si no dan un paso ni una palma! Chavalería, que estas canciones son joyas de nuestra juventud! Bueno, ellos mismos. Desde el principio hasta el fin, bailamos al ritmo de Cinderella, que ejecutaron sin fallos, con una buena coordinación entre ellos y con el liderazgo de Keifer y del altísimo Jeff LaBar a la guitarra. Incluso ambos llegaron a batirse en duelos de guitarra y hasta en duelos de guitarras de doble mástil. Cómo nos siguen gustando esas macarradas.

El setlist fue prácticamente clavado al nuestro, con esa fría apertura que es "Once around the ride", para luego ir a "Shake me". El telón que les presenta como 25 años de Rock N' Roll americano presidía una sobria escena, con un juego de luces que aportaba mucho (cuánto hay que aprender aún por aquí en detalles como ese!), y en todo momento Keifer dirigiendo la orquesta.

Cuando uno ve varios conciertos de este grupo comprueba por qué siempre les han faltado un par de pasos para llegar a lo más alto: falta un poco de energía, algo de actitud y sobre todo más sacrificio. Pero están ahí porque tienen temas buenísimos, mucho mejores que otros de su quinta. Gracias a esas canciones han sobrevivido. "Heartbreak station" es una brillantísima composición que en Bilbao todos cantamos a una, entonces casi me cabreo al ver tanta frialdad entre quienes me rodean. Enlazan con "Somebody save me", que es mi favorita y aquello promete ser una gran noche en la que sólo se ausentará el público. Así es.

"Coming home", "Nobody's fool", que es para desgarrarse la garganta a gritos, y "Gypsy road" son algunas de las que nos dirigen hacia la segunda parte del show, los bises. Curiosamente, y a pesar de que han pagado entre 41 y 50 dólares por entrar, los asistentes ni siquiera se molestan en pedir que salgan otra vez. Bueno, algo de razón tendrán porque saben que de un modo u otro saldrán, pero vamos, algún gritito, así, aunque se os escape... O no?

"Long cold winter" supone uno de esos duelos guitarreros entre Kiefer y LaBar, en plan blues, antes de que, esta vez sí, todo el mundo se ponga a bailar con el que fuera su gran hit: "Shelter me". Thank you New York, y a casa. Cinderella estuvieron soberbios -entendámonos, para lo que son ellos en directo- y el público neoyorkino estuvo en lo que dicen que es su línea: parado, apático y poco comunicativo. El cóctel no es muy sugerente, pero sirvió para que comprobáramos que Cinderella se van recuperando, y que pueden tener cuerda para rato. ¿Grabarán nuevo disco de una vez?

Crónica del concierto de Europe en el Festival Brincadeira (Ordes, A Coruña) el 13 de agosto de 2011

2011-08-14T21:29:00.006+02:00

Festival Brincadeira

Ordes, A Coruña, Galiza
Sábado, 13 de agosto de 2011
Entrada: 20 euros (25 en taquilla). Otros grupos que actuaron ese día: Manolo Kabezabolo, Boikot, Habeas Corpus, Burning o Locomía

En la avalancha de festivales veraniegos que tenemos en la Península, despuntaba en Galicia este Festival Brincadeira por su concepción y por su cartel. Un cartel extremadamente variado, y que presentaba a leyendas del Rock en español como Rosendo u Obús, a personajes inclasificables como Manolo Kabezabolo, clásicos como Burning, y exotismos como Locomía, además de una variada selección de la producción propia galega, incluyendo a bandas que van desde el Rock hasta el Hip Hop, y entre las cuales destacaría a los brillantes Dios que te Crew o a Dakidarría.

Pero para nosotros el reclamo era Europe, en su penúltimo concierto de la gira veraniega (el último, según contó Joey Tempest será en Oslo, Noruega) antes de entrar al estudio en octubre para grabar un nuevo disco, del que por cierto nos presentaron un tema titulado "Doghouse". Así que allá fuimos, a verles por quinta vez desde su retorno en 2003. Europe será una de las bandas que más veces he visto desde entonces, junto con Maiden, Metallica y otras españolas como Hamlet o Los Suaves, y si les he visto tanto es, simplemente, porque siempre cumplen. No conozco a nadie que haya probado el directo de Europe y que haya salido insatisfecho. Conozco a muchos que fueron a verles llenos de prejuicios y salieron encantados. Europe es un grupazo. (Sala Rock Star 2008, Kobetasonik 2008)

Desde la base rítmica, con Ian Haugland castigando la batería y John Leven casi hierático al bajo, yendo a los coros y teclados de Mic Micaeli, pasando por ese guitar hero que es John Norum, hasta el siempre sonriente Joey Tempest, con un prodigioso estado vocal, Europe ofrecen calidad y carisma a un público que acaba siempre rendido y no sólo por los clásicos de los '80, cada vez más ignorados en sus repertorios, que se basan en un altísimo porcentaje en temas de esta nueva etapa, más rockeros, menos comerciales e incluso mucho más complejos compositivamente hablando.

Pocos minutos después de la una y media, y ante un público muy variopinto donde dominaban los metaleros y los curiosos desinformados que esperaban ver a un grupo decrépito del que sólo conocían "The final countdown" y "Carrie", los suecos salieron a Ordes (Qué será los próximo? Van Halen en Abaltzisketa?) como siempre a darlo todo, con la intro de "Last look at eden" que fue su primera canción. Es la que abre su último disco de estudio hasta la fecha y con su ritmo sinuoso Tempest comenzó a jugar con el pie de micro y a sonreír hacia nosotros, y ya desde ese momento pudimos ver a Norum un poco más empático que de costumbre. Sin llegar a echarse carreras por la escena, esta vez el normalmente seriote guitarrista interactuó un poco más de lo habitual.

Rápidamente lanzaron otro tema de la nueva etapa, uno de los más heavies, "The beast", y aunque había bastante desconocimiento, como es normal ante un público tan diverso, la respuesta fue unánime: aplausos y puños en alto. Claro que Europe sintió el calor del público a la tercera, un "Superstitious" que siempre es acogido con entusiasmo, y que es una canción que nunca falta en sus repertorios. Y que además siempre va en tercer lugar. Hubo tiempo para volver más atrás en el tiempo y recuperar la cañera "Scream of anger", ahora que han aparcado "Wings of tomorrow", "Stormwind" o "Seven doors hotel", que eran las habituales hasta 2010.

Y para dejar claro que aquello era un concierto de Hard Rock, seguir repasando toda su discografía, se fueron a lanzar un "Let the good times Rock", que precedió a la inevitable "Carrie". Esta vez tocaron la versión original, sin parte acústica como han hecho otras veces: piano, estribillo y solo de Norum. El público hizo el resto. Para entonces Tempest había dado ya un recital de cómo ha de ser el frontman de una banda de Rock: profesional, sin hacerse el malote rompiendo habitaciones de hotel, cuidando su voz, con un buen abanico de bailes y poses y sobre todo transmitiendo sonrisas y complicidad hacia un público que paga para eso. Por cierto, sólo 20 euros, la mitad de lo que habría que pagar por verles en una sala.

"No stone unturned", del último disco, abrió paso al corto pero excelente solo de John Norum, quien mostró un nuevo juego de guitarras esa noche, entre ellas una Gibson y una Flying que me hizo pensar si no se estará haciendo del todo con las riendas del grupo para endurecer su sonido aún más. Otra cosa que hay que agradecer de Europe es que siempre varían su setlist. No esperaba "Seventh sign", un tema que muy pocos conocíamos allí, y que abrió una fase intermedia del concierto más pausada, no porque fuera menos cañera, sino porque la gente observaba ante sí a una banda completamente diferente de la que muchos esperaban, una banda madura, con una oferta musical muy diferente de la que tenían entre 1985 y 1990, y absolutamente empastada y unida.

"The getaway plan" me parece una de las canciones en las que Tempest está más juguetón, quizás por los wua-wuas del estrubillo. El cantante tocó la guitarra en varios temas, en la bella "New love in town" la acústica, y después otro solo, este divertidísimo, de Haugland a la batería. Con la sintonía del Séptimo de Caballería, Haugland castigó los parches y arrancó los aplausos del público, que se lo estaba pasando en grande. El batería estaba de cumpleaños, y antes de los bises sopló las velas y descorchó una botella de champán como podéis ver en uno de los vídeos. "The one and the only" como lo definió Tempest. La verdad es que es muy carismático este chico.

Y a partir de ahí, la traca final, un derroche de Hard Rock que se convirtió en toda una celebración tanto arriba como abajo del escenario. "Love is not the enemy" fue la transición hacia un tema que nunca había escuchado en sus directos, era una de mis espinitas, esa joya del AOR llamada "More than meets the eye", una pieza exquisita que disfruté de lo lindo y que me dejó muy poco oxígeno para los dos cañonazos que nos lanzaron después: la espectacular "Cherokee" y la emocionante "Rock the night", ambas cantadas al unísono por banda y respetable. Uno se para a pensar y se da cuenta de la cantidad de temazos que tiene Europe en toda su discografía.

Los oes fueron inevitables en la pausa previa a los bises, que sólo fueron dos, pero de muchos kilates. El primero de ellos, el tema nuevo del que os hablaba: "Doghouse", adelando de su próximo disco que parece consolidar una tendencia hardrockera muy interesante y altamente creativa, y que debe servir para llevarles de nuevo a las más altas cotas de éxito porque, sinceramente, se lo han vuelto a ganar. El final fue el inevitable: esa gran comunión que se da cuando Micaeli empieza a entonar con sus teclados a perfilar "The final countdown". Tempest nos instaba a saltar pero no hacía falta porque siempre, cuando acaban sus shows, aquello es el delirio.

Una vez más me río de quienes nos intentan enseñar el camino del Metal con esos grupillos cuyos cantantes instan a hacer círculos y a batirnos a empujones y a codazos con propuestas musicales tan pobres como la economía de Grecia, despreciando a bandas monumentales como Europe. Esto es Rock duro; se trata de pasarlo bien y de hacer buena música, nada más, y ellos siempre cumplen. Tú te lo pierdes, machote.

Setlist
Intro + Last look at eden
The beast
Superstitious
Scream of anger
Let the good times rock
Carrie
Solo Micaeli
No stone unturned
Solo Norum
Seventh sign
The getaway plan
New love in town
Solo Haugland
Love is not the enemy
More than meets the eye
Cherokee
Rock the night
----------------------------------
----------------------------------
Doghouse (new song 2011)
The final countdown

Crónica del Sonisphere de Getafe 2011 (segunda parte)

2011-07-19T21:38:00.000+02:00

La segunda jornada del Sonisphere de Getafe 2011 empezó tal y como temíamos, con un calor insoportable a las tres de la tarde. Hasta entonces no se abrió el recinto, con lo que formó una cola considerable, que hubo que sortear como buenamente pudimos para poder ver a los suecos Hammerfall, que salían sólo 20 minutos después de la apertura de puertas. Como siempre, hubo alguna anécdota con los encargados de la seguridad. A mí me requisaron la crema solar, tan necesaria con ese sol implacable, porque según el vigilante “si le pones fuego se convierte en un cóctel molotov”. Eso sí, pude pasar con mi triple cadenón, con el que le podía haber abierto la cabeza a él y a sus compañeros. Así que sin protección solar y un poco de cabreo me dispuse a bajar al foso.

El deterioro del terreno tras una jornada de festival era evidente, y todo se agravó con una ventolera fortísima que empezó a la levantarse al poco tiempo. La polvareda era insoportable, y las mascarillas fueron necesarias para mucha gente, supongo que asmáticos, enfermos crónicos y alérgicos, que debieron sufrir de lo lindo. No entiendo cómo estos guerreros del Power, con una trayectoria tan rotunda aunque algo venidos a menos con sus últimos trabajos, pudieron ser situados a las tres de la tarde y con sólo media hora de tiempo. Fuimos muchos los que nos situamos en las primeras filas para escuchar una descarga muy digna. Creo que hay que reconocerles el mérito de trabajarse un concierto muy potente a pesar de que todos los elementos estaban en contra.

Abrieron con “Any means necessary”, de su penúltimo disco, cuyo estribillo es tan pegadizo que la gente, a pesar de la deshidratación y el calor, se puso a saltar al unísono. Arrancaron la moto casi sin pausa para ofrecernos “Renegade”, y volví a preguntarme quién habrá sido la luminaria que decidió que Apocalyptica debían tocar más tiempo que Hammerfall. “Blood bound” cayó con un arranque más tranquilo y semiacústico, y a partir de ahí ofrecieron un par de temas nuevos, entre ellos uno dedicado a la pasión metalera titulado “Bang your head”. En la traca final cayeron “Hammerfall” y “Let the hammer fall”. Creo que hay que reconocer a Joacim Cans y los suyos la entrega, a pesar de que considero que desde la entrada de Pontus Norgren a la guitarra han perdido algo de pegada. Quizá sea una sensación personal, pero me parece que ese chico no disfruta con lo que hace, y que son Cans y Dronjak quienes siguen tirando del carro. Si hubieran tocado a media tarde y hubieran dispuesto de media hora más, se iban en medio de un clamor. Eso sí, prometieron volver en noviembre, y ya se ha confirmado que el 10 de diciembre tocarán en Bilbao. Y allí estaremos, claro.

Las barras empezaron a colapsarse poco a poco, y la combinación de solana y viento amenazaba con convertirse en letal. En algún momento llegué a pensar que nos íbamos a morir todos antes de escuchar el primer saludo de Bruce Dickinson. Afortunadamente, el desacierto a la hora de seleccionar y situar a las bandas en orden se convirtió en nuestro aliado. La tarde seguía con Mastodon, Apocalyptica y Dream Theater, así que la mayor parte de la gente combinó la búsqueda de una posición adecuada para ver a Maiden con la visita a las barras y la búsqueda de las insuficientes sombras que nos dispusieron.

No puedo aportar gran cosa sobre Mastodon, no es una banda que me interese demasiado. Reconozco su sonido potente y original, pero su directo me parece complejo, difícil y por momentos cargante. Eso sí, hay que destacar el buen audio del que disfrutaron casi todos los grupos durante el festival. Con alguna salvedad y puntuales errores, en general pudimos escuchar con nitidez tanto el viernes como el sábado.

La espera entre grupo y grupo empezó a alargarse en exceso, y tras Mastodon era el turno de Apocalyptica. No entiendo la querencia de los promotores por este grupo para situarles en todos y cada uno de los festivales españoles. Su propuesta es atrevida, virtuosa, distinta. Pero lo es sólo durante un rato. Tienen que tirar siempre de Metallica y Sepultura para motivar a un personal que en su gran mayoría les han visto ya varias veces, y eso reduce un poco el interés. Aún así, los más incondicionales les ayudaron a cantar. Lo único interesante fue la aparición de un vocalista para ayudarles en varias piezas, entre ellas la gran “I’m not Jesus”, que sin duda es su mejor tema, cantado originalmente por el gran Corey Taylor.

Poco a poco se acercaba el momento de la verdad, y volví a sorprenderme con la capacidad de arrastre de Dream theater. Presentaban a su nuevo batería, Mike Mangini, que tiene una difícil papeleta, la de sustituir a Portnoy, y existía cierta expectación por conocer su destreza. Sí, son musicazos, pero en un festival no suele encajar un grupo que toca para músicos que, en mi opinión, es lo que hacen DT. Tocan de tal manera que el espectador sólo ve lo bien que ejecutan las notas. No hay feeling, no hay conexión con el público, no hay feedback. Sólo te plantas allí y admiras su calidad. Creo que era la tercera banda consecutiva que generaba una cierta desafección hacia el escenario.

Y es que claro, todos esperábamos lo que esprábamos. Queríamos Maiden, nuestra dosis anual. Creo que debería estar regulado por ley un concierto al año del grupo de Heavy Metal más querido de la historia. Aún con el día sonó el “Doctor, doctor” y la sangre empezó a bombear desde nuestros corazones deseando asistir a la espectacular salida a la escena que ofrecen cada noche, como la banda más profesional del género que son. Nunca fallan, lo dan todo y respetan como nadie a los fans. Y sólo por eso merecen nuestro agradecimiento, al margen de que nos gusten más o menos los temas que seleccionan en el repertorio.

Tras los UFO, empezó la larga y tediosa intro que encabeza el “The final frontier” que nos venían a presentar. Un número 1 en 22 países que, sin embargo, nos ha dejado fríos. Esa es la verdad. Pudimos observar un despliegue escénico espectacular, con la batería de Nicko en medio, impresionante, y la disposición en dos alturas para que Bruce pueda moverse a su antojo. Acabó la intro de cuatro minutos y medio y ahí salieron, en tromba, para atacar con “The final frontier”, que es una canción que me engancha, de lo poco del disco que me engancha. Y la disfruté, pero enseguida me percaté de que la mayoría estaba allí, como casi siempre, por “The trooper”, “The number of the beast” y otras tantas que no iban a tocar esa noche. La primera se fundió con “El Dorado”, con el bajo de Harris cabalgando sobre todos los demás.

Hay otro detalle que empieza a ser más que un detalle, y es la poca presencia del gran Adrian Smith en una banda de tres guitarristas. Janick Gers hace demasiados solos para lo que puede ofrecer, que es mucho, pero no es tan brillante con Adrian, y yo le echo más de menos. El grupo lo estaba dando todo, y el público no, así que me empecé a defraudar un poco porque sabía que iba a faltar magia, y la verdad es que faltó. Así que no tardaron en ofrecernos “2 minutes to midnight”, y entonces sí que despertó el personal. Puños arriba y coros al unísino. Más nos valía, antes ya había preguntado Bruce si en Madrid no había “cojones”, al ver el apalanque generalizado. Los había, pero no eran muy grandes, Bruce.

La primera parte del show osciló entre temas del último disco y clásicos, lo que hacía que el calor que se obtenía en un instante se enfriara al siguiente. Eso hizo “The talisman”, que tiene una parte vibrante, pero que se pierde en oscilaciones rítmicas que rayan el tedio. Tanto que una canción tan buena como “Coming home” es recibida de nuevo con algo parecido al pasotismo. Y eso que los más incondicionales de las primeras filas lo coreaban todo. Cada día hay más diferencia entre el público español y el latinoamericano. Y eso es una lástima. Si el respetable no se entrega, no suele recibir algo especial, aunque Maiden seguían a lo suyo. Bruce sin parar, carrera va carrera viene, Nicko clavando todas y cada una de las notas, Harris apuntando con su bajo, Gers bufoneando y Adrian en un segundo plano, como siempre, pero haciendo que todo fluya.

“Dance of death” continuó con la apatía generalizada, aunque yo la gocé, porque su parte más rápida me parece estupenda, pero allí se querían más clásicos, y “The trooper” satisfizo los deseos. Zamarra roja de soldado para Bruce, bandera y numerito típico. Está muy visto, pero nos da igual. Empalmaron con uno de los mejores temas de la última etapa, “The wicker man”, un clásico, con esa guitarra magnética que se te mete dentro y te obliga a saltar, ese estribillo de puños arriba y ese tramo final de “oh, oh, oh” para dejarse las cuerdas vocales. Memorable. Sin duda, fue el mejor tramo del concierto salvo la traca final, porque después cayó ese medio tiempo dedicado al sentimiento metalero, a quienes conformamos la familia Maiden, ya seamos basques, como dijo Bruce al ver una ikurriña (San Sebastián? Preguntó), Chile, Noruega, Paraguay y no sé cuántos países más estaban allí presentes. El año pasado se la dedicaban a Dio, esta vez a todos los heavies.

Todo se volvió a frenar con “When the wild wind blows”, a mi juicio el mejor tema de su último disco, una verdadera joya equiparable a “Alexander the Great”. Ya lo vi, soy de los pocos que me la sé de pe a pa. Lástima, os perdéis una gran canción. Y a partir de ahí todo fue hacia arriba pero yo me fui enfriando.

“The evil that men do” la he visto varias veces, “Fear of the dark” también, aunque es impresionante la comunión que se da entre banda y público, es una canción mágica, emocionante, nos fundimos todos a una y a Bruce casi no se le oye aunque canta como los ángeles. Qué portento. Y luego va Eddie (qué feo es el Eddie de esta última etapa!) y llega “Iron maiden” para desatar el delirio y conducirnos al único parón.

Una pausa de apenas un minuto para que “The number of the beast” ponga aquello patas arriba, ya con la noche cerrada sobre nuestras cabezas y la pena porque aquello empieza a acabarse. No sin antes vaciarnos con “Hallowed be thy name”, probablemente una de las cinco mejores canciones en la historia del Heavy Metal. Allí siguen, los seis, sonriendo, corriendo, mirándonos a los 40.000 que estamos llevando en volandas un concierto que, a pesar de todo, recordaremos para siempre. “Running free”, presentaciones y despedida. Clamor, abrazos, emociones. Siempre querríamos un “Somewhere back in time”, pero ellos ofrecen cosas nuevas siempre, y eso también hay que agradecerlo.

La masa se dispersa hacia los baños y las barras, casi no hay por donde moverse pero aún queda noche. Una hora después llegaron los que, en mi opinión, fueron los grandes ganadores del Sonisphere: Twisted sister. Qué concierto, qué entrega, qué forma física y vocal mantiene Dee Snider y esta vez sí, qué gran público. Nos acercamos a las primeras filas para ver a un grupo que sólo toca 15 veces al año y que casi siempre escogen España por la legión de fans que tienen. El derroche de simpatía de Twisted fucking sister es tan arrebatadora que no nos paramos de reír.

“The kids are back” y “Stay hungry” ya indicaban que aquello prometía, y vaya si cumplieron. Snider saltó, bailó, corrió, se tiró al suelo y sólo le faltó comerse las tablas. Con “You can’t stop Rock N’ Roll” creí que se desmayaba por la velocidad con la que se movía. Pidió varias veces que se apagaran las luces para ver a la masa entregada. “Beautiful”, dijo, mientras en una de sus parrafadas, el guitarrista nos grabó con su cámara para enseñarlo en su país. Denunció los programas tipo Operación Triunfo, que encumbran a la gente en unas semanas mientras ellos son excluidos de los grandes circuitos a pesar de llevar 30 años dejándose la piel. Y no sólo ellos, citaron a Motorhead, a Kiss y a otros.

“We’re not gonna take it” fue impresionante, el vídeo lo dice todo, y se remató con un “huevos con aceite” simpatiquísimo, inolvidable. Casi tanto como el “I wanna rock” que cantamos todos a saltos, y que en su tramo final Dee nos invitó a cantar usando “Rock” o “Fuck”, como quisiéramos. Se fueron para volver con “Come out and play” y “S.M.F.”, y se llevaron nuestro cariño. Espectacular descarga de TS, que están vivos, y que debieran pensar seriamente en grabar nuevo material porque ahí hay cuerda para rato. Sin duda, de lo mejorcito del Sonisphere.

A partir de ahí empezó la desbandada general, aunque aún faltaban los Uriah Heep, que dieron muestra de su talento aunque ya recibieron una respuesta fría, lógica dado el cansancio. Aún así “Easy livin’ “ remachó una buena descarga. A las tres de la madrugada, Lacuna coil pusieron punto final al festival. Tuvieron un sonido horrible, y ellos se quejaron del horario intempestivo que les tocaba pero, la verdad, esta banda no tiene demasiados recursos. Su cantante femenina no es suficiente como para levantar a unos músicos ciertamente limitados, y ese modelo que bebe de Theatre of tragedy y Evanescense a la vez lo veo bastante agotado.

De allí a la carpa, donde Rafa Basa hizo de las suyas, incluyendo una petición de aplausos para la organización, cómo no, que fue recibida con silbidos e indiferencia.

Buen nivel de grupos, malísimo emplazamiento, buen sonido y ambiente inmejorable, ese es mi balance del Sonisphere. Eso sí, volvería ahora mismo. Un festival Heavy es un universo paralelo, es libertad, vivir sin complejos y entre buen rollo. Por eso decía que estoy orgulloso de ser Heavy. Que llegue pronto el próximo.

Crónica del festival Sonisphere en Getafe, Madrid, 15 y 16 de julio de 2011

2011-07-18T21:20:00.001+02:00

Hay demasiadas cosas que contar y poco espacio para no aburrir, así que intentaré sintetizar al máximo cómo ha ido esta tercera edición del Sonisphere español, la segunda en Getafe. Musicalmente, el nivel ha sido excelente, hemos asistido a varios conciertos de grandísimo nivel. Organizativamente, hay algunas cosas muy mejorables. En cuanto a público, la respuesta ha sido buenísima en cuando a asistencia (70.000 personas en total, con 40.000 la noche de Iron maiden), pero un poco fría en el plano de la respuesta durante determinadas fases del festival. Quienes me habéis leído alguna vez, sabéis que me quejo del enfriamiento progresivo que observo entre el público que asiste a conciertos de Metal. Cada vez hay más gente que asiste a los conciertos como si fuera al cine. No lo entiendo, pero desde luego si tú eres uno de ellos, no te molestes en mirarme mal cuando dé botes a tu lado. No pienso cambiar.

Si hay que destacar algún grupo en especial, diré que me gustaron Angelus Apátrida, Gojira, Arch enemy, Slash, The Darkness, Hammerfall, Iron Maiden y Twisted sister. No entendí la inclusión de Uriah heep ni de Sober en el cartel, y me disgustaron Lacuna coil, Valient Thorr y Apocalyptica. A Mastodon y Dream Theater no les juzgo, simplemente porque no conecto con ellos.

La jornada del viernes fue especialmente fructífera para mis gustos. Accedimos al recinto (le llamaremos recinto por respetar el diccionario, pero aquello es un atentado a la dignidad, y sólo lo soportamos por la pasión que profesamos los asistentes por el Metal. Organizar ahí un festival en pleno julio no es desacertado, es, simplemente, una burla) cuando eran más de las siete de la tarde, con lo que el concierto de Angelus apatrida ya estab a en marcha. El sol castigaba sin piedad y desde los laterales de la escena se chorreaba al personal de las primeras filas con dos mangueras de agua. Los manchegos dieron un concierto impecable, como suele ser habitual.

Empiezan a dominar las tablas con una facilidad pasmosa. Desde luego, se lo han trabajado, no sé cuántos conciertos llevará encima en los dos últimos años, pero sin duda su esfuerzo está mereciendo la pena. Atacaron varios temas de su reciente “Clockwork”, un trabajo excelente que para mi gusto va mejorando con el paso del tiempo, como el buen Thrash clásico. Una pena no haber llegado desde el principio y no poder degustar sus temas como debe ser.

Y más visto sus sucesores en el cartel, unos Valient Thorr que pasaron sin pena ni gloria, en medio de una indiferencia generalizada y que resultarían más apropiados en un cartel como el Azkena Rock de Vitoria que en un festival Metal como es el Sonisphere. No sé cuánto tiempo descargaron, pero se me hizo bastante largo. El sol seguía ajusticiándonos y mientras unos se cobijaban en la sombra otros pasaban por los túneles de refrigerio, pero todos ingerían líquidos a mansalva.

La cosa empezó a ponerse seria cuando el día empezaba a agonizar. Entonces los franceses afincados en Baiona Gojira estaban citados. Y cumplieron. Creo firmemente que Gojira es una de las bandas más interesantes del Metal más extremo por su singularidad. Practican una especia de Death progresivo repleto de recovecos, curvas, paradas, afluentes y meandros que en directo presentan de manera sublime. Posiblemente os pase como a mí, que en disco se me hacen un poco difíciles. Pero en directo es otra cosa. La columna vertebral es una base rítmica demoledora, como un martillo pilón, con uno de los hermanos Duplantier en la batería y un bajista sensacional llamado Jean Michel Labadie. Su forma de tocar el instrumento es inverosímil, tanto como su headbanging. Hay momentos en los que pienso que se le va a escapar la cabeza.

Musicalmente me parecieron impecables, como cuando les vi en el primer Sonisphere, el que se celebró en Barcelona. Creo que pueden llegar a alcanzar una dimensión superior en el género si su próximo disco vuelve a ser de nivel. Creo que son lo más original que existe en la escena junto con Devildriver. Cuando terminaron con “Vacuity” me quedé con ganas de más, pero satisfecho.

Omitiré cualquier juicio acerca de Sober. No me parecían la banda más apropiada para esa hora ni para ese festival, pero hay que reconocer que tienen éxito, mucho, y que tienen a su público. Curiosamente, me parecen sonar mejor en disco que en directo, pero los gustos son algo tan subjetivo que no hay mucho que hacer cuando algo no funciona. Y lo mío con Sober no funciona.

Buena parte de las fuerzas de muchos asistentes, yo entre ellos, estaba reservada para Arch enemy. A pesar de practicar un Metal muy contundente y extremo, los suecos están acercándose a lo que es una banda de masas gracias a la excelente combinación de los hermanos Amott con la cantante Angela Gossow, que no sólo es un prodigio vocal, sino que se comporta sobre la escena de manera espectacular, desprendiendo un gran magnetismo. La verdad es que no paré quieto y disfruté al máximo temas como “Ravenous” o “Revolution begins”. Hay que ponerle un pero a su actuación, y es que fue demasiado corta, no sé si por razones que competen a la banda o porque el horario del festival ya acumulaba un cierto retraso y eran ellos quienes pagaban los platos rotos. Me quedé con ganas de escuchar una que están descargando en su gira, “Dead eyes see no future” que me parece una canción magistral en la que Angela da todo lo que su voz aporta a la banda. Espero que vengan pronto con su propia gira. Con otros quince minutos se hubieran ido en volandas.

Y llegaba el momento estelar de la noche con Slash. Había pasado poco más de un año desde que nos deslumbró con su actuación en el Azkena Rock, donde estuvo a punto de eclipsar a Kiss, y no esperaba nada sustancialmente distinto, pero he de decir que fue aún mejor. La banda que le acompaña ha acabado por empastar bien, y aunque el segundo guitarra, el bajo y el batería saben que son los secundarios, realizan un aporte muy positivo al resultado final. Tanto cuando hacen los temas de Slash, como cuando atacan alguno de los Velvet Revolver y, por supuesto, cuando tienen que enfrentarse a Guns N’ Roses dan la talla. Es más, diré que lo que hace ahora Slash es lo más parecido a los GN’R auténticos, a pesar de que sea Axl quien se ha quedado con un nombre que va arrastrando por el mundo hasta su laminación total.

Hasta seis canciones de GN’R nos ofreció el chico del sombrero de copa, todos con los riffs clavados, con los solos impecables y esa forma de acariciar y mover la guitarra tan sugerente. Quien acusó a Slash de aburrido seguramente esté sordo o ciego, porque no paró un instante, ya se atreve hasta a hablar con el público a veces y echa unas carreras que no explico cómo no le hacen cometer errores. Abrieron con “Ghost” y tras regalarnos una de Slash’ Snakepit, “Mean bone” fueron ya a caldear el ambiente con “Nightrain”, coreada a saltos por una audiencia sedienta de pistolas y rosas, que luego recibiría “Rocket queen”, “My Michelle” (majestuosa), la siempre emocionante “Civil war”, en la que la guitarra de Slash parece hablar, “Sweet child o’mine”, al término de cuyo solo creo que se me escaparon un par de lágrimas, y una memorable “Paradise city” para mandar a muchos a la tienda a dormir y a los más valientes a ver a los Darkness o a la carpa.

En honor a la verdad, he de confesar que me tiene enganchado Myles Kennedy, el chico que hábilmente les ha robado Slash a todos los demás para que cante en su banda. Myles, líder de los Alterbridge, tiene algo. Por eso se rumoreó que lo querían los Aerosmith de Perry e incluso que era el elegido para una posible vuelta de los Zeppelin si fallaba el remolón de Robert Plant. ¿Qué tiene? Tiene recursos, fuerza, diferentes timbres intercambiables si quiere hacer de Axl, de sí mismo o de Scott Weiland (“Sucker train blues”). Me gusta cómo se mueve y la sensación de que todo está en orden cuando tiene el micro ante la garganta. Creo que si fuera cantante me gustaría ser como él.

Suyo fue el mérito de que “Back from Cali” sonara tan arrebatadora, o que “Promise” me transmitiera en directo lo que no consigue hacer en el Cd a pesar de que la canta nada menos que Chris Cornell. Se fueron aclamados como los vencedores del primer día. Creo que muy poca gente pensaba que Slash era lo suficientemente importante como para encabezar uno de los dos días de cartel. Espero que si alguien ha dicho eso, se haya lavado la boca con lejía.

Y aún faltaban The Darkness, casi a la tres de la madrugada. Un grupo que me cautivó en su día gracias a su Rock pegadizo y vacilón, y por supuesto gracias a los falsetes de ese elemento que es Justin Hawkings. Tienen una propuesta tan particular que tengo la impresión de que no hay término medio, o los amas o los odias. Si tengo que elegir, los amo. Y más desde el viernes. La razón es que veo que ha vuelto un grupo que aún tiene cosas que decir, no porque vayan a aportar nada a la música que no se haya escuchado, pero sí porque el panorama del Hard Rock está suficientemente necesitado de relevos potentes como para que The Darkness tengan su sitio.

Sin embargo, a mi lado, Andoni opinaba que estaba siendo un espectáculo lamentable y que Justin era un bufón que le sacaba de quicio. No tenía muchas fuerzas como para entregarme en las primeras filas, pero sí moví el esqueleto con “One way ticket to hell… And back”, “I believe in a thing called love” o “Friday night”. Creo que en una sala reducida pueden ser la bomba. Me dio buenas impresiones Justin tras sus múltiples excesos, él acapara todo el protagonismo, nos prometió nuevo disco para dentro de poco y yo me dirgí a la carpa a ver quénos pinchaba El Pirata pensando que The Darkness se merecen una segunda oportunidad, y yo se la voy a dar.

Así estaba a punto de cerrarse el primer día. Mañana os cuento algo de lo que me pareció Maiden, Twisted sister o Hammerfall.

Crónica del concierto de Avenged Sevenfold en Madrid el 24 de junio de 2011

2011-06-26T13:54:00.002+02:00

Avenged Sevenfold + Vita Imana
Viernes, 24 de junio de 2011
Palacio de Vista Alegre, Madrid
32 euros
Duración: hora y media aprox.
Asistencia: 5000 personas

Llegaba a Madrid como cabeza de cartel una de las bandas con mayor proyección del panorama metalero actual, los estadounidenses Avenged Sevenfold, y allí nos fuimos, a comprobar si todas las vicisitudes que les han rodeado hasta ahora son coincidencias o, por el contrario, cumplen el arquetipo de una gran banda de Rock en ciernes, dispuesta a recoger el testigo que los grandes del metal están a punto de ceder. A7X cuentan ya con cinco discos de estudio, a pesar de su juventud, y un enorme éxito en Estados Unidos, donde el trabajo que nos presentaban, “Nightmare”, entró directamente al número 1.

Normalmente una banda de dimensiones gigantescas suele agrandar su leyenda con otro tipo de sucesos, y en este caso, eso también se cumple. La prematura muerte de su batería The Rev hizo temer por la desaparición del grupo, que sin embargo acabó sorprendiendo a todos al incorporar a Mike Portnoy, quien a su vez abandonaba a Dream Theater. Cuando pasan cosas así, uno ya piensa en serio que estos chicos se quieren comer el mundo y a lo mejor hay que darles una oportunidad.

Lo primero que llama la atención es la diferencia de público con respecto a los últimos conciertos a los que he asistido (Cinderella, Stryper, Down…), aquí la media probablemente no sobrepasase los 22 años. Había gente muy joven, seguramente para muchos su primer gran concierto, y eso convirtió Vista Alegre en una olla con el público entregado desde el minuto 0.

Se coreaba constantemente Sevenfold, hasta que los teloneros, Vita Imana, saltaron a las tablas. No puedo aportar muchos detalles con respecto a ellos dado que desconozco su repertorio y el sonido del que disfrutaron fue especialmente malo. Al menos desde nuestra posición, en el tendido alto, a donde llegaba todo demasiado embarullado. En el foso mejoraba bastante la calidad del audio, como comprobamos más tarde. Eso sí, durante la actuación de Vita ya se vieron algunos pogos concurridos. La banda mostró buena actitud, con saltos y carreras constantes. Por cierto, es novedosa su aportación en la rítmica con un equipo de percusión que complementa al bajo y a la batería. Me pareció que la etapa más tribal de los Cavalera en Sepultura ha tenido que ver algo en la apuesta de estos chicos.

Volvimos a la calma y a escuchar Sevenfold, Sevenfold, durante el descanso, que se amenizó con el “Powerslave” de los Maiden y algunos temas de Motorhead, hasta que se apagaron las luces, a eso de las 22:30. Realmente, la salida a escena de A7X estuvo envuelta en un clamor tan atronador que sentimos estar, realmente, ante una gran banda. De hecho, fue imposible escuchar los primeros acordes de “Nightmare”, el primer single del último disco, ante el griterío de la gente, que alcanzó, como se puede ver en el vídeo, el culmen cuando Shadows salió a escena con su atuendo característico, gorra y gafas de aviador.

Cuidadito con Shadows. Este chico posee cualidades. Domina varios registros: la tralla, las transiciones, los medios tiempos, es capaz de hacer variaciones en el timbre que modifican la voz complemente de una canción a otra, y el tono es semejante durante todo el concierto. No es que se explaye demasiado con el público, pero lidera la situación constantemente. Me pareció lo mejor, junto con el batería. El resto del grupo estuvo correcto. Sin fallos. Sin destacar.

Hacía tiempo que no asistía a un concierto en el que la gente se supiera las canciones de principio a fin. Y no hablo de los himnos, pues este grupo ya tiene seis o siete nada menos, sino a cualquier canción del repertorio. Esto no pasa habitualmente en los conciertos. Si fue una noche entretenida, lo fue también por el público. Aunque habrá que decir que los pgos, en algunos casos, parecían de juguete. Más surrealista si cabe era el hecho de que hubiera gente de seguridad vigilándolos desde el perímetro, sin entrar en ningún momento, o que vigilantes de seguridad pasearan entre el respetable para vigilar si se fumaba. A uno que yo sé no le pillaron, aunque estuvieron a punto.

“Critical acclaim” supuso la transición hacia esa delicia que es “Welcome to the family”, una trallazo diseñado para saltar de principio a fin, justo antes del cual nos dio la bienvenida a la familia A7X. Allí estaba la masa, para seguir con sus botes el ritmo de los riffs. “Almost easy” y “Buried alive” me demostraron que son capaces de mantener un tono alto durante la primera media hora de concierto.

En este tema tuve que escuhar el comentario del típico analista que se te sienta al lado en los conciertos: "esta parte se parece al "Orion" de Metallica". Honoris Causa del Heavy, el chico.

En ese momento se para, Shadows se acuerda de Sullivan The Rev, y le dedican “So far away”, que es un tema entrañable, pero que muchos aprovecharon para repostar, evacuar, y en nuestro caso, colarnos en el foso.

Porque luego viene el que es, a mi juicio, la mejor composición de su repertorio: “Afterlife”, que sonó tan bien como en el disco. Homenajearon a sus influencias más cañeras con “God hates us”, donde la camiseta de Pantera que lucía Shadows cobraba más sentido. Preguntó cuántos estábamos viéndoles por primera vez, y casi todo el mundo levantó la mano. “A little piece of heaven” fue el contrapunto que demuestra que también pueden ponerse sensiblotes y contentar a la gran parte de su público que son féminas. Había muchísimas chicas. Defendemos la igual en el Metal también.

“Bat country” cerró la primera parte, retomada con “Unholy confessions”, con esa parte de prolongación dedicada a los circle pits. Bastante inofensivos, insisto. Y la fiesta terminó con “Save me”, que es un tema de 10 minutos que no debería cerrar un show.

Quizás no fue el concierto de nuestras vidas, pero creo que vimos a una banda que, si sabe mantener este nivel, y sostener una evolución lógica, está muy cerca de la cima. Y no hablo de una cima efímera, como las de Korn o este tipo de grupos que gustan 8 años y luego se diluyen. Hablamos de una cima de pervivencia, como los grandes. Los realmente grandes. En sus manos está. A la gente ya se la han ganado.

Vídeos del concierto de Cinderella en Barakaldo

2011-06-13T12:16:00.000+02:00

Estos son los primeros vídeos del concierto de Cinderella en la sala Rock Star Live de Barakaldo este pasado sábado 11 de junio

Iron Maiden arrancan "The final frontier tour" con un repertorio interesante

2011-02-12T12:52:00.000+01:00

Iron Maiden iniciaron anoche en Moscú su "The Final Frontier World Tour" en el Olympiysky concert hall. El repertorio parece menos estresante que el de anteriores giras de presentación de disco, y combina varios temas nuevos con clásicos irresistibles.

01. Satellite 15... The Final Frontier
02. El Dorado
03. 2 Minutes To Midnight
04. Coming Home
05. Dance Of Death
06. The Trooper
07. The Wicker Man
08. Blood Brothers
09. When The Wild Wind Blows
10. The Evil That Men Do
11. The Talisman
12. Fear Of The Dark
13. Iron Maiden

Encore:

14. The Number Of The Beast
15. Hallowed Be Thy Name
16. Running Free

Fotos en este enlace

Hay que saber si este se mantendrá hasta verano o irán realizando variaciones, pero igual hay que empezar a pensarse en serio el verles en algún sitio. Os dejo algunos vídeos, empezando por el mejor tema del último disco

Crítica de "Diary of a mad band. Europe in the year of VI" de Down (Cd + DVD) 8/10

2011-02-06T19:42:00.000+01:00

Supongo que los seguidores habituales de este blog, cada vez con menos actividad, sí, lo sé, pero el tiempo da para lo que da, sabréis que si pongo un disco en el primer puesto de la lista es porque es un buen disco. Este, por supuesto, lo es, y no estamos ante una de mis bandas favoritas, al menos en estudio. Down me han resultado más bien pesados en las escuchas largas. Pero cuando les vi en directo (Barcelona, Sonisphere, 2009), cambió mi percepción. Ya sabía que eran furiosos, potentes e iracundos, pero en directo todo cambia.

Las canciones ganan en amplitud, es difícil de explicar, el sonido se expande de una forma sorprendente y, aunque los ritmos no son excesivamente rápidos, Down parecen más rápidos y más duros todavía. Pero si hay algo que sobresale en esta banda, donde confluyen miembros de otras bandas importantes (Corrosion of conformity, Pantera...), es la presencia inimitable y totalmente magnética de Phil Anselmo. El cantante sigue siendo un torrente metalero, pero en este directo apreciamos el cambio de personalidad que ha vivido tras el fallecimiento de Dimebag Darrell y su abandono del alcohol y otros excesos. Anselmo se dirige al público entre tema y tema con mucho cariño y agradecimiento, y no para de repetir "I love you", "absolutly badass" y otros términos de aprecio, en lugar de tacos e improperios propios de otros tiempos.

También os quería hacer otra pregunta que me sirve para centrar en la importancia de este disco: ¿Cuál es el último disco en directo bueno que habéis oído? No hay muchos últimamente, eh! Incluso el de Dio en Donington no es capaz de transmitir lo que Dio transmitía en directo. Es posible que si no sois seguidores de Down las primeras escuchas os resulten algo espesas, pero poco a poco irá creciendo.

Sin duda, hay algunos temas absolutamente apoteósicos, empezando por "Lifer", dedicada a Dimebag Darrell y a todos los amigos que Phil ha perdido en el camino, y en la que el cantante se deja las cuerdas vocales, "Ghosts along the Mississippi" con el excelente riff de inicio de Kirk Windstein, "New Orleans is a dying whore" (qué arranque tan brutal!), "Eyes of the south" o la deseada "Bury me in smoke". Vosotros mismos.

Pero este grupo no es sólo Anselmo, ya sabéis. El otro comandante, en mi opinión, y así lo observo en el DVD, es Kirk, ese calvo barbudo que uno no sabe muy bien si ha salido de El señor de los anillos o, peor aún, de He-Man. Ni idea, pero su guitarra suena a gloria, siempre en el momento adecuado, siempre en el tono adecuado. Relega bastante a Peeper Keenan y a Rex Brown sobre la escena. Todos estos detalles pueden apreciarse en el DVD que acompaña al doble Cd en la edición de lujo (cualquier cosa que venden por más de 20 euros ahora se llama de lujo, en un forma de decirte "sí, ya sabemos que eres de los pocos gilipollas que paga por esto, así que al menos consuélate).

La versión audiovisual ofrece algunas versiones distintas de los temas que aparecen en disco (grabados en el Reino Unido, Alemania, Holanda, Francia, Suecia, Irlanda o Noruega), canciones extra y un semidocumental que muestra imágenes de la banda en su local de ensayo, en sus backstages, etc. Tampoco es el documento del siglo, pero ayuda a comprobar que Down es, sobre todo, una banda cuyo público es muy militante. Se percibe una conexión especial con la banda, una entrega poco usual; eso ayuda a que las audiencias estén muy presentes en todos los temas, y eso a pesar de que algunso recintos no eran especialmente masivos.

Buen disco en directo, cosa difícil de encontrar hoy por hoy. Y paso adelante de Down. Deberían venir pero ya!

Crónica del concierto de Accept en la sala Rock Star Live de Barakaldo

2011-01-23T16:07:00.000+01:00

Delirio al final

Accept + Steelwing
Rock Star Live. Megapark. Barakaldo
22 de enero de 2011
25.50 euros

Si no quisiste ir, lo siento por ti. Lo siento de verdad porque deberías haber estado. Creo que ayer asistí a uno de los mejores conciertos que se han celebrado por aquí en los últimos meses. Accept ofrecieron un auténtico recital de clásicos de su repertorio, y lo hicieron en volandas, porque el público les acompañó constantemente. Hubo una conexión perfecta. Yo soy, ya sabéis, de los que me quejo de la cierta apatía que se extiende poco a poco entre los asistentes a conciertos de Heavy metal, y es algo que no alcanzo a comprender. No es la primera vez que alguien me mira mal por un toque mientras salto o bailo. Generalmente, algún aburrido que se piensa que está en la ópera o en el cine viendo Avatar. Sí, eres un aburrido, no pongas esa cara ahora también.

Ayer fue distinto. Ayer me reencontré con el público auténtico. Y daba gusto. También es cierto que la media de edad era distinta, era más alta. Estaban muchos de los que crecieron en los ’80 con los clásicos del Heavy, y tengo la impresión de que al grupo alguien se lo dijo, porque desgranaron un repertorio absolutamente adecuado para la ocasión. Varió bastante con respecto a otros conciertos de la gira, en los que la verdadera columna vertebral de la noche era el último disco, y cayeron temas que creo que será muy difícil volver a escucharles en vivo. “Losers and winners”, “Son of a bitch”, ”Neon nights”… Eso sí, diré que eché de menos “Blood of the nations”, la que da título a su último disco, y que me parece un gran tema.

No me detendré demasiado en detalles, creo que lo esencial es eso, y además los vídeos hablan por sí solos. El público, de 10. El grupo, muy bien. Muchos veíamos por vez primera a Mark Tornillo, y nos llevamos una grata impresión en general. Nos sorprendió en el disco, y ha logrado subir al carro de Accept a gente joven que nunca se habían fijado en la banda. Sólo por eso merece un reconocimiento. En algunos temas creo que su volumen estaba bajo, pues había detalles que no podía captar, pero quizás fuera mi posición, ya se sabe que la Rock Star no es el auditorio de Viena.

Pero me sorprendió una cosa, no es él el máximo protagonista. Es más, ocupa un lugar que, sin ser un discreto segundo plano, es evidente que no es el de ariete de la banda. Tornillo se aparta de la escena en numerosas ocasiones para dejar paso al verdadero jefe, que es Wolf Hoffmann, con su guitarra y sus solos. Junto a él, Peter Baltes en el bajo también tiene gran protagonismo, sonríe y motiva al público constantemente. Herman Franck sigue siendo muy discreto, sin apenas moverse de su sector, el derecho del escenario, salvo cuando hacen las coreografías a tres o a cuatro.

Escuché alguna que otra crítica a Tornillo. Según algunos asistentes, imita a UDO. No estoy de acuerdo. Su timbre se parece al de UDO, pero la voz de Tornillo es más versátil, afronta nuevos registros, dentro de los esquemas de una banda como Accept, que tampoco es que sea la innovación musical pura y dura. Pero Tornillo hace lo que hacía UDO y algo más. ¿Le falta algo? Claro, el carisma del orondo militarizado. Pero la sala estaba casi llena, y en Barcelona han agotado entradas, y en Madrid otro llenazo. Accept están en forma, colega. Y eso es gracias a Tornillo. Posiblemente, Accept, y quizás Journey también, sean los únicos grupos grandes que han sabido reinventarse con cantantes distintos a los que les llevaron a la cima.

Abrieron con “Teutonic terror”, que empezó un poco en frío, aunque fue ganando poco a poco. “Bucket full of hate” enlazó enseguida, y realmente no sé por qué, ya que en el último hay otros mejores y más adecuados para el directo. Pero la cosa iba a más. Y entonces, poco a poco, nos fueron desvelando cartas que no esperábamos, y una lluvia de clásicos de los ’80 que fueron animando a la gente hasta que fue el público, como decía, el que acabó llevando la batuta. En “Metal heart” la celebración fue total, con todo el mundo coreando el ritmo intermedio, algo parecido ocurrió con “Princess of the dawn” o “Restless and wild”. Disculpad por no haber apuntado el repertorio, y la memoria me falla, porque el concierto no fue conrto precisamente, pero salvo “I’m a rebel”, creo que cayeron todas las que podíais esperar y alguna más. Por supuesto, "Fast as a shark", y el remate macarrísima con "Balls to the wall"

Llevaba varios meses esperándoles, y me han dejado satisfecho. Por los comentarios que había fuera, el resto del público salía como yo. Me alegro de haberles visto, y me alegro de que el Heavy Metal haya recuperado a una banda como Accept. Los jovenzuelos de Linkin Park y elementos de ese estilo debían haber entrado a la sala, para saber cómo hay que comportarse en un concierto de Rock. Si estuviste, gracias a ti también. Estuvo genial. Conciertazo.

Crónica del I Metal tribute Fest, en Laudio, con Feiz no mor, Bacon Maiden, MST y Wantera

2011-01-09T13:02:00.003+01:00

Metalbitacora.com, con el Metal tribute fest

NOTA: Iré añadiendo más vídeos a medida que suban

Gran celebración metalera la que vivimos anoche en Laudio (Araba) en la primera edición de un festival que, visto el resultado, debería tener vocación de permanencia: el I Metal Tribute Fest. Una iniciativa surgida de la base misma de la movida metalera vasca, y que ha contado con la inestimable colaboración de un colectivo de metaleros de Laudio, Laudio Metal, que con mucho trabajo y humildad están empezando a darle un serio meneo a la movida heavy en su zona. Y para ello cuentan con un local envidiable, con capacidad para 500 personas, en una zona de pabellones, en la que nadie, salvo ellos, se quejará de las colillas, del ruido o de las meadas en zonas adyacentes.

Lo primero que debemos reseñar es que las cuatro bandas, Feiz no mor, Bacon Maiden, MST y Wantera, fueron capaces de vender todas las entradas, las 500 entradas disponibles. Lo cual es un enorme éxito en estos tiempos. No hay demasiados grupos, tampoco extranjeros, que sean capaces de meter a tanta gente en salas como Santana o Rock Star, por citar los dos ejemplos más claros del entorno bilbaíno.

Antes de entrar en lo musical, quisiera mencionar también el gran respeto que mostraron los asistentes por la nueva ley que prohíbe el consumo de tabaco en espacios cerrados. Era la primera movida metalera a la que asistía con esta ley, y me sorprendió la respuesta, porque se podría argumentar que el local es privado y demás, pero nada, todos saliendo afuera a dar caladas, lo que cambia notablemente el panorama de un bolo. Hasta el cantante de Wantera dijo echar de menos el humo. Dicho sea de paso, tampoco le hacía falta irritar más su garganta, porque menuda manera de atronar.

Con un gran ambiente previo, por tanto, la nave de Laudio Metal que fue en su día un plató de televisión, salieron a escena los cinco componentes de la banda tributo a Faith no more, bautizados como Feiz no mor. Cinco músicos que apenas llevan unos meses con esta historia, y que son liderados por una chica con una gran voz y una nada tímida puesta en escena. Maira se mueve, grita y sonríe constantemente. Y lo digo porque esto es un detalle clave cuando una cantante se enfrenta a su primer concierto con un grupo, como era su caso.

Lamentablemente empezaron con problemas de sonido, que fueron superándose poco a poco, en concreto a partir de “I’m easy”. Estaban caracterizados como sus ídolos, con camisas blancas y corbatas negras, y gracias al trabajo de Maira, y el guitarrista especialmente, se fueron viniendo arriba. “Digging the grave” y “Epic” fueron algunas otras que sonaron. En muchos asistentes quedó la sensación de que necesitaban un rato más para dejar a todos contentos. Me da que se hablará de ellos en poco tiempo.

Encajaba más con el perfil medio del público la siguiente banda en saltar a escena: Bacon Maiden, grupo gipuzkoano que cuenta en sus filas con Íñigo, guitarrista de Soziedad Alkoholika. Su tributo se fundamenta en la etapa del “Killers”, pero su repertorio llegó más adelante, con guiños como “The number of the beast” o “The trooper”. La gente disfrutó de lo lindo con canciones que muchos seguro que hace tiempo que no oían. Como músicos son excepcionales, y los temas de la primera parte del concierto estaban realmente clavados. El vocalista tenía por momentos un aire a lo Paul Di’Anno que contribuyó a que muchos estribillos fueran coreados por todos. Muy bien Bacon Maiden. “The ides of march”, “Wrathchild”, “Murders in the rue Morgue”, “Another life”, “Innocent exile”, “Killers” o “Twilight zone” estuvieron en el repertorio.

Muchos de los 500 asistentes portaban camisetas de MST, el tributo bilbaíno a UFO y Michael Schenker, del que ya he escrito otras veces. Un grupo joven pero experimentado con una innegable calidad musical, que queda patente en la atención con la que el público seguía los movimientos más complejos de las canciones del célebre guitarrista. Volví a constatar un hecho: entre el común de la comunidad metalera hay algunos clásicos todavía muy desconocidos, y UFO y MSG son dos de ellos. El público no siguió a MST con la misma devoción que a Bacon Maiden, simplemente, porque no se conocían los temas en general. Pero los solos de guitarra y el alto nivel vocal e instrumental contribuyeron a que, entre canción y canción, las ovaciones fueran a más.

MST, satisfechos!

MST son una garantía, y caldeaban el local con aquellas canciones más reconocibles, especialmente “Doctor, doctor” y “Rock bottom”, en la que los plomos saltaron y nos quedamos sin luz y audio durante algunos segundos. Algo que se repitió más adelante, con Wantera. Por cierto, cabe señalar también la presencia a la guitarra de Miguel, de Positiva, ante la inminente paternidad del titular, Iurgi, a quien le deseamos, por supuesto, todo lo mejor.

Hasta entonces, el público tenía razones para mostrarse satisfecho. 8 euros por ver a varias bandas de gran nivel, rememorando clásicos del Hard Rock y el Heavy Metal, y en compañía de buena parte de la comunidad metalera vizcaína. Los precios de la bebida eran muy asequibles, había merchandising, un local acogedor con un escenario que ya quisieran para sí muchas bandas profesionales por su tamaño, así sólo faltaba el remate. También desde Gipuzkoa venían Wantera, y tributar a Pantera no parece fácil.

Xarles, de Euskal Metalheads, pinchando Europe y Bon Jovi entre grupo y grupo

La salida fue, lógicamente, en tromba con un cantante absolutamente desatado con un chorro de voz poderoso que nos empujó un poco más hacia las primeras filas. Siguiendo la tónica de la noche, unos buenos músicos ofrecían riffs clásicos, y aquello se caldeó a tope. “This love”, “I’m broken”, “Mouth for war”, “5 minutes alone”, “Becoming”, “Walk”… El chaparrón sonoro no tenía descanso y la gente agradecía con gritos y aplausos unos temas muy trabajados. Si a cualquier guitarrista se le pueden ver las carencias a la hora de interpretar solos de Schenker, y esa noche no habíamos visto apenas carencias, imitar a Dimebag Darrel y a Phil Anselmo no es tarea fácil. Y no creo que la emoción del momento me nublara la vista y el oído, aquellas eran unas señoras versiones.

Faltaba la guinda, que se puso al final, con un bis de “Walk” en el que participaron Javi (ex S.A., ahora en Clockwork) a la guitarra, Andoni (MST) al bajo y Rown Howland (Infernoise, Clockwork) junto con Wantera, y gracias a ellos el desparrame, con asistentes tomando el escenario y pogos por doquier.

Algunos son amigos, pero a la mayoría le descubría esa noche, y puedo certificar que comparto con la inmensa mayoría de asistentes (y organizadores, me consta) una enorme satisfacción por el resultado final de este primer Metal tribute Fest. Desde la raíz del Heavy Metal ha crecido una iniciativa absolutamente popular, en la que pesa cualquier cosa excepto el lucro. Esencialmente, aquí pesa la pasión por la música. Ambiente inmejorable, indiscutible calidad musical y mucha celebración metalera. Si te lo perdiste, vete pensando en acudir al próximo. Porque debería haber próximo.

El ganador de la guitarra que se sorteó, por cortesía de Rockin Guitars

Repertorio de MST

Metal Tribute Fest I: ha llegado el día

2011-01-08T10:53:00.000+01:00

Esta noche se celebrará una de las iniciativas más atractivas de todo lo que surgido desde la base metalera en Euskadi en muchos meses, el I Metal tribute Fest, en el que se van a juntar varias bandas tributo de gran calidad, varias de ellas integradas por músicos de amplia experiencia y trayectoria en grupos de diversos estilos. Las bandas homenajeadas son UFO y MSG por los bilbaínos MST, Iron Maiden por Bacon Maiden, Faith no more por Feiz no mor y Pantera por Wantera.

De algún grupo ya hemos escrito en Metalbitacora, como es el caso de MST, y no podemos hacer otra cosa que no sea recomendaros la asistencia a esta gran noche que se celebrará en la localidad de Laudio, con la inestimable colaboración del colectivo Laudio Metal.

El empeño que ha puesto esta gente durante los últimos tres meses en que todo salga redondo es digno de admiración, y con su trabajo han logrado inundar de carteles varias localidades y que muchos medios impresos y radiofónicos, tanto generalistas como especializados, se haya hecho eco de la iniciativa.

Los músicos que actúan han pasado por muchos grupos, como decía, algunos muy importantes como Soziedad Alkoholika, Anestesia, Bad taste o Phthisis. Varias empresas y negocios han querido aportar su granito de arena al desarrollo de esta fiesta de conmemoración y homenaje metalero, y entre los asistentes se sorteará una Dean Flying acoustic guitar cedida por Rocking guitars.

Las puertas se abren hacia las 19:30, y nadie sabe muy bien cómo acabará todo. 8 euros cuesta la entrada anticipada, y 10 en taquilla, lo que es un regalo a estas alturas de la película, y más sabiendo que lo vamos a flipar con clásicos como "Walk", "Doctor, doctor", "Midlife crisis" o "Phantom of the opera". Se nos anuncian también sorpresas para el tramo final...

Os dejo unas muestras de lo que puede hacer esta gente. Nos vemos allí!

Cambio entradas para Bon Jovi

2011-01-03T20:56:00.002+01:00

Hola amigos/as,

cambio dos entradas de gold circle de Bon Jovi en Barcelona 2011 por dos iguales para San Sebastián, están agotadas las de esta zona en ambas ciudades y prefiero Donosti. ¿Hay alguien ahí?

galizanosa@telefonica.net

Vídeo profesional del concierto de Motorhead en San Sebastián

2010-12-17T08:27:00.000+01:00

De EiTB.com

Children of Bodom son un grupazo

2010-12-15T03:43:00.000+01:00

Este es el trailer del primer clip de su próximo disco. Se titula "Was it worth?" y, aunque son sólo unos segundos, la sangre empieza a caldearse con las primeras notas.

Esta es la portada de "Relentless reckless forever", que podremos escuchar a partir del 8 de marzo, y que incluirá, como suele ser habitual en Children of Bodom, una versión curiosa, la de "Party all the time" de Eddie Murphy

En mayo habrá que verles en directo

Día 6 de Mayo - Sala La Riviera - MADRID

Día 7 de Mayo - Sala Razzmatazz - BARCELONA

Día 8 de Mayo Sala Rockstar Live - BARAKALDO

El verano de 2011...

2010-12-14T13:27:00.000+01:00

Los rumores se disparan. Tras un verano de 2010 más bien flojo en la Península porque las grandes giras pasaron de largo (Big Four, Iron Maiden al frente de Sonisphere, AC/DC en Donington...), los promotores ya están gastando oreja al teléfono para intentar traer por aquí a los grupos que estarán actuando por Europa entre junio y agosto. Aún no está claro qué festivales se harán, y si será posible recuperar algunos que han quedado en stand by, como el caso del Kobetasonik, pero posibilidades no faltan. Esto es lo que se cuece:

- Foo Fighters volverán, por fin, a Europa, retomando su actividad. Pegarían muy bien en el BBK Live Festival.

- Slipknot nos han dado una alegría, confirmando que a pesar de la muerte de Paul Gray, seguirán con su actividad. Y nada mejor que hacerse unos festivales europeos para reencontrarse con los fans. Ya están en varios carteles. En el Sonisphere barcelonés de 2009 lo dieron todo.

- Una de las alegrías del día nos la han dado los del Big Four, al confirmar que liderarán el Sonisphere británico. Y si van al británico, pueden ir a otros Sonispheres, no?

- Pero resulta que habrá pulso, como hubo el año pasado. Big Four en unos festivales, Iron Maiden en otros. Los Maiden acaban de anunciar en su web que estarán liderando el Sonisphere polaco el 10 de junio. Hay más fechas.

- Otra gira que se presenta como apasionante es la de System of a Down, que van a pasar cerquita, por París o por Austria en otro festivalazo.

- Hay otras bandas que pueden reventar en las ventas de tickets: Judas Priest en su despedida, Helloween presentando su híper heavy nuevo disco, Ozzy Osbourne, Journey...

Hay para hacer varios festis, no? Queremos saber!!

El Big Four a Europa en 2011!

2010-12-14T10:36:00.000+01:00

Ya hay esperanza para quienes no pudimos ver la gira del Big Four durante el verano pasado. Al menos en el Reino Unido, lo que alimenta la esperanza de que sea también en otros países, se retomará la gira conjunta de Anthrax, Slayer, Megadeth y Metallica. El Sonisphere ya ha confirmado la gira... Caliente, caliente...

2010-11-21T14:55:00.000+01:00

Ángelus Apátrida + A.D.

Bilbao, 20 de noviembre de 2010

Precio: 10 euros (15 en taquilla)

Se nota cuando un grupo quiere comerse el mundo. Las bandas con hambre y ambición tienen un algo que se desprende desde el primer momento. Ángelus Apatrida son un gran ejemplo de esto que digo, y además tienen razones. Su Thrash Metal clásico se ha subido a la ola buena, con la ayuda de discográfica Century Media y con una gira europea que les ha consagrado tras una década de trabajo y tres discos. El contexto general para el género es muy propicio, con bandas como Gamma Bomb, Municipal Waste, Evile y otros, y los clásicos que perviven desde hace dos décadas o más están volviendo con excelentes discos, como Overkill o Slayer, así que la apuesta de Angelus es buena.

Con su último “Clockwork” (9 de 10 según Metalbitacora) confirman su gran momento y han dado el salto definitivo al gran público metalero, obteniendo el favor del público y la crítica. La prueba es que algunas revistas que han vivido de espaldas al Thrash y, en general, a cualquier grupo español que no sean Mago de Oz o Los Suaves, han tenido que rendirse a la evidencia y dedicarles una portada.

Tras haberles visto en directo, me atrevo a decir, con el riesgo que tienen siempre estas afirmaciones, que Angelus son ya la banda de Thrash más potente y con más talento desde los míticos Legion, que dinamitaron la escena allá por los ’90. Creo que este cuarteto de Albacete es apabullante, con juventud, talento y fuerza. Nos hicieron disfrutar de lo lindo, y desde quienes no les habían escuchado nunca, hasta quienes ya les seguimos con convicción, salimos todos contentos.

La intro del nuevo disco, “The Manhattan project” dio la bienvenida a los músicos en la sala pequeña (demasiado pequeña para un concierto) en la Sala Santana 27, y saltaron directamente a “Blast off”, el primer sencillo de “Clockwork” cuyo vídeo-clip está sumando descargas día a día en Internet. El movimiento se inició sin calentamiento. Había ganas entre el público, sobre todo en las primeras filas, y eso se notó, porque aunque desde las escena reclamaron el primer círculo de la noche, no hizo falta, ya se organizaba solo. “Of men and tyrants” continuó elevando la temperatura, algo que no decayó en toda la noche.

Me sorprendió que la mayor parte del público conocía relativamente bien los temas del último disco, y se conocían a la perfección los temas más populares de los dos primeros trabajos. “Corruption” fue aclamado tras haber sido dedicado a los políticos a quienes les gusta meter la mano en la caja, “Fuck you”, título típicamente thrasher también generó movimiento, y quizás el que mejor recepción tuvo, “Give’ em war” demostró que los Angelus tienen ya una trayectoria sólida. Por cierto, en este último se montó un divertido wall of death.

Pero la columna vertebral del repertorio fue “Clockwork”, del que auguro que quedarán también un buen puñado de temas referenciales. Entre ellos, sin duda, la versión de Iron Maiden de “Be quick or be dead”, una canción que se adapta perfectamente a los parámetros del Thrash por su rapidez. En mi entorno, abundaron los comentarios que señalan el parecido de AA con Testament, cosa que yo no acabo de ver clara. Es evidente que al ceñirse al Thrash más clásico, Angelus tienen elementos de todas las bandas referenciales, pero no me parece que se parezcan demasiado a una en concreto. Yo veo momentos en los que la voz suena a Mustaine, bases semejantes a Testament, y hasta puntos de Kreator en los pasajes más rápidos.

Vamos, rapidez y furia acompañadas de gran calidad. El manejo de los instrumentos ayuda a enganchar a la audiencia, pues la base rítmica en muy sólida, y los solos de guitarra están trabajados. No observé ningún error notable de ejecución, y se nota que la gira internacional que han tenido les ha dado un cuajo interesante, que se nota en el contacto con el público y en el manejo de los tiempos del directo. Ni van muy rápido tema tras tema ni muy despacio perdiéndose en discursos. Sólo los justos, como cuando se cagaron en el Papa y en Rouco Varela, o cuando cargaron contra los políticos, o el último alegato a favor del Thrash Metal.

Son una gran banda, tienen un futuro muy prometedor y un presente que me obliga a recomendaros a este excelente grupo, porque no sobra el talento en el panorama actual. Gran noche de Metal en Bilbao que, por cierto, estuvo caldeada por A.D. como teloneros, un grupo vizcaíno de Death Metal al estilo Obituary, de corte lento cuyo mayor atractivo está en el contraste de las melodías musicales con la voz gutural y salvaje de un corpulento vocalista. La factura nos resultó muy atractiva y, si entendí bien, están a punto de grabar su primer disco. Habrá que seguirles la pista.

Crítica de "Clockwork" de Angelus Apatrida 9/10

2010-11-04T17:29:00.000+01:00

Da gusto reencontrarse con el Metal más feroz descubriendo a una nueva banda. No es que Angelus Apatrida sean nuevos en el negocio, que para nada, sus kilómetros llevan encima estos manchegos, sólo que, como he confesado otras veces, es ahora cuando me he parado a prestarles la debida atención. Su nuevo trabajo “Clockwork”, que hace el tercero en apenas cuatro años, es un verdadero puñetazo en los morros, que combina furia y calidad a partes iguales, haciendo de la banda el mejor exponente del Thrash Metal peninsular.

A estas alturas todos habréis oído hablar de ellos, pues han logrado ya algunas portadas en medios especializados que sólo suelen dedicar tal honor a Mago de Oz y, si hay algún acontecimiento excepcional, a Los Suaves y Barón Rojo. En poco tiempo pueden alcanzar una relevancia internacional semejante a la que tienen, por ejemplo, Hamlet que llevan más tiempo girando por otros países, aunque también es cierto que Angelus cantan en inglés, y eso les abrirá más puertas. Su nuevo trabajo lo edita Century Media, todo un referente del Metal mundial, y han tocado, gracias a su proyección, con bandas como Arch Enemy o Warbringer, y actualmente se encuentran recorriendo España en una gira que les está reportando aún más fama y, sobre todo, comentarios muy buenos.

¿Qué encontramos en “Clockwork”? Realmente es un disco de Thrash, pero el concepto se me queda estrecho para definir las sonoridades que ofrecen Guillermo Izquierdo, David G. Álvarez, Víctor Valera y José J. Izquierdo. Eminentemente es Thrash, sí, pero hay muchos más ingredientes aquí, desde un Heavy Metal clásico en algunos pasajes (no parece casualidad que cierren el disco con una versión del “Be quick or be dead”), hasta cambios de ritmo inclasificables. Ellos mismos se autodefinen como herederos de la escena clásica de la Bay Area, y no les llevaré la contraria yo, porque aprecio muchas influencias de Mustaine en la voz (¿No parece que canta él en “National disgrace”, por ejemplo?) y también inspiraciones de Dave Lombardo y toda la artillería de los Slayer más cañeros.

El Cd se compone de 13 temas que se pasan volando, pues en ningún momento caen en la repetición. El Thrash es un estilo muy poco tendente a la creatividad, de manera que hay discos que enseguida se hacen largos no por duración, sino por pura repetición de esquemas en un tema tras otro. Creo, por tanto, que la gran riqueza de este “Clockwork” es la variedad.

En el resultado final es clave la producción (esa cosa de la que hablan todas las revistas y que casi nadie sabe muy qué es). Daniel Cardoso quizás podía haberlo hecho mejor, pero no se me ocurre muy bien cómo. El sonido es limpio, directo, sin sobresaltos, sin instrumentos que se superpongan: las guitarras están donde y como deben, y la base rítmica exactamente igual. Por último, al cantante se le entiende, cosa que no ocurre en todos los discos del estilo. Atención a este chico, que tiene apenas 29 años, y además de ser músico ha producido decenas de álbumes.

Desmenuzando las piezas, diré que “Clockwork” se abre con una intro precisamente de reloj que da paso a unas guitarras que ya amenazan tormenta. Enseguida se presenta el cortante riff de “Blast off”, y con él el primer alarido de guerra de Guillermo Izquierdo. El tema es rápido, cubierto por una fantástica batería, y el aroma está a medio entre Megadeth y los Kreator más inspirados. Los decibelios siguen bien altos con “Of men and tyrants”, donde la rapidez es lo más notable, junto con una voz llevada al límite.

Sin embargo, ya en la que da título al disco se aprecia una mayor variedad, con más cambios de ritmo aunque sin dejar en ningún momento la furia, especialmente en la parte central del solo, que es pura esencia thrasher. La variedad queda más clara en temas como “The misanthropist” o “One side one war”, cuya columna vertebral es puro Heavy Metal llevado al extremo, y que, en mi humilde opinión, conforman dos de las mejores piezas del trabajo.

Un trabajo que se corona, como decía, con una lograda versión del “Be quick or be dead” de Iron Maiden, una canción muy thrasheable, por otra parte. Creo que estamos ante un trabajo clave para entender el devenir musical de este país en los próximos años, porque Angelus Apatrida se sitúan con él en el pódium de las mejores bandas. Su salto internacional a gran escala confirma que quien les ha escuchado ha descubierto algo en ellos, y ya sólo me falta comprobar que en directo son igual de buenos que en disco.

No es sólo para fans del género, “Clockwork” es un gran disco digno de ser probado por cualquier paladar metalero que se precie. Por una vez hemos de felicitarnos ante el hecho de que una banda española con las ideas claras (y buenas) y con talento sea descubierta antes de que se disuelva. Aprovechen la oportunidad, no ocurre casi nunca.

Crítica de "The final frontier" de Iron Maiden 6/10

2010-11-02T19:34:00.000+01:00

¿Qué valor tiene hacer la crítica de un disco que salió a mediados de agosto y que todo el mundo ha escuchado? ¿Qué puedo aportar que no hayan aportado otros? Sinceramente, no mucho, pero si me decido a hacerlo es porque creo que en su momento hubo una carrera entre bloggers, periodistas y críticos varios por ver quién comentaba el disco más y más ampliamente, sin reparar en que este trabajo es muy difícil. O, dicho de otro modo, no es disco sencillo de escuchar, tiene tal cantidad de ritmos y matices que con cuatro o cinco veces que lo escuches es imposible de valorar.

El referentes más cercano y parecido, que es "A matter of life and death", es también largo, farragoso por momentos y complejo, pero cada vez que lo oigo aún aprecio elementos novedosos, algunos de ellos muy importantes, muy interesantes y que no encontré las primeras veces que me lo llevé a las orejas. También sé que este disco ha sido número 1 en más de veinte países, y que eso podría ser indicativo de calidad. Entonces, ¿Qué me parece? ¿Bueno, malo, mejor que en anterior, peor? Haré unas cuantas constataciones.

1. Creo que Iron Maiden son una banda extremadamente viva, con agallas o como se llame eso, audaz y, sobre todo, libre. Sólo así se puede entender que, con lo sencillo que sería repetir los patrones que les han llevado hasta lo más alto del Olimpo metalero, estén marcándose discos largos y poco agradecidos.

2. Este primer punto tiene una contrapartida negativa: cada año que pasa hay mayor desajuste entre lo que Maiden ofrecen y lo que sus fans demandan. Se puede abrir una sima, porque este no es el disco que queríamos. Tampoco lo fue "No prayer for the dying" o algún otro, que no pretendo decir que estemos ante el primer disco no demandado por los seguidores, pero sí constato que van, al menos, en una dirección que no es la que los seguidores clásicos queremos. "Dance of death", "A matter of life and death" y "The final frontier" suponen una trilogía cuyas partes no están en ninguna lista de los 10 favoritos de nadie que aprecie a Maiden.

Dicho esto, concluyo que han hecho el disco que querían, lo cual puede ser positivo por la fe que tienen en su música. Pero muchos queremos otra cosa, con más carácter, con mayor identidad clásica, más rápido, más cañero. Más Maiden, en definitiva.

Sobre el contenido, como decía, se ha escrito mucho. Los temas son largos, con intros lentas y largas que, por mucho que me cuenten, no tienen ningún sentido musical más allá de dar respiros al grupos cuando los interpreten en directo. Porque yo creo que lo que subyace es eso, que por razones de edad evidentes no pueden aguantar la interpretación de temas directos durante más de dos horas sin perder nivel. Ojalá me equivoque y el próximo disco me desengañe.

"The final frontier" se abre con una intro larga, de más de cuatro minutos y medio, que tampoco tiene una lógica o un sentido en el conjunto. Simplemente hay que saltársela. Enlazada viene una de las mejores piezas del disco, la que le da título. Un tema directo, con estribillo memorable para abrir conciertos, para corear. ¿Destacaría en otros discos que tengan un tgono más elevado? Creo que sí, una cosa no quita a la otra. Gran trabajo vocal de Bruce Dickinson, que suena directo y limpio, a diferencia de otros temas en los que le veo forzando innecesariamente. Las guitarras tienen ese magnetismo maideniano tan delicioso, con dos solos superpuestos muy clásicos.

The Final Frontier - Director's Cut

Iron Maiden

Myspace Music Videos
"El Dorado" quiere mantener el ritmo elevado, pero no lo consigue. Es un tema heavy de segunda fila, que comienza a cabalgar a lomos del bajo de Steve Harris, pero que se va desinflando a partir del puente para llegar a un estribillo que en nada se puede comparar a otras canciones clásicas del grupo. Se deja escuchar, pero sabe a poco, a pesar de que el solo le da de nuevo vivacidad a la canción.

A partir de este inicio más contundente, el disco se va diluyendo por derroteros que yo, sinceramente, no he sabido apreciar, pero no por no haberlos buscado, sino porque no me hacen vibrar. Es así de simple. El Heavy Metal es así, lo vives o no lo vives. Y las canciones que vienen en adelante son prescindibles si no fuera por el contexto histórico en el que se mueve un gran grupo como Iron Maiden.

"Mother of mercy" empieza con esa introducción lenta, con guitarra, bajo y voz, para llegar a un crescendo (tras minuto y medio) interesante, pero que parece ir a cámara lenta si se compara con muchas de las canciones de "Brave new world" (para que veais que no siempre me remonto a los discos de los '80). Veo a Dickinson forzado, como pudiendo dar más de su garganta, como si el subconsciente le pidiera unos kilómetros más de velocidad guitarrera. La siguiente, "Coming home", tercer single, es muy parecida, tanto que han decidido ahorrarse la intro lenta para disimular, aunque los interludios son baladísticos, con lo cual me ha costado diferenciarla de su antecesora y hacerme con el título. No descalifico lo que es una buena canción, sólo que me vuelve a saber a poco.

"The alchemist" intenta hacer vibrar de nuevo con su rapidez. Es una canción directa, la más corta de todo el disco (una anécdota comparada con otras), de 4:29. Si me preguntáis una virtud de ella, qué destacaría, no sabría que deciros. Un riff tímido, por decirlo de alguna manera, abre fuego junto a una batería rápida hasta que entra Bruce con un tono medio-bajo que me remonta a "Dance of death", con lo que ello supone. El puente hacia el estribillo es lo más interesante, pero vuelvo a notar carencias. Vuelvo a constatar que son capaces de más. De mucho más.

Cuando decía que ha habido gente que se apresuró a escribir sobre este disco lo digo porque muchos críticos bautizaron a "Isle of Avalon" como uno de los mejores del trabajo. No estoy de acuerdo. Me parece un tema plomizo, con muy pocas partes salvables. Considero que ha habido un intento por entrar en nuevas texturas sonoras pero no han acertado. Veo unas notas de influencia asiática muy poco exprimidas. "Sólo" son 9 minutos de canción, aunque sí salvo algunos pasajes intermedios que me parecen muy interesantes musicalmente. Aún así, por duración, propuesta y desarrollo me parece la canción más floja del disco.

No así "Starblind", que siendo otra pieza larga, de casi ocho minutos sí muestra una inspiración, con muy buen despliegue vocal de Bruce y unos cambios de ritmo que hacen de la canción un momento muy interesante. Exactamente igual que lo que sucede con "The talisman", que va del ritmo terpidante que marca Harris a las paradinhas guitarreras en las que los tres hachas se turnan para mostrar su catálogo creativo. Son dos canciones que suben bastante la media del disco.

La recta final tiene los dos temas más largos, con 8 y 11 minutos cada uno. "The man who would be king" no está mal, pero convierte a "The final frontier" en un disco repetitivo tanta canción larga con el mismo patrón: intro lenta - crescendo - puente - estribillo - solo y a la inversa repetición del proceso. ¿Son malas canciones? No, en general, pero se echa de menos que se rompa el ritmo, que haya contundencia cuando parece que va a haberla. Encuentro demasiados "riffs interruptus", demasiado amago. Y eso no es bueno en un disco de Iron Maiden.

Eso sí, la canción final es una verdadera joya. Para mí el clásico del disco. 11 minutos de gloria metalera maideniana. ¿Causalidad? No, no debe de ser casualidad que el compositor haya sido Steve Harris en solitario. Lo siento por los demás, pero es así. "Where the wild wind blows" es un auténtico muestrario de lo que este grupo es capaz de hacer cuando se lo propone. Es cierto que el esquema repetitivo de todas las canciones se vuelve a dar aquí, pero hay una diferencia abismal, la composición está basada en la trayectoria clásica del grupo, y puedo asegurar que los 11 minutos no se hacen para nada largos.

Un sonido de viento invernal abre una pieza que puede resultar en directo tan emocionante como "Hallowed be thy name". Unas guitarras lentas, con el bajo del jefe dirigiendo la operación, le dejan paso a un Dickinson que abre su garganta en canal para trasladarnos a los mejores momentos de su carrera. Su ritmo monta la melodía musical con un dominio insultante. El tema avanza y sabes que va a explotar, que viene... Y llega más de dos minutos después, sin una velocidad vertigonosa porque no hace falta. Las guitarras suenan heavies, y Nicko cubre las espaldas de sus compañeros sin alharacas, tan efectivo como siempre.

El primer round de estrofas narradas casi más que cantadas los músicos paran. Se dan un respiro y dan paso a la creatividad, siempre con Bruce mandando. La inspiración de Harris, del gran jefe de este negocio, de ese cerebro siempre alerta, da el visto bueno a una sucesión de solos cortos cuando la canción se nos escapa de las manos. Hemos pasado el ecuador y uno sigue boquiabierto. Acaban los solos y vienen de nuevo, desafiantes, Harris y Dickinson para recordarnos que en el corazón aún tienen ese poso maideniano único, capaz de estremecer. De repente, todo pasa y vuelve el viento para que se acabe. Y yo pregunto, ¿Por qué no lo hacéis más a menudo? Sólo deseo que descarguen esta brillante canción y que me estremezca tanto como ahora que la vuelvo a tener de fondo.

¿Es un mal disco? No creo que se pueda plantear en estos términos, sólo sé que no era lo que esperábamos ni lo que queríamos y, realmente, no sé si culpar a Bruce, a Harris o a los demás, pero pueden, y deben antes de retirarse hacer otra cosa, satisfacernos. "Brave new world" se acercó mucho a eso, pero desde entonces han pasado muchos años.

Lo nuevo de Helloween

2010-10-11T14:29:00.000+02:00

Hace unos minutos se ha estrenado en Internet el nuevo vídeo de Helloween. Se llama "Are you metal?" y supone un giro importante en la trayectoria del grupo. El tema es de lo más duro que han compuesto los teutones. Comienza con unos teclados que pueden recordar a "If I could fly", que luego se quedan incrustados durante todo el tema, pero en cuanto estallan las guitarras y la base rítmica nos damos cuenta de que el nivel de dureza sónica es muy superior a todo lo hecho hasta ahora.

El estribillo nos muestra a Andy Deris forzando su voz al máximo, y el puente previo tiene tintes góticos por los teclados y los coros. El solo de guitarra es rapidísimo, casi explosivo.

Creo que os va a sorprender. A mí, al menos lo ha hecho. Se confirma, afortunadamente, que el último disco fue un mero pasatiempo en el que se regrabaron sus clásicos en versiones Pop o Soul. En este adelanto del nuevo trabajo claman preguntando si eres Metal, Heavy Metal. Estas son mis primeras impresiones, a ver qué os parece a vosotro.

Portada del nuevo disco de Helloween, "7 Sinners"

"7 Sinners" sale a la venta el 29 de octubre.

ARE YOU METAL? - exclusive myspace premiere

Helloween

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Los 50 mejores solos de guitarra, según Gibson guitars

2010-09-30T18:08:00.000+02:00

Es una de esas listas estúpidas que mezclan obviedad, lógica y subjetividad a raudales pero, no sé por qué, siempre las miramos. Esta me merecía respeto porque ha sido elaborada por periodistas, críticos y colaboradores de Gibson guitars, donde algo saben de guitarras y, por tanto, de solos. Pero... Es que faltan tantos y tan bellos solos. Yo tengo varias preguntas: ¿Por qué siempre tiene que estar de primera "Stairway to heaven"? Sin pecar de talibanismo metalero, ¿No merecen un sitio entre los 50 primeros Judas Priest, Iron Maiden o Dimebag Darrell? ¿Ritchie Blackmore tan abajo en la lista?

Es cierto que están casi todos los demás: Hendrix, Pink Floyd, Brian May (¿Y este es de los 50 mejores?), Vaughan, Markitos Knopfler, Blackmore, etc. Pero también lo es que estas cosas levantan ampollas y la dirección de la web de Gibson ha tenido que hacer un añadido ofreciendo explicaciones e integrando algunos solos más en la lista, profundizando en el error.

01. Stairway To Heaven” – Jimmy Page (LED ZEPPELIN)

02. Eruption” – Eddie Van Halen (VAN HALEN)

03. All Along The Watchtower” – Jimi Hendrix (THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE)

04. Hotel California” – Don Felder and Joe Walsh (THE EAGLES)

05. Comfortably Numb” – David Gilmour (PINK FLOYD)

06. Free Bird” – Gary Rossington and Allen Collins (LYNYRD SKYNYRD)

07. Layla” – Eric Clapton and Duane Allman (DEREK & THE DOMINOS)

08. While My Guitar Gently Weeps” – Eric Clapton (THE BEATLES)

09. Johnny B. Goode” – Chuck Berry

10. Bohemian Rhapsody” – Brian May (QUEEN)

11. Crazy Train” – Randy Rhoads (OZZY OSBOURNE)

12. ‘Cause We’ve Ended As Lovers” – Jeff Beck

13. Sweet Child O’ Mine” – Slash (GUNS N’ ROSES)

14. Hot For Teacher” – Eddie Van Halen (VAN HALEN)

15. Since I’ve Been Loving You” – Jimmy Page (LED ZEPPELIN)

16. November Rain” – Slash (GUNS N’ ROSES)

17. Mr. Crowley” – Randy Rhoads (OZZY OSBOURNE)

18. Whole Lotta Rosie” – Angus Young (AC/DC)

19. Like A Hurricane” – Neil Young

20. Sultans Of Swing” – Mark Knopfler (DIRE STRAITS)

21. Texas Flood” – Stevie Ray Vaughan (STEVIE RAY VAUGHAN & DOUBLE TROUBLE)

22. One” – Kirk Hammett (METALLICA)

23. Cortez The Killer” – Neil Young

24. Rock Around the Clock” – Danny Cedrone (BILL HALEY & THE COMETS)

25. Sweet Jane – Live” – Steve Hunter and Dick Wagner (LOU REED)

26. Purple Rain” – Prince (PRINCE & THE REVOLUTION)

27. Heartbreaker” – Jimmy Page (LED ZEPPELIN)

28. Jessica” – Dickey Betts (THE ALLMAN BROTHERS BAND)

29. Machine Gun” – Jimi Hendrix

30. Crossroads” – Eric Clapton (CREAM)

31. Time” – David Gilmour (PINK FLOYD)

32. Are You Experienced?” – Jimi Hendrix (THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE)

33. Race With the Devil” – Cliff Gallup (GENE VINCENT)

34. Don’t Believe A Word” – Brian Robertson (THIN LIZZY)

35. Purple Haze” – Jimi Hendrix (THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE)

36. Besame Mucho” – Wes Montgomery

37. Sympathy For The Devil” – Keith Richards (THE ROLLING STONES)

38. Blue Sky” – Duane Allman and Dickey Betts (THE ALLMAN BROTHERS BAND)

39. My Sharona” – Berton Averre (THE KNACK)

40. Marquee Moon” – Tom Verlaine (TELEVISION)

41. Hitch A Ride” – Tom Scholz (BOSTON)

42. The End” – Paul McCartney, John Lennon, and George Harrison (THE BEATLES)

43. Whole Lotta Love” – Jimmy Page (LED ZEPPELIN)

44. Train Kept A-Rollin’ – Live” – Joe Perry (AEROSMITH)

45. Highway Star” – Ritchie Blackmore (DEEP PURPLE)

46. Dirt” – Ron Asheton (THE STOOGES)

47. Off The Handle” – Rory Gallagher

48. The Great Curve” – Adrian Belew (THE TALKING HEADS)

49. The Messiah Will Come Again” – Roy Buchanan

50. Beat It” – Eddie Van Halen (MICHAEL JACKSON)

Crítica de "Diamonds" de Enforcer 8'5/10

2010-09-26T20:38:00.000+02:00

Portada de este segundo disco de los suecos, "Diamonds"

¿Queréis experimentar una sensación semejante a escuchar el “Killers” de Iron maiden en versión actualizada 2010? Pues Enforcer pueden ser lo más parecido al espíritu de la NWOBHM en nuestros días. Este quinteto proveniente de Suecia (¿De dónde si no?) le echan el arrojo que le falta a multitud de bandas acomplejadas por la presunta necesidad de sonar modernas, bermudistas y chandalistas, y se armas de cinturones de balas, tachuelas, pantalones pitillo y J’Haybers para acompañar a sus temas rápidos, repletos de riffs inspirados por Adrian Smith y letras macarras.

Nadie suena hoy en día como Enforcer, y ellos suenan como muchos de hace veinte años. Es curioso, Black Crowes o The Answer han sido o están siendo entronizados por revivir el sonido de grupos míticos como Led Zeppelin, y Enforcer empiezan a hacerse un hueco en el panorama gracias a homenajear a los más grandes. No tengo nada contra los revivals, todo lo contrario. La secuencia final de la película American history X tiene una frase muy cierta: “Siempre hay alguien que lo ha hecho mejor que tú, y si no puedes superarlo, róbaselo y aprovéchate”. No hay nada de malo en ello.

A decir verdad, su música es un compendio de la New Wave y de ciertos toques Glam-metaleros capturados de bandas como Motley Crue, especialmente en las voces y en los coros, pero la regla general es la de un Heavy clásico con un sonido adaptado a nuestros días. El primer riff que suena al poner el Cd me retrotrae a los Maiden una y otra vez, pero el ritmo vertiginoso que va cogiendo “Midnight vice” luego transmite juventud, ganas y fuerza.

Enforcer están logrando gran visibilidad con este segundo trabajo. La revista Terrorizer les ha dedicado su portada, y están actuando en muchos países

El disco no llega a los 40 minutos, es decir, lo opuesto al purismo que defienden otras variedades del Metal hoy en día. En mi opinión, es una gozada sonora, y un desafío a los “modernos”. En otro nivel, pero se me ocurre que sería como formar una banda en España que siguiera, hoy en día, los patrones de Sangre Azul. Lo siento, pero el Heavy no pasa de moda. En el segundo tema estoy convencido de que os habréis subido al carro de Enforcer sin remisión. “Roll the dice”, con su velocidad, con su batería afinada como antaño y las guitarras dobladas previas al solo ya nos indican que estos chicos tienen algo.

Todos trabajan a una, y se observa en la composición, en la que todos están implicados. "Katana" es un ejemplo de que, cuando quieren, pueden elaborar temas menos vertiginosos, más elaborados y centrados en la melodía. De hecho, el título del disco proviene del único tema instrumental del Cd, cuyo inicio me parece un homenaje absolutamente memorable a los míticos Running Wild (quien no se deje llevar por el air guitar en esta no está vivo!).

Aunque, sinceramente, a mí cuando me parece que alcanzan el techo es en los pasajes energéticos como "Live for the night" o "High roller". Otra vez guitarras y coros destacan en un conjunto que demuestra que aún hay guitarristas que tienen sangre en las venas.

Sólo me falta saber si estos chicos desprenden tanta energía en directo como en el disco, y yo me imagino que sí, porque de lo contrario estaríamos ante una contradicción flagrante. El torrente heavy de Enforcer ha de tener una gran presencia en escena, aunque me imagino que tardaremos tiempo en saberlo, porque los promotores de por aquí se suelen enterar más bien tarde de lo que se cuece (Sabaton no pasarán por España en su gira, justo en el mejor momento de su carrera!).

Sólo me queda recomendaros este gran disco por varios motivos, y sin ánimo de repetirme: hacen un heavy auténtico, como el de hace casi tres décadas; no son mancos, pero no se pierden en detalles accesorios. El Heavy es una música energética, y ellos desarrollan ese ABC sin complejos: rapidez, contundencia y pasión. Sobre todo esto último. Hacía falta un grupo como Enforcer heredando la historia de Iron Maiden y de la NWOBHM, como hacía falta que DevilDriver y Lamb of God cogieran la antorcha que había levantado Pantera.

La estética es toda una declaración de intenciones!

Los Suaves reciben la Medalla de Oro de su ciudad, Ourense

2010-09-17T19:50:00.002+02:00

Es una foto que me hace muy feliz. Primero, porque Los Suaves significan mucho para mí. Y segundo, porque poco a poco se van abriendo grietas en la tradicional pasividad de las instituciones frente al Rock duro.

Lo hacen por cierto, entre el silencio absolutamente escandaloso de los presuntos gurús del Rock y el Metal en este país. Por ejemplo, Rafa Basa no cuenta nada de este hecho en su web. Igual que ese medio, otros pasan totalmente de este grupo legendario. Tampoco les hace falta, han vendido más de un millón de discos sin su apoyo. Sin ellos, y sin los grandes medios. A pesar de todos ellos.

Esta mañana, recibían la Medalla de Oro en el Ayuntamiento de Ourense en homenaje a su extensa y exitosa trayectoria musical durante las tres últimas décadas.

El grupo, camino de cumplir su 30 aniversario, está de celebración. A esta Medalla de Oro se suma mañana el concierto en directo que ofrecerá a partir de las 23 horas en el Pabellón Paco Paz, ante unos diez mil aficionados.

En un abarrotado salón de plenos, al que asistió la corporación municipal, los cinco componentes recibieron el galardón que les entregó el alcalde ante los aplausos de los asistentes.

La concejala de Cultura, Isabel Pérez, encargada de abrir el turno de intervenciones, agradeció al grupo que llevase "el nombre de Ourense por toda España" durante su trayectoria.

En la misma línea se pronunció el alcalde, Francisco Rodríguez, quien aseguró que "Ourense salda una deuda de décadas" con Los Suaves, a la que definió como "una fábrica de ourensanía".

El líder de la formación, Yosy, aseguró nada más recibir el galardón que "no hay nada comparable al reconocimiento de la ciudad en la que has nacido".

En un guiño a los presentes, aseguró que "con esfuerzo, dedicación y amor por lo que se hace, al final se tiene un reconocimiento, que en definitivamente es lo que todo buscamos, aunque para ello tenga que esperar 29 años, 9 meses y 1 día"

Posteriormente, la comitiva se trasladó a la Plaza de los Suaves, para descubrir una placa conmemorativa. Estas imágenes han sido publicadas en la web Manerasdevivir.com

Delante de numerosos seguidores, los componentes uno a uno agradecieron el apoyo de sus fans, tras asegurar que será a medida que vayan pasando los años "cuando nos daremos cuenta del valor de este premio".

Los cinco componentes, Charly y Yosi Domínguez, Alberto Cereijo, Fernando Calvo y Tino Mojón agradecieron el apoyo mostrado por todos sus incondicionales, al asegurar que "son los que nos han hecho llegar aquí".

Los Suaves cerrarán mañana dos intensos días de celebraciones con el concierto aniversario "29 años, 9 meses y 1 día" en el pabellón de deportes, con el que harán su nuevo disco.

A lo largo de más de dos horas y media, Los Suaves interpretarán los temas elegidos por sus fans a través de la página web de su discografía.

En principio está previsto que el nuevo trabajo, que incluirá dos DVD en formato libro, salga al mercado a finales de noviembre.

Herejes! Shakira y Lady Gaga con Metallica

2010-09-17T13:23:00.001+02:00

Faltaban pocas cosas por ver, y creo que en el capítulo de Blasfemias Metaleras tenemos ya suficiente. Estos días, Shakira se ha permitido versionar una de las baladas míticas de Metallica, "Nothing else matters". Esto, en cierto modo, podría ser comprensible, pues otros artistas Pop lo han hecho antes.

Lo que me parece un exceso es que Lady Gaga se ponga a bailar el "Metal militia" en medio de uno de sus conciertos, acompañada de una de sus colaboradoras, que portaba camiseta de Iron Maiden.

Que os aproveche...

Joey DeMaio, entrevistado por Euskal Telebista antes de actuar esta noche en Durango

2010-09-10T13:40:00.000+02:00

El bajista y líder de la banda más True del planeta metálico habla para ETB en su escaso castellano. Esta noche, actáun en Durango dentro de su gira por la Península.

Datos sobre el próximo concierto de Guns N' Roses en San Sebastián

2010-09-10T13:34:00.002+02:00

Crítica de "Blood of the nations" de Accept 8'5/10

2010-09-06T18:13:00.001+02:00

Si llevas tiempo buscando un buen disco de puro Heavy Metal, sin concesiones, y el último de Iron Maiden no ha logrado saciarte la sed de guitarras pesadas, bases poderosas y voces aguerridas, no pases ni un solo día más sin hacerte con este disco. Accept están derribando todos los prejuicios que han ido generándose desde que se anunció la reunión del grupo sin UDO a la voz, sustituido por el norteamericano Mark Tornillo.

No creo exagerar si digo que los Accept acaban de firmar con la produccíón del gran Andy Sneap y el sello de Nuclear Blast uno de los mejores discos de Heavy del año. La tradicional energía metálica de inspiración belicosa de los alemanes explota a raudales desde el primer hasta el último tema, con unos riffs y ritmos de guitarra realmente inspirados, que nos retrotraen a la primera y más gloriosa etapa del grupo, y con un inconmensurable Tornillo al micro. Sinceramente, desconozco por qué este tipo no era más conocido en el circuito. Para que os hagáis una idea, de momento no tiene ni espacio en la Wikipedia.

Según nos cuentan en el libreto del Cd, unas breves referencias sirvieron para que los alemanes contactaran con Mark Tornillo, y tras las primeras probaturas aquello funcionó. Y os aseguro que funciona. Más de 70 minutos dura este "Blood of the nations" que líricamente sigue apostando por la temática belicista ("Beat the bastards", "Teutonic terror", "New world comin' ", etc), y que en lo musical suena duro, compacto, sin titubeos y con muchas ganas. Desde luego, la sensación general es que los músicos han rejuvenecido y que tienen muchas ganas.

Yo, si fuera UDO, me preocuparía, porque el señor Tornillo parece ser capaz de explorar más posibilidades vocales de lo que él tradicionalmente ha hecho: se le dan bien los temas más duros, pero también se atreve a cambiar de registro en las partes más pausadas, para volver a subir hasta puntos donde su garganta parece rasgarse.

El disco se abre con dos temas puramente Acceptianos, que enganchan de partida y que pueden convertirse en auténticos himnos, como son "Beat the bastards" y "Teutonic terror", un vídeo que supera las 300.000 reproducciones en Youtube, y que rebosa metralla, tanques y proyectiles al más puro estilo del grupo.

Cabe destacar también el excelente trabajo a las guitarras de los legendarios Hoffmann y Frank, quienes si bien nunca han estado entre los de más reputación en la escena metálica son auténticos maestros a la hora de componer riffs poderosos. El tema que titula el disco es un perfecto ejemplo.

Quizás veo erróneo que el grupo se haya querido meter en terrenos que no domina, como las baladas. Hay una realmente floja titulada "Kill the pain" en la mitad del trabajo, y esto lleva a preguntarme por qué hay gente que se empeña en hacer lo que no se le da bien. Si lo tuyos son las melodías asesinas, deja de jugar con una sensibilidad que no dominas. Sólo el cantante se salva en tan floja pieza, y eso porque parece otra voz distinta del resto del disco. Suenan mejor otras piezas concebidas como medios tiempos que progresivamente van subiendo de intensidad, como "Time machine", donde los coros ambientan estupendamente el tema. Accept tiran mucho del apoyo melódico de los coros en este "Blood of the nations".

Y atención también a aquellos momentos más Power, como "Rollin' thunder" o "Pandemic", donde las guitarras veloces hacen de Tornillo una especie que busca la simbiosis entre el propio UDO y un Halford más rasposo. La inspiración de los Judas es evidente.

Accept se han ganado por méritos propios una segunda oportunidad. Gran disco, que en algunos países está triunfando, caso de Alemania, donde ha alcanzado el número 4 en la lista de ventas. ¿Alguien se lo imaginaba? Yo no, y asumo mi error por haberles prejuzgado. Creo que este es el primer ejemplo de una gran banda que es capaz de remontar el vuelo sin su vocalista histórico. No lo lograron ni Iron Maiden, ni Judas Priest, pero Accept sí.

"The trooper" en arpa

2010-09-02T21:29:00.000+02:00

Este genio del arpa y fan de los Maiden nos deleita con un "The trooper" como nunca lo habiais escuchado

Crónica de Obús y Los Suaves en Bilbao el 24 de agosto de 2010

2010-08-26T17:01:00.004+02:00

Los Suaves somos todos!

El martes fue el día elegido para que el Rock tomase el recinto de Botika Vieja en Bilbao durante la festiva Aste Nagusia, y este año la selección estaba centrada en dos glorias del guitarreo en castellano, los renacidos Obús y unos Los Suaves en mejor forma desde que Yosi decidió, o se vio forzado, a portarse mejor durante los directos. La afluencia de público fue elevada (se notó que el concierto era gratis), aunque se disponía del espacio suficiente para guitarrear y saltar con cierta soltura.

Abrían Obús, que descargaron durante algo más de una hora un chaparrón de clásicos que fueron coreados por una mayoría a la que se le notaba que hacía tiempo que no escuchaba sus discos. La gran estrella del concierto, y diría que de la noche, fue el mítico Fortu, que mantuvo un ritmo alto en todo momento, desplegando un derroche vocal que llamó la atención a más de uno. Es evidente que a su edad Fortu no es capaz de alcanzar los agudos de un Halford en su época dorada, pero también lo es que, precisamente por su edad, es de admirar el esfuerzo que hace por darlo todo. Se merece un notable alto. Además, interactuó con el público de forma entusiasta, bajando a las primeras filas, escalando las torres, pidiendo palmas y hasta subiendo a un grupo de niños en el cierre de “Esta ronda la paga Obús”.

“Sólo lo hago en moto”, “Vamos muy bien”, “Dinero, dinero”, “Te visitará la muerte”, “Que te jodan” y otras amenizaron el arranque de una noche que dejó a una gran mayoría satisfecha. Bien por los Obús, que sólo unos días antes habían cancelado su concierto en Valencia por problemas de salud del guitarrista. Es de elogiar su empeño por mantener arriba el gran nombre de una leyenda del Metal nacional.

Tras la necesaria pausa, la escena se decoró con gatos para preparar la salida de Los Suaves, a quienes he visto varias veces en los últimos años, y por lo tanto puedo certificar que su estado ha pasado de suspenso a notable. Los desbarres de Yosi quedan afortunadamente atrás, y las opiniones ahora se centran en discutir si el repertorio ha sido el adecuado o no. Tengo la impresión de que mucha gente se quedó con ganas de más clásicos, pero al igual que en el caso de Maiden en Valencia, defiendo que las bandas históricas se atrevan a atacar sus nuevos temas, aunque la mayoría quiera que siempre caigan los clásicos.

Cuando uno ha visto 5 ó 6 veces a Los Suaves, agradece que no siempre toquen, por ejemplo, “Peligrosa María”. Y eso hicieron los de Ourense, que en la noche bilbaína presentaron hasta cinco canciones de su último trabajo “Adiós, adiós”: la que da título al disco, “Cuando los sueños se van”, “Se alza el trueno”, “Frío como una llave” y “Esa noche te perdí”. Toda una osadía que, insisto, yo valoro positivamente.

La intro clásica nos presentó a una banda con ganas, que atacó “Preparado para el Rock N’ Roll” con un Yosi a quien se le entendía inusualmente bien, con un Charly sonriente como de costumbre, y con un Alberto Cereijo que da la impresión de estar supervisando todo constantemente. El ambiente festivo se enfrió un poco al seguir varios temas de la última etapa, entre ellos “San Francisco Express” y un “Palabras para Julia” que en mi zona fue muy poco celebrado a pesar de ser uno de los favoritos de los fans.

Lo bueno de Los Suaves es que cuentan con tantas canciones que son capaces de no hacer dos set lists iguales en todo el año, e incluso se lanzan a conformar medleys que nos permiten degustar temas no habituales. El del martes fue especialmente acertado con “Dile siempre que no estoy” + “Luis y su mujer” + “Miénteme” + “Pobre jugador” + “Viejo”. Yosi estuvo saltarín y vacilón como en sus mejores ocasiones, y a mí me sigue llamando la atención cómo es posible que se despida tantas veces a lo largo de un concierto, va un cuarto de hora y ya empieza a decir adiós! Pidió más guitarreo, se puso una camiseta del Athletic de Bilbao y realizó su número habitual de la ikurriña con la bandeira galega.

No cayeron “Pardao” ni “Peligrosa María”, pero por el contrario comprobé cómo otras dos de la última etapa son cada vez mejor acogidas: “Mi casa” y “Ya nos vamos”. Los temas del último disco fueron seguidos con cierta frialdad, y el contrapunto llegó, como siempre, con “Dolores”, coreada hasta por las camareras.

En definitiva, fue una buena noche de Rock y nostalgia para muchos bilbaínos que hacía tiempo que no se acercaban a ver a dos leyendas vivas como Obús y Los Suaves, dos bandas que estuvieron a la altura de Aste Nagusia.

Crónica del concierto de Iron Maiden en Valencia el 21 de agosto de 2010

2010-08-23T02:24:00.009+02:00

Iron Maiden + Edguy
Valencia. Auditorio Marina Sur
22.000 espectadores
66 euros + 6 de gastos de distribución

Edguy, con mucho calor

Ha sido un gran acontecimiento metalero. Masivo. Absolutamente masivo. Aunque como casi siempre, se puedan extraer críticas negativas, y las de esta ocasión no son menores. Hemos visto a un grupo atravesando un momento muy dulce, pero gran parte de los 22.000 que estábamos allí no vimos bien ni escuchamos con nitidez. Y ya va siendo hora de que se nos dé un trato equivalente al precio que pagamos. Podríamos haber disfrutado mucho más.

Valencia, tomada por heavies de toda edad y condición

Que este concierto, en cuanto a sus magnitudes, iba a desbordar las expectativas, me quedó claro en cuanto llegué a Valencia el viernes. Era mi primera vez en la ciudad, que ha estado tomada por los heavies durante tres días. Incluso en el momento de escribir estas líneas, en el aeropuerto de Manises, el domingo por la noche, el paisaje es como para alegrarse: camisetas negras por doquier. La mayoría, claro, de Maiden.

Pasearas por donde pasearas en Valencia eso veías, melenas y más melenas. Unos ya situados, visitando la ciudad. Otros llegando y tomando los hoteles. El mío estaba lleno el sábado y tuve la suerte de desayunar las dos mañanas al lado de los Edguy, también allí alojados. Ahí tenéis una foto junto a Tobbias Sammet sacada con "Hallowed be thy name" de fondo, en el tramo final del concierto.

El pesado de Tobbias Sammet dándome la chapa cuando yo quería escuchar "Hallowed be thy name", y el segurata que también quería salir

22.000 personas asistimos al espectáculo, que hasta Bruce Dickinson calificó como masivo. Como sabéis, era el cierre de la gira, aunque volverán a la carretera el año próximo para presentar el recientemente publicado "The final frontier". Y no hubo sorpresa tal y como había asegurado Steve Harris a Mariano Muniesa en el último número de Kerrang! El repertorio fue el anunciado y ni una canción más. Siento que hubiera mucha gente esperando otra vez "The trooper" y las demás, pero los que seguimos su trayectoria, también en esta última etapa salimos muy contentos.

Tanto el escenario como las pantallas estaban muy bajas, al igual que el sonido

La banda sigue en excelente forma, aunque habréis de disculpar que no me prodigue en detalles del show pues el gentío me tapaba la visibilidad del escenario durante la mayor parte de la noche. No es que fuésemos demasiados para un concierto, es que el escenario estaba bajísimo, y las pantallas, como podéis apreciar en la foto, estaban a la misma altura de las tablas. Es decir, si no veías la escena, casi seguro que no veías las pantallas.

Hubo gente de toda la Península: a mí me saludaron personas de San Sebastián y otros puntos de Euskadi, conocí a Eusebio de Alacant, y destacaba la gran cantidad de europeos presentes, especialmente británicos, que acudían a la llamada de la Doncella. En el hotel, un metalero guiri me confesaba que no los había visto aún en este tour, pero sí había asistido a todas sus giras en los últimos 15 años. "Qué envidia", le dije.

Antes que Iron Maiden, y cuando aún castigaba el sol, Edguy se marcaron un animado concierto, en el que una buena tropa ya congregada en el recinto disfrutó de lo lindo. Edguy sonaron de miedo, con ese gran músico que es Tobbias Sammet al frente. Sammet no dudó en calificar a Iron Maiden como la banda de Heavy Metal más grande del mundo. "Si Edguy suenan así, ya verás Maiden", dije yo. Pero no, los británicos padecieron problemas de sonido, que estaba bajo, se iba y volvía, lo que sumado a la escasa visibilidad, obligaba a extremar la precaución.

Cuando cayó la noche, aunque 40 minutos antes de la hora anunciada, la intro tomó el escenario, ubicado en un entorno ideal, en pleno canal, al final del puerto, y al que sólo se accede a través de un puente levadizo. La organización también es responsable del atraco a mano armada que suponían los precios de la bebida: cobrar 8 euros en barra y 10 en los surtidores móviles por un litro de cerveza debería ser perseguible penalmente. Vamos, hablando en plata es un puto atraco.

Dicho esto, sonó el "Doctor, doctor" de UFO y empezó aquello a moverse. Abajo luces, fondo de telón simulando el espacio sideral, e intro. Aquello era un clamor. Qué ganas de ver a los Maiden. Los primeros acordes de "The wickerman" los intuí entre el griterío, y el primer estribillo nos arrastró a todos en un bote masivo que certificó que este tema está ya en el Olimpo del repertorio maidiniano. Pasaron varios minutos hasta que pude ver a Bruce. A Adrian le vi después de varias canciones, y vuelvo a preguntarme: ¿No son capaces los promotores de diseñar un espacio para grandes audiencias? ¿Un lugar de abajo arriba para que vean todos? Porque os aseguro que yo estaba de mitad hacia adelante y no veía nada.

Lo bueno fue que como el repertorio se basaba en los últimos discos, los menos duchos se fueron moviendo hacia las barras y eso despejó el panorama. Para cuando llegó "Dance of death", los que querían sólo "The trooper" y "Run to the hills" ya estaban resoplando. Pero yo insisto, "...Benjamin Bregg", "Brave new world" o "No more lies" suenan atronadoras en directo. Especialmente esta última, que en disco no me convence, logra una perfecta comunión con el público.

Me sorprendió lo mucho que se coreó también "El Dorado", a pesar de ser la más reciente, aunque al caer "Wrathchild" aquello se removió mucho más. Dickinson sigue siendo un cantante soberbio, que no para de brincar, y Steve Harris comanda al grupo de forma implacable, apuntando con su bajo constantemente. Todo sale según lo esperado, Gers hace piruetas con la guitarra, Smith trata de pasar desapercibido, y Nicko... Nicko es quizás el más querido por la gente dada su simpatía. Iron Maiden son los más grandes por algo.

El tatu soñado

El bloque de canciones de "A matter of life and death" son las que menos entusiasmo generan, y eso lo aprovecho para avanzar y mejorar mi visibilidad, hasta que puedo escuchar cómo Bruce da la bienvenida a la familia Maiden a los muchos que esta noche les ven por primera vez. A ellos, y a Dio, les dedica "Blood brothers".

El delirio llega con "Fear of the dark", y con la salida de Eddie durante "Iron Maiden". Después, los tres clásicos para remachar. Cuando empieza a sonar "The number of the beast" dos colegas se abrazan delante de mí, como si fuera precisamente la primera vez que la escuchan en directo. Así acaba el concierto, con caras de felicidad.

Os esperamos en la próxima gira. Y a ver si os podemos ver mejor.

Repertorio

1.The Wicker Man

2.Ghost Of The Navigator

3.Wrathchild

4.El Dorado

5.Dance Of Death

6.The Reincarnation Of Benjamin Breeg

7.These Colours Don't Run

8.Blood Brothers (Dedicada a Ronnie James Dio)

9.Wildest Dreams

10.No More Lies

11.Brave New World

12.Fear Of The Dark

13.Iron Maiden

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14.The Number of the Beast

15.Hallowed Be Thy Name

16.Running Free

Otra súper-gira que no vendrá por España... Por ahora

2010-08-16T00:58:00.000+02:00

Buena parte de los metaleros europeos van a tener la oportunidad de asistir, próximamente, a una interesante gira en la que se presentarán cuatro de las bandas estadounidenses más interesantes del momento y, sin duda, más en forma: Disturbed, Papa Roach, Buckcherry y Halestorm.

Los primeros encabezarán la gira para presentar su nuevo trabajo "Asylum", continuación del estupendo "Indestructible", que ya comentamos aquí. La banda de Chicago es una de las más poderosas del Metal actual, y en su país arrasan tanto que empiezan a rivalizar con los mismísimos Metallica.

El vídeo de adelanto de este nuevo disco se titula "Another way to die" y suena así.

Sus tres escuderos europeos serán dos bandas que pasaron recientemente por el festival Kobetasonik, en donde dejaron un muy buen sabor de boca: Buckcherry y Papa Roach, los primeros con un nuevo disco que ha entrado al Top 10 del Billboard, "All night long". Y, por último, la banda de la bella Hale, Halestorm, cuyo primer disco hasta ahora también os comenté hace algunas fechas.

La parte de la gira confirmada hasta ahora no incluye ninguna fecha en la Península, pero no pierdo la esperanza, aunque ninguno de los cuatro mueva masas, hasta ahora, entre nosotros.

"Rockstar Taste of Chaos" with PAPA ROACH, BUCKCHERRY and HALESTORM:

Nov. 15 - Helsinki, FIN - Hartwall Arena
Nov. 17 - Stockholm, SWE - Hovet
Nov. 19 - Oslo, NOR - Spektrum
Nov. 20 - Copenhagen, DEN - KB Hall
Nov. 22 - Berlin, GER - Arena Treptow
Nov. 24 - Vienna, AUT - Gasometer
Nov. 25 - Munich, GER - Zenith
Nov. 26 - Winterthur, SWI - Eishalle Deutweg
Nov. 28 - Freiburg, GER - Rothaus Arena
Nov. 29 - Hamburg, GER - Sporthalle
Dec. 01 - Dusseldorf, GER - Philipshalle
Dec. 03 - Luxembourg, LUX - Rockhal
Dec. 05 - Brussels, BEL - Forest National Club
Dec. 07 - Birmingham, UK - National Indoor Arena
Dec. 08 - London, UK - Wembley Arena
Dec. 09 - Plymouth, UK - Pavllion
Dec. 11 - Glasgow, UK - SECC
Dec. 12 - Manchester, UK - Central
Dec. 13 - Nottingham, UK - Trent FM Arena

¿Y si estos se convierten en la banda de Metal del momento?

2010-07-19T20:59:00.004+02:00

Reconozco que yo también los miré con recelo. ¿Unos Accept reunidos sin UDO? ¿Un nuevo cantante que se apellida "Tornillo"? La cosa no pintaba bien a priori, y de hecho me perdí su paso por Barakaldo hace algunas semanas. Bien que lo siento. El nuevo fichaje de Accept como cantante y frontman, Mike Tornillo, es una bomba. Si había que sustituir a UDO, no podían haber encontrado a nadie mejor, y cada vez que escucho este tema, y veo más vídeos de sis directos, me pregunto si no acabará tumbando la leyenda del orondo alemán.

Bueno, no corramos tanto. En poco tiempo saldrá a la venta "Blood of the nations", el primer disco de estos renovados Accept y ahí podremos juzgar hasta dónde llega y para qué da esta savia nueva.

Por lo de ahora, sólo os puedo decir que esto es puro Heavy Metal, con poderío, potencia, actitud y sin medias tintas. Esto es lo que un metalero clásico espera de su música, y creo que desde Sabaton (cuyo último disco comentaré en breve), no escuchaba nada que me reencontrase tanto con lo más genuino del estilo. A ver si va a resultar que Accept se convierte en la banda del año.

"Teutonic terror" ha superado ampliamente las 150.000 descargas en Youtube.

Primer vídeo del nuevo disco de Iron Maiden

2010-07-13T20:41:00.005+02:00

Impresionante primer vídeo clio del nuevo trabajo de Iron Maiden, el que da título al nuevo disco, "The final frontier". La historia es simplemente espectacular, pero lo mejor es que la música ya apunta mejores maneras que el primer tema adelantado, "El Dorado". Lo de Valencia se va calentando!

The Final Frontier - Director's Cut

Iron Maiden | MySpace Music Videos

THE FINAL FRONTIER

1. Satellite 15....The Final Frontier (8:40)
2. El Dorado (6:49)
3. Mother Of Mercy (5:20)
4. Coming Home (5:52)
5. The Alchemist (4:29)
6. Isle Of Avalon (9:06)
7. Starblind (7:48)
8. The Talisman (9:03)
9. The Man Who Would Be King (8:28)
10. When The Wild Wind Blows (10:59)

Crónica de la primera jornada del Bilbao BBK Live Festival con vídeos de alta calidad

2010-07-11T17:57:00.006+02:00

BBK Live Festival, Bilbao
Jueves, 8 de julio de 2010
Rise to Fall, Volbeat, Bullet for my Valentine, Skunk Anansie, Rise against, Slayer, Rammstein y Anti-Flag
Precio: 50 euros el día, 110 bono para los tres días (también actuaron Faith no more, Alice in chains, Pearl Jam, Manic street preachers y otros)

Esta baqueta de Dave Lombardo, que tuvo la suerte de pillar mi colega Josu, fue la guinda a una buena primera jornada del BBK Live festival, a la que acudimos más de 24.000 personas, a pesar de que fuera jueves, y del calor. Desde la apertura de puertas, a las cinco de la tarde, hubo colas para acceder al recinto de Kobetamendi, lo cual creo que fue la prueba de que había ganas de festival en Bilbao. La primera jornada del festival era la única con ingredientes claramente metaleros, y a ella nos agarrábamos ante la ausenncia este año del Kobetasonik.

No toda la tarde-noche era de nuestro agrado, pero sí queríamos aprovechar al máximo los momentos, a priori, más deseados: la primera actuación de Bullet for my Valentine en Euskadi, con éxito abrumador en todo el mundo, los Slayer del nuevo "World painted blood" y Rammstein, que nos alucinaron en el BEC hace unos meses, y que podían reventar al aire libre. El resto de bandas también apetecían, pero no eran puramente nuestro estilo, así que os advierto de que sus crónicas serán muy escasas. Acompaño vídeos de calidad que grabé.

Empezó todo con los bilbaínos Rise to fall, a quienes apenas pudimos ver desde la distancia y en el tramo final de su actuación por las señaladas colas. Su estilo death-melódico tiene seguidores, aunque como ya se ha dicho en otras ocasiones, deberían marcar progresivamente una identidad propia que les evitara comparaciones demasiado evidentes. Cuanto antes lo hagan, antes se alejarán de esos fantasmas. Tienen juventud, talento y fuerza, y por ahora dos trabajos en el mercado, así que están a tiempo de dejar el sonido sueco simplemente como influencia, en lugar de como base compositiva. Su cantante confesó que el sueño de tocar allí arriba había tardado demasiado en cumplirse, y había durado muy poco.

Después subieron, con algo de retraso, lo cual pagaron ellos en tiempo y las bandas que vinieron detrás para cumplir los horarios, los daneses Volbeat. Les conocí, como casi todos, con la versión de "I only wanna be with you" hace un tiempo y me resultaron una banda interesante. Como defecto, les achaco que sus riffs son demasiado lineales, pero eso también puede ser una virtud -fijaos en AC/DC-, y como puntos a favor tienen muchas cosas: actitud, capacidad para componer temas pegadizos, un estilo muy característico, y un cauce de sonidos que van desde el Hard-Rock hasta el metal más clásico con influencias hardcorianas melódicas.

Aprovecharon bien su tiempo, y aunque eran los segundos, acabaron levantando muchos puños, especialmente en el segundo tramo de la descarga, que fue la más metalera. Le dedicaron un tema a Dio (fueron los únicos en todo el día!) y, sobre todo, divierten, porque realmente transmiten buen humor.

Justo después, y apenas con un minuto para ir de un escenario a otro, en el principal, salían Bullet for my Valentine. No pudieron estar en el mismo festival en 2007 por los problemas vocales de Matt Tuck, y desde entonces se han convertido en una banda de referencia en la regeneración del Heavy Metal. Con tres discos en el mercado, estos galeses tienen un registro de ventas y hits sólo superado en la historia del Metal por Iron Maiden con sus tres primeros trabajos, así que no conviene minusvalorarlos, sobre todo por su ambición sin límites. Me gusta que sean ambiciosos y que tengan hambre de éxito, quizás por eso algunos los machacan en los foros.

Presentaban su gran "Fever", de reciente publicación, y con su primer temazo abrieron, "Your betrayal". En las primeras filas había mucha juventud, demasiada, lo cual motivó que los pogos fueran como de juguete (al menos en la parte izquierda hacia el escenario), y también que algún hijo de puta se dedicara a ratear carteras. En mi posición, hasta dos personas sufrieron robo. Ojalá esa gentuza se quede en sus casas. BFMV estuvieron bien, correctos, sonaron mal por momentos debido a problemas en los micros, y eché en falta algo más de cercanía, más interacción con la gente.

La ejecución, sin embargo, fue impecable. "Fever", "Waking the demon" y la archiconocida y aclamada "Tears don't fall" siguieron la tormenta. Por suerte, el sol se había escondido tras las nubes, pero el bochorno era insufrible. Si eso lo unes a las polvaredas de las primeras filas, imagínate lo bien que se respiraba.

La actuación lineal no tuvo altibajos, aunque temas conocidos como "Scream aim fire" funcionaron muy bien. Tocaron muchas canciones del último disco, y cometieron un fallo garrafal al despedirse con "Alone", una canción que podría cambiarse por otra claramente.

1.Your Betrayal
2.Fever
3.Waking the Demon
4.Tears Don't Fall
5.Pleasure and Pain
6.4 Words (To Choke Upon)
7.The Last Fight
8.Scream Aim Fire
9.Begging For Mercy
10.Hand of Blood
11.Alone

Después llegaba el turno de Skunk anansie, con la poderosa Skin al frente, pero me tomé un descanso tras la guerra de BFMV. Aún así, lo poco que vi me gustó. Tras varios años parados, siguen manteniendo la fuerza que les hizo ganar cotas de fama en los '90. Skin se lanzó sobre el público y allí siguió cantando, y la gran cantidad de gente que se congregó en torno al segundo escenario coreó sobre todo clásicos como "Charlie big potato" o "Weak".

Tras ellos, los hardcorianos Rise against abarrotaron el primer escenario con su propuesta veloz. Tampoco os puedo dar muchas claves dado que nunca los he seguido y tampoco son estrictamente mi estilo, pero salieron ganadores.

Nuestro momento era el siguiente, el tanque sónico de Slayer, los verdaderos padres del Thrash Metal. Confieso que temí por su actuación porque habían cancelado el show previo de París por problemas vocales de Tom Araya, pero allí estuvieron, y al vocalista le recibieron dos banderas chilenas. Slayer eran los que más desentonaban en un cartel demasiado heterogéneo, y creo que eso se notó en cuanto a la afluencia de público, e incluso en las primeras filas, en las que los pogos fueron eléctricos, pero reducidos para un concierto festivalero.

Las luces rojas recibieron al cuarteto, que descargó de inicio dos temas de su último disco, "World painted blood" y "Hate worldwide", y la cosa se fue caldeando. Me sorprendió "God hates us all", pues no la vienen interpretando últimamente, y también "Dead skin mask". Llama la atención ver a Araya sin agitar las greñas, y quizás no todo el mundo sepa que eso se debe a una operación de espalda a la que se sometió hace meses. Tras eso, le han prohibido excederse con su cuello, así que su papel en el escenario puede parecer el de un impertérrito, pero tiene razón de ser.

Slayer son un seguro de vida: si lo quieres es leña, ellos te la dan por duplicado. Si quieres autenticidad, ellos son auténticos, si quieres honestidad, ellos te la dan. Uno tras otro, fueron cayendo clásicos del Heavy Metal para disfrute de nuestros oídos, y de los codos de quienes nos metíamos en los círculos de las primeras filas. "Mandatory suicide", "Hell awaits"... Y la descarga final, apoteósica, con "South of heaven" y "Angel of death". Simplemente arrolladores.

Sin apenas descanco, los más esperados, los alemanes Rammstein salieron a incendiar el recinto con una gran entrada de público, y una presencia impresionante. Rammstein no sólo ofrecen una propuesta musical original e intensa. Su oferta quedaría mermada sin la fabulosa teatralidad con la que combinan sus shows. Tras su visita de hace unos meses, apenas han variado para la temporada de festivales, y los principales puntos del espectáculo se mantienen, al igual que el grueso del set list. Siguen quemando al espontáneo que se sube a las tablas, el teclista es introducido en un barreno por Lindemann y le cae un chorro de fuego, el mismo teclista se hace varios kilómetros sobre su cinta andadora, y "Pussy" acaba con el cañón de espuma, antes de que la barquita lleve a uno de ellos sobre el público, esta vez con una ikurriña para deleite de los autóctonos.

Durante su actuación, la lluvia hizo acto de presencia dos veces, y mucha gente comenzó a dispersarse. El escenario sigue distribuyéndose en dos alturas, con tres miembros del grupo en cada altura y apenas se invaden los espacios entre unos y otros. El vocalista y frontman domina la situación de manera asombrosa, pero... Hay un pero. Si ya lo has visto una vez, se vuelve previsible. Y eso me ocurrió.

Ya, ya sé que AC/DC hacen siempre el mismo concierto, con las mismas escenas, y que Kiss también, pero la oferta global no se puede comparar. Aún así, que nadie me malinterprete, un concierto de Rammstein es muy recomendable.

01. Rammlied
02. B*******
03. Waidmanns Heil
04. Keine Lust
06. Feuer Frei!
07. Wiener Blut
08. Frühling In Paris
09. Ich Tu Dir Weh
10. Do riechest so gut
11. Benzin
12. Links 2-3-4
13. Du Hast
14. Pussy
15. Sonne
16. Haifisch
17. Ich Will

Así discurrió la primera jornada del BBK Live, con todos los conciertos rayando a un gran nivel. A falta de un festi puramente heavy, aprovechamos lo que había. Iron Maiden en Valencia nos espera.

Esta chica canta como los ángeles...

2010-07-08T00:37:00.003+02:00

Landmine marathon: "Shadows fed to tyrants"

Pertenece a su disco "Sovereign descent". Proceden de Phoenix, Arizona, y ya os hablé de esta chica, llamada Grace Perry, cuando le dedicaron un número en Revolver Magazine de su serie The hottest chicks in Metal. Son, en su estilo, una muy buena banda.

Disfrutadla. Nos vemos dentro de unas horas en el BBK Live Festival con Bullet for my Valentine, Slayer y Rammstein.

Scion A/V Video: Landmine Marathon - Shadows Fed To Tyrants from Scion A/V on Vimeo.

Javier Bardem hará de heavy

2010-07-06T22:10:00.002+02:00

De elpais.com

El actor español Javier Bardem aparecerá en la segunda temporada de Glee, comedia estadounidense ganadora del premio Globo de Oro a la mejor serie, que en España se emite a través de Neox, la TDT de Antena 3, y de la cadena de cable Fox, y lo hará como estrella del heavy metal. El actor ha confirmado la noticia en unas declaraciones a la publicación Entertainment Weekly: "Vamos a tocar algo de heavy metal, pero español, que es el peor".

El ganador del Oscar por No es país para viejos se interesó en participar en la serie después de, confiesa, haber visto la primera temporada en una semana. Le propuso la idea a Ryan Murphy, creador de la serie, y con quien había trabajado en la película Come, reza, ama, que protagoniza junto a Julia Roberts y que se estrenará en España el próximo octubre.

Está previsto que Bardem interprete a una estrella del rock que comienza una amistad con el personaje de Artie, uno de los protagonistas. La serie atrae a público adolescente como a una audiencia adulta con historias centradas en un grupo de estudiantes poco populares que crean un coro en el instituto. La segunda temporada de Glee, donde estará el actor español,comienza en septiembre.

Qué grande es Ozzy: se ha sacado el carné de conducir tras 19 intentos

2010-07-01T21:25:00.005+02:00

Ozzy siempre es noticia por algo, ahora mismo lo es porque su nuevo disco, "Scream" está pegando fuerte en listas. Pero hay más, según informan las agencias de noticias, Ozzy ya puede ponerse al volante de un coche. Después de 19 intentos por fin ha conseguido sacarse el carné de conducir, según anuncia en una entrevista en la edición de agosto de la revista alemana 'FHM' que ha sido adelantada.

"Siempre estaba borracho, colocado o algo así", declara el cantante, que se queja de que nadie quiera montarse en el coche cuando él conduce. También cuenta algunas anécdotas relacionadas con su lucha por conseguir el permiso.

Una vez estaba tan nervioso que le pidió al médico que le recetase tranquilizantes, "así que cuando tenía que girar con el coche estaba sencillamente dormido", ha admitido Osbourne. Cuando se despertó, el profesor de autoescuela había desaparecido dejándole una nota en el salpicadero: "Señor Osbourne, lamentablemente no pasó usted el examen. Le sugeriría que no vuelva a conducir este coche".

"Scream", el nuevo disco de Ozzy, el primero en muchos años sin Zakk Wylde , sustituido por Gus G., ha logrado los siguientes impactos:

Finlandia: #3
Canadá: #4
Japón: #4
EEUU: #4
Noruega: #5
Alemania: #7
Australia: #11
U.K.: #12

Crónica del concierto de AC/DC en San Mamés, Bilbao, el 28 de junio de 2010

2010-06-29T14:17:00.003+02:00

“Qué lento pasa el reloj” clamaba un chico que estaba justo detrás de mí. Eran las diez menos cuarto y San Mamés estaba lleno a reventar, con 40.000 personas esperando a ver a AC/DC. En teoría, faltaba un cuarto de hora, aunque luego fue mucho más, porque la intro del tren que se proyecta en la pantalla antes de que Young y compañía salgan, comenzó con media hora de retraso. Esos minutos de espera se consumieron revisando el panorama: cuernos rojos en cientos de cabezas tanto en pista como en grada, público de todas las edades, familias enteras muchas de ellas con niños pequeños que demuestran que AC/DC es ya una banda TP, para todos los públicos, y muchos VIPs que no quisieron perderse la cita, entre ellos la presentadora Pilar Rubio y Molly de Hamlet, que pasaron al lado de nuestra posición, o el diputado general de Bizkaia, José Luis Bilbao, uno de los grandes impulsores de esta cita.

El concierto de San Mamés era el último del Black Ice Tour, y la organización había confirmado que podía ser un día especial. Las familias de los integrantes de la banda habían llegado a Bilbao para realizar una celebración con motivo del final de la gira, y confiábamos en que todo eso se tradujera en alguna variación sobre el set list habitual en esta gira. Pero nada nuevo hubo. El concierto discurrió como los anteriores, el mismo repertorio y los mismos efectos. Con respecto al concierto que ofrecieron en el BEC en abril del año pasado varió una canción, “High voltaje” por “Anything goes” y, eso sí, visualmente hubo más despliegue.

El escenario era monumental, alcanzaba los 52 metros de alto, y presentaba una ampliación en forma de pasarela hasta más allá del medio campo para que Brian Johnson y Angus Young pudieran pasearse de vez en cuando. Allí Angus interpretó su solo en “Let there be Rock”, y fue aclamado como lo que es, uno de los más grandes del Rock, con un increíble magnetismo. Nunca pensé que un solo de 15 minutos pudiera mantener al público en tensión constante, gritando y respondiendo a sus vaciles.

Las luces eran blancas y rojas, lo que daba mucho juego, y este fue uno de los fuertes en el plano visual. Cuatro pantallas grandes permitían ver los detalles a quienes estábamos en la parte trasera del campo, y luego hubo un poco de fuego, confeti, pirotecnia y los cañones, la campana y la gordita de “Whola lotta Rosie”. Vamos, que tuvo más detalles tal y como permite un recinto abierto a diferencia del BEC.

En cuanto al concierto en sí, si te lo perdiste, lo siento. El día era grande en Bilbao, así se percibía desde por la mañana, cuando unos cuantos valientes hacía cola para estar en primera fila. Todo respondió a las expectativas. Quizás el sonido estuvo un poco escaso al principio, especialmente la voz de Brian, un poco baja con respecto al conjunto. Pero la banda está en una excelente forma, se diga lo que se diga. Muy bien Brian, que no paró de moverse, animar y correr de un lado a otro, y también estuvo más comunicativo que en el anterior concierto de Bilbao; y sublime Angus. Hay quien cree que no está entre los mejores guitarristas del mundo, y seguramente no sea de los más virtuosos, pero siente cada nota que interpreta al máximo, y eso hace que nosotros las sintamos también. Es un fenómeno.

Cuando la intro comenzó, aquello parecía una olla a presión, para muchos era la primera vez, así que la intro les hizo gracia, y lo cierto es que el vídeo te hace sonreír aunque mil veces lo veas. “Rock N’ Roll train” fue la primera traca, y como la gente se la sabe bien, San Mamés retumbaba. “Hell ain’t a bad place to be” siguió, y a pesar de ser un temazo, no todo el mundo se sabe la letra, con lo que la intensidad bajó un poco. Este era el punto negativo del día, la cantidad de advenedizos que fueron al concierto porque ahora, ir a ver a AC/DC es “guay”, como si se va a ver “Avatar” en 3D. Había bastantes indocumentados por allí, pero los acontecimientos masivos tienen estas cosas.

“Back in black” puso aquello patas arriba, y el riff de Angus fue seguido por un ta-tarará-tarará… unánime, coronado por el primer oe-oe-oe al término del tema. Del último disco, “Black ice” cayeron cuatro canciones, el tema de apertura, el que da título al disco, que tiene un delicioso ritmo bluesy, “War machine” y “Big Jack”, pero las que mejor respuesta obtuvieron fueron los clásicos, especialmente aquellos de estribillo rotundo: “Dirty deeds done dirt cheap”, “Thunderstruck” o la deliciosa “You shook me all night long”.

La prueba de que Angus es un showman llega con “The Jack”, una canción que habla, como siempre la presenta Brian, de una “dirty, dirty woman”. Su striptease hast que se queda en calzoncillos inspira al público y a los cámaras, siempre hábiles, que buscan a las chicas más atractivas de entre el público. Una de ellas se llevó la ovación de la noche al enseñarnos las tetas. Para entonces era evidente que la música de AC/DC sin espectáculo no sería lo mismo. Eso sí, los australianos se habían metido a la gente en el bolsillo y eran ovacionados entre canción y canción de manera atronadora.

La campana de “Hells bells” motivó un nuevo delirio, al igual que ocurrió con “Shoot to thrill” y “High voltaje”, que fue muy bien acogida. La chica gordita de “Whola Lotta Rosie” se frota la entrepierna con el tren que está de fondo en el decorado y aquello anuncia que estamos acercándonos a la recta final. Antes el “oi, oi” con el que acompañamos a “T.N.T.” demuestra que la audiencia está conformando una gran comunión con el grupo, al que se le notaba que estaba disfrutando.

Quizás el gran momento llegó, como decía antes, con “Let there be rock”. El solo de Angus fue, simplemente, memorable. Un poco largo, sí, pero excelente para que el pequeño guitarrista comprobara cuánto le quiere y admira la gente. Lo hizo desde la pasarela, se tiró al suelo, saltó, paraba, seguía, nos miraba, sonreía, en fin, una gozada.

Sólo quedaba tiempo ya para “Highway to hell” y “For those about to rock”, con sus cañones. Por un momento, sin las luces encendidas, pesamos que podrían salir otra vez, aunque sólo fuera para saludar, pero no. Unos fuegos artificiales nos dijeron agur, pero era igual. Todos salimos felices de allí.

Insisto, si te lo perdiste, lo siento. Fue una noche inolvidable para todos. El último concierto de la gira, ¿Uno de los últimos de su carrera? Ojalá que no.

1. Rock N' Roll Train
2. Hell Ain't a Bad Place to Be
3. Back in Black
4. Big Jack
5. Dirty Deeds Done Dirt Cheap
6. Shot Down in Flames
7. Thunderstruck
8. Black Ice
9. The Jack
10. Hells Bells
11. Shoot to Thrill
12. War Machine
13. High Voltage
14. You Shook Me All Night Long
15. T.N.T.
16. Whole Lotta Rosie
17. Let There Be Rock
18. Encore:
18. Highway to Hell
19. For Those About to Rock (We Salute You)

Vídeos de AC/DC en Bilbao

2010-06-29T12:05:00.001+02:00

En breve la crónica del concierto ofrecido por los australianos en San Mamés.

Crónica de los conciertos de Slash y Kiss en el Azkena Rock Festival

2010-06-27T13:04:00.003+02:00

Tarde-noche agradable en lo meteorológico en la casi siempre fría Vitoria-Gasteiz para acoger la jornada más rockera de la edición 2010 del Azkena Rock Festival. El festival este pretendía pescar en dos caladeros: el Hardrockero y el rock más clásico y suave de Bob Dylan y Chris Isaak. A mí, como sabéis, sólo nos interesaba el primero, y allá que nos fuimos.

No presté ninguna atención a las bandas que antecedieron a Slash, de hecho entré en el recinto a eso de las 21 hs, y lo mismo parecían hacer la mayoría de metaleros que circulaban de barra en barra, mientras que algunos preferían ver el partido España-Chile. Ya entrada la noche, a eso de las 23 hs salió a escena el ex guitarrista de Guns N’ Roses, acompañado por su banda y el sensacional cantante Myles Kennedy. Había muchas ganas de ver a Slash, con su pitillo y su sombrero de cuero, y más tras la publicación de su disco en solitario, con el que me ha hecho pasar muy buenos ratos.

La banda comenzó con “Ghost”, el tema que abre su último disco, y lo cierto es que aquello sonaba bien. Eché de menos, eso sí, algunos vatios desde mi posición, que desde luego no era atrasada, pero la guitarra de uno de los mejores intérpretes del mundo ya sonaba a gloria. El concierto en sí fue espectacular. Creo que esa noche va a ser lo más parecido a una reunión de los GN’R auténticos que vayamos a ver nunca, y de hecho los momentos, varios, en los que interpretaron clásicos de la banda matriz fueron apoteósicos.

El primero en caer fue “Nightrain”, y en él ya apreciamos que Kennedy puede acercar su timbre al de Axl en los mejores años, pues clavaba los temas y, algo que es muy importante, evitaba cualquier afán de protagonismo, permitiendo que la guitarra del líder estuviese siempre en primer plano. “Nightrain” nos animó, pero “Civil war” fue toda una sorpresa que comenzó a caldear el recinto de manera importante. ¡Cuántas veces habremos imitado el wah-wah de la guitarra en nuestras habitaciones con la música a tope!

A partir de ahí, el grupo nos fue ofreciendo temas del disco en solitario de Slash hasta el final, cuando vino el clamor. Sonaron “Back from Cali”, una de las dos que canta Myles Kennedy en el trabajo del chico de los rizos con la Les Paul, y “Nothing to say”, la más heavy y macarra de todo el álbum (subiré el vídeo cuando pueda), con unos riffs muy a los Black Sabbath al arranque.

Pero, como decía, la gran sudada nos la dimos en el tramo final. Primero, cuando empezamos a intuir que venía “Sweet child o’mine”, pues Slash, que no ha perdido ni un ápice de su talento con el paso de los años, comenzó a vacilar con el riff hasta que aquello empezó. Y os podéis imaginar… Habrá sido una de las canciones que más veces hemos escuchado en nuestra vida, y allí estaba, para muchos por vez primera en directo. Fue una gozada, pero no sólo musical, sus poses, sus saltitos sus movimientos sobre la escena eran embaucadores.

Pero el remate aún fue capaz de superar ese momento: el primer tramo de “Paradise city” puso a saltar al mismo ritmo a las 17.000 personas que estábamos en las campas de Mendizabala, redondeando un gran concierto que, en mi opinión, fue lo mejor de la noche, muy por encima de Kiss. De hecho, me supo a poco la hora y media de guitarreo por parte de uno de los músicos más talentosos que haya escuchado nunca. Porque Slash tendrá muchos defectos, pero verle interpretar algunas de las canciones de nuestra vida fue un auténtico placer. Y su elección de cantante fue un gran acierto. Slash y Kennedy pueden darle al Hard Rock muchas noches de gloria.

Dejó, sin duda, el listón alto para los Kiss. Estos siempre juegan sobre seguro, y gran parte de la partida la tienen ganada sólo con el maquillaje, la pirotecnia y el fuego. Pero los rockeros solemos ser exigentes y queremos más. Por eso hay que señalar el gran lunar que para la música de Kiss es hoy por hoy la voz de Paul Stanley. El cantante principal del grupo está en un momento muy bajo de forma y, al margen de que no se le escucha con nitidez, tiene que hacer parones constantes para recuperar fuelle, con lo que el concierto pierde ritmo. Se agradecen los temas que interpreta Simmons, pues ahí sí que Kiss parecen tener un cantante.

Al margen de este detalle, para nada menor, el concierto discurrió por los cauces habituales, mucha espectacularidad, los números de siempre: la sangre de Simmons, la tirolina de Paul Stanley y un tramo final de descarga plagado de éxitos rutilantes que ya quisieran muchos grupos para sí como “Love gun”, “Lick it up”, “I was made for loving you”, “Detroit Rock City”, “God gave Rock n’ roll to you” y “I wanna Rock n’ roll all night”. Además, pudimos disfrutar de un solo estupendo, una vez más, de Eric Singer, que me parece uno de los baterías más interesantes del Hard Rock, no sólo por su espectacularidad, sino por su capacidad para cantar mientras toca. Por cierto, abandonó los parches para coger el micro y cantar “Beth” con la ayuda del público.

El repertorio varió con respecto al que ofrecieron en Bilbao en 2008, en aquel memorable Kobetasonik, y el arranque fue para una del último disco “Sonic boom”: “Modern day Dellilah”. Introdujeron “Cold gin”, “Let me go Rock n’ roll”, “Firehouse” y “100000 years” en el primer tramo, y hasta ahí se puede decir que la voz de Stanley aguantó, pero luego comenzó a hacer aguas de una manera escandalosa. Os puedo decir que llevo desde los 12 años esperando escuchar en directo la canción más atractiva de Kiss, que para mí es “Crazy crazy nights”, y que cuando llegó el momento sólo me oía a mí mismo. Entre que, como decía antes, el volumen era algo bajo y que Stanley está en las últimas, la canción perdió muchísimos enteros. Una pena.

Después, speech (“sois los mejores”, “hemos estado en Madrid y Barcelona y queremos ver si vosotros gritáis más”, “Vitoria-Bilbao”, esto último supongo que no les gustaría nada a los de casa, etc.), parón, solo, otro parón, numerito y el tramo final. Antes habían caído “Shock me”, “Say yeah”, “Deuce”, “I’m an animal” y “Calling Dr Love”, un grupo de canciones en las que de todo hay, la verdad, algunas son bastante prescindibles.

Sea como sea, estos señores son lo que son después de cuatro décadas, y cuando llega la traca final haces como que lo de Stanley no es para tanto, te vuelves a quedar boquiabierto con las descargas de fuego y te frotas los ojos cuando el señor del torso desnudo pasa encima de tu cabeza en la tirolina para cantar la canción más comercial de su historia sobre una plataforma a apenas dos metros de la torre de sonido, en donde están los VIPs también.

Para cuando ha llegado el final, te sientes orgulloso de haberlo vivido, y los fuegos artificiales que iluminan el cielo de Vitoria-Gasteiz confirman que algo grande ha pasado. Es la banda más caliente del mundo, y el aumento de grados lo hemos sentido. Eso sí, Paul cuídate. Querríamos una gira más, con un repertorio más variado.